Para acompanhar a entrevista com o homem cujo talento disputa com o de Júpiter Maçã o o trono da psicodelia sulista, reunimos quatro faixas que esboçam os (não-)limites do espectro divorakiano. Basta apertar o play e curtir essas belezuras que Cristiano Bastos arranjou para a gente.

Antiglitter, tributo da Band of Pixies, estará presente no disco tributo a Plato Divorak, a ser lançado em 2010, com produção de Pedro Brandt. A Mulher Brasileira é a Mais Linda integra o single virtual lançado neste ano por Plato, e fará parte da tracklist do disco de Plato gravado por Thomas Dreher neste ano.Turbilhão de Emoções já é um clássico. Jacqueline dos Theatros é um out-take do single que Plato lançou em 2010.

Plato Divorak @ NOIZE by nandoco

Plato por Plato

A capa do próximo disco de Plato & os Exciters (Clique para ouvir músicas inéditas do cara.)

Depoimentos

Frank Jorge

Texto: Fernando Corrêa
Foto: Rafa Rocha

Chris Owens, equivalente ao coração do Girls, cortou o cabelo pouco tempo antes de vir ao Brasil. Adotou o topete do ídolo Elvis Presley e afastou-se da carga destrutiva que os cabelos longos, louros depositavam sobre seus ombros, como se fosse ele uma reencarnação de Kurt Cobain. Ficou mais exposto e, presume-se, mais vivo.

Sua figura pouco encorpada parece equilibrar-se sobre uma navalha. Na música, o Girls é melodioso e soturno. Corre-se tanto risco de entrar por um ralo depressivo e confuso quanto de conhecer o sol de São Francisco, nas tardes em que Owens acordou de ressaca e traçou planos com o grandalhão Chet “JR” White—a outra parte essencial do Girls, o cérebro. Eventualmente os planos se concretizaram em Album, LP que o grupo lançou em 2009 e rapidamente rompeu as barreiras da Califórnia.

Não vão dominar o mundo, mas sonham compor um standard que soasse bem na voz de Elvis. O Girls é a plataforma de sustentação desse sonho, e a única coisa que Owens ama fazer. “É preciso expor-se para que a vida faça sentido”, disse, em uma noite fria de junho.
Estandarte e porta-voz da música e da vida desregrada que os dois levam, Christopher Owens vem de um berço confuso, que serviu de prato cheio para a imprensa desde que sua banda ganhou holofotes indie. Ele mesmo contou ter crescido no culto Children Of God (“Meninos de Deus”), braço mais radical da onda free love que resultou em muitas hippies grávidas nos anos 1970 e 80. Owens foi nascer justo em meio à galera que tolerava a pedofilia e o incesto.

O pai abandonou o barco depois de perder um filho, irmão de Chris, aos 2 anos. Hospitais não eram um local seguro para crianças tão “amadas”, mesmo com pneumonia. Restaram à mãe de Chris duas meninas e dois garotos para criar, e uma cartilha a seguir que a estimulava a se prostituir sem remorso. Ficaria marcada como uma mulher complicada e sofrida. A história é tão incrível que houve gente, de fato, questionando sua veracidade.

Se os Girls se reduzissem a folclore, pouco interessariam. No entanto, a passagem da dupla pelo Brasil, durante a realização do Popload Gig Festival 3, mostrou uma banda entrosada executando, vejam só, lindas canções que ficariam bem na voz de um topetudo folgazão meio século atrás.

Foi quando houve a chance de entrevistá-los. Cansados, o cérebro JR ficou mudo, e Owens, o coração, falou pouco. Mas vivos, com jornalista, fotógrafo e banda em um diminuto camarim, não tiveram como evitar a exposição.

Vocês dizem que o fato de Album ter resultado com esse som, ao mesmo tempo lo-fi e vintage, tem a ver com a (falta de) estrutura e os espaços inapropriados em que ele foi gravado. No entanto, a sonoridade parece toda muito intencional…
Chris: Na verdade, não acho de maneira alguma que o nosso disco soe lo-fi, pelo menos a gente não teve essa intenção. É um disco simples, mas gostamos muito de como ele resultou—na verdade, ele soa como queríamos que ele soasse. Existiram algumas limitações impostas pelo espaço, mas ficamos satisfeitos com o resultado.

E que limitações eram essas?
Chris: Era um prédio em que muitas bandas tocavam ao mesmo tempo, um estúdio podreira, então quando a gente parava de tocar, podia ouvir as pessoas tocando na sala de cima. É difícil gravar quando você não pode cantar alto, quando o equipamento é ruim, quando você grava nos horários mais estranhos. E na verdade as outras bandas não gostavam muito da gente. (risos)

E em um próximo disco, com a estrutura melhor com que vocês deveram contar, a ideia é manter a simplicidade? Não vejo vocês como uma banda que se prende necessariamente a um conceito…
Chris: Na verdade a gente já fez isso, acabamos de gravar um disco, e foi num estúdio muito melhor, muito mais tranquilos e relaxados.

Um disco full, LP?
Chris: Ele é quase tão longo quanto Album… tecnicamente é um EP. Mas ele segue o que viemos fazendo, eu componho o tempo todo, as músicas são de épocas diferentes… Eu acho que tem uma parte dissociável, que vem de quem eu, nós somos. O disco foi gravado em condições muito melhores, em um puta estúdio. O resultado é bem melhor e, mais que isso, foi muito, muito mais fácil gravar.

Vi um vídeo em que você, Chris, dizia que tinha acabado de compor um reggae…
Chris: Sim, acontece de eu fazer uns reggaes às vezes, quando a gente enche a cara de maconha (risos). Mas essa não entrou no disco. Não acho que o Girls esteja no clima de gravar um reggae, mas seria legal… aí teríamos que gravar na Jamaica, seria muito massa, com uns daqueles monstros do reggae, uns produtores e músicos jamaicanos… (risos)

E essa banda que está com vocês, como rolou a aproximação? Eles podem ser chamados de Girls agora?
Chris: Sim, com certeza. Temos tocado juntos por um bom tempo, acho que uns três meses.
Matthew Kallman: Eu sou amigo de John há anos, e nós dois somos amigos de Chris há um bom tempo também. Nunca tocamos em banda juntos, mas ele já tinha me visto tocar em outras bandas.
Garett: E eu sou amigo de JR, ele me convidou para tocar e… Cá estou eu!

No myspace de vocês, há aquele link para um site que identifica drogas. Se, em vez de Girls, vocês se denominassem um daqueles numerozinhos, qual seria?
JR: (Risos) …Eu fiquei pensando… (murmura alguns números difíceis de entender)… É difícil escolher uma…
Chris: Todas elas! A gente é muito eclético (risos).

Tem uma música brasileira que diz que “Elvis na fase decadente é bem melhor que muita gente”(“Elvis”, de Frank Jorge)…
Chris: Todo mundo gosta dele. Ele é uma dessas pessoas universais, um símbolo, e é disso que eu gosto nele. E significa gostar de tudo, do que ele significa, da sua dança, sua voz, sua música… As pessoas sempre vão procurar isso, alguém que entregue pra elas algo com que elas se conectem. E a música dele se conecta com todo mundo, consegue atingir a todos. E definitivamente não se vê muita gente fazendo isso hoje….

E você busca isso, quer dizer, é uma motivação sua no Girls?
Chris: Completamente, sim. As nossas músicas partem de sentimentos muito universais…

A crueza da música de vocês deixa gritante a sinceridade dela, em um nível que me faz perguntar se você não se sente muito exposto…
Chris: A Celine Dion também é sincera (risos). Uma pessoa precisa se expor para que a vida tenha sentido. Quer dizer, eu preciso estar exposto. Mas é claro que muitas vezes eu já me senti incomodado por estar em um ambiente cheio de gente. É algo com que tenho que conviver, porque ao mesmo tempo é parte do que mais gosto de fazer na vida…

Enquanto boa parte do disco e vocês tem essa pulsação pop das antigas, músicas como “Morning Light” mostram muito das influências mais shoegaze e punk. Quando adolescente, Chris, qual era sua vivência nesse meio?
Chris: Certamente, “Morning Light” se diferencia por isso. Amarillo, no Texas, onde eu vivi essa época, era uma cidade relativamente pequena, então a maioria das bandas que tocavam eram bandas desconhecidas. Mas eu cheguei a tocar em algumas bandas de amigos nessa época, só que para mim não era muito legal nem muito interessante, porque não eram músicas minhas, eram músicas que os outros tinham criado.

A música do Girls atingiu em cheio algum demanda. As publicações ligadas ao indie todas veem e falam de vocês como uma grande novidade. Vocês têm ideia do porquê, foi algum plano?
Chris: Não, a gente nunca pensou “vamos fazer assim, assado”. Aliás, tem muito a ver com isso, talvez. Sim, eu acredito que tem muito a ver com a simplicidade, com a nossa música dizer coisas para as pessoas. E é tão diferente do que a maioria dessas bandas faz. Eu poderia soar estranho, mas eu não quero soar estranho. Você pode soar estranho, por mim tudo bem, acho legal.

O show não é fácil e não faz a menor questão de ser. Para desavisados, a hipnose da plateia poderia ser confundida com monotonia ou tédio, enquanto na verdade, era o oposto. O público era iniciado musicalmente, sendo em grande parte fãs, músicos e crítica especializada. Todos estavam lá. Fãs do extinto Screeming Trees podem ter ficado decepcionados com a falta de barulho, no entanto, foram contemplados com a “Where The Twain Shall Meet”, do álbum de 1989, “Fuzz Factory”, dos Trees, em versão voz e violão.

Supergrass – La Cigale, Paris, 11.06.2010

Como uma família que não quer alardear a morte de um ente querido, o fim do Supergrass foi discreto. E contou com todos os integrantes da família. As 1,2 mil pessoas que foram ao La Cigale, em Paris, para ver a última apresentação da turnê de despedida da banda presenciaram algo raro: três dos quatro irmãos Coombes no palco, e o quarto na plateia.

Gaz atacava com fúria os vocais, impondo-se até o fim como o grande frontman que é. Rob, discreto, era pouco visível, escondido no fundo do palco sem tirar os olhos de seu teclado. Já o irmão mais novo, Charly, mostrou desinibição, animou o público com a sua banda, que abriu o show, “Charly Coombes & The New Breed”, e ainda tocou guitarra, meia lua e percussão na apresentação do Supergrass. Enquanto isso, o quarto irmão, Ed, que mora em Paris, assistia ao concerto de algum canto desse antigo cabaret construído em 1887.

Junto com Gaz, o baterista Danny Goffey, que agora assume as baquetas do Babyshambles, manteve o palco em chamas e mostrou que ainda tem muito rock no pé. O contraste da postura dos dois – que fizeram um ótimo show em fevereiro, no Point Ephémère, em Paris, com o seu projeto paralelo Hot Rats – com a pouca animação de Rob Coombes e do baixista, Mick Quinn, ilustra as palavras que anunciaram o fim do grupo: “Nós ainda nos amamos, mas, sem clichês, nossas diferenças musicais nos levaram a seguir adiante e, é claro, desejamos o melhor um para o outro no futuro”.

“No need for requests”, anunciou Gaz no final da segunda música, quando alguém gritou pedindo um hit da banda. O show foi feito em retrospectiva, do último disco ao primeiro. Um vídeo projetado na parede detrás do palco mostrava um pouco do processo de gravação de cada disco, para, em seguida, a banda tocar uma seleção de músicas. Se o público parecia pouco conhecer os dois últimos, “Diamond Hoo Ha” e Road to Rouen”, bastou entrar no período de “Life on Other Planets” para começar a pular e não parar mais até o fim do show. Foi em “Brecon Beacons” que o chão começou a tremer. “Grace”, então, foi logicamente uma das mais cantadas.

Após mais de uma hora e meia de apresentação, chegou-se ao início de tudo: “I Should Coco”. Como aquele texto corrente na internet sobre a morte ao contrário, que o ideal seria morrermos no ventre de nossas mães, Supergrass acabou assim: no ventre do seu primeiro single, “Caught by the Fuzz”. A esta altura, o público, sabendo ser a última vez, cantava em coro a música que Gaz escreveu após ter sido pego com maconha pela polícia e que naquele instante foi o réquiem de um dos grupos mais importantes do britpop.

Foals – Miami

Muito fisiculturismo, lowriders e calor quase caribenho no clipe novo do Foals, para a segunda faixa de Total Life Forever.

Girls – Lysandre

O Girls, que passou pelo Brasil em junho e marca presença na próxima NOIZE, anda tocando músicas novas. Lysandre é uma delas, e deve estar presente no EP que os caras lançam em breve.

Arnaldo Baptista – Será que eu vou virar bolor?

Um pouco mais caótico e genial que o Girls, Arnaldo Baptista em montagem com o raríssimo clipe da faixa de abertura de Lóki. (via @trabalhosujo)

Você pode não conhecer Kris Gruen, mas você conhece seu pai e muitos de seus “tios emprestados”. Filho de Bob Gruen, um dos maiores fotógrafos da história do rock, Kris acabou enveredando pela música um pouco tarde. Aos trinta e poucos anos, o nova-iorquino apresenta seu segundo disco, Part Of It All, em uma turnê fora do comum, que passa apenas por Porto Alegre. Por meio de canções que aliam o violão folk a influências que mesmo ele não saberia enumerar, Kris por vezes conta histórias, noutras apenas brinca com as palavras. Ouvir isso de alguém que via John Lennon como o “pai do amiguinho” já seria bacana—de um cara que compõe belas canções e é simpático e curioso é melhor ainda.

Kris toca no domingo, 23/05, no lendário Bar Ocidente (João Telles esquina Osvaldo Aranha). Acompanhado dos Brasilianers, banda criada especialmente para a ocasião, ele executará músicas de seus dois discos, Lullaby School e Part Of It All, ambos lançados pelo selo Mother West. Ouve lá em http://myspace.com/krisgruen e confere o papo.

Eu não conhecia sua música até que um amigo meu me disse que você estava no Brasil. Gostei muito, lembra coisas das quais eu gosto, um pouco Elliott Smith…

Oh, que legal! Meu novo disco tem sido comparado com Arcade Fire, Andrew Bird, Decemberists… Se pegar só a voz, o cara com o qual sou mais comparado é Collin Meloy, do Decemberists, as pessoas dizem “Te ouvi nessa propaganda…”, e eu, “Não, aquele não era eu…”(risos).

Mas você já teve música em comercial, né?

Sim, para a campanha das Olimpíadas, “Orgulhosos Patrocinadores das Mamães”, do Procter & Gamble. A ideia era agradecer às mães por criar filhos tão fortes. Eu gostei da campanha, não gosto dos produtos. Foi a primeira vez que eu tive que fazer essa decisão, de deixar minha música ser usada para algo em que eu não acredito completamente. Eu moro em Vermont, num estado muito comunal, todo mundo ligado ao local, as pessoas votam juntas em lugares pequenos, comem comida orgânica, cultivam a própria comida. Então quando eu tomo uma decisão dessas, ela tem efeitos, as pessoas comentam, todos meus amigos dizem “Yeah, good job!”. Eles querem que eu consiga viver. Mas algumas semanas depois veio uma proposta de um comercial para um suporte de toalhas de papel, em vez de você usar toalhas de tecido no seu banheiro, você puxa uma nova a cada vez, e eu disse “Não, não vou fazer isso”. Lixo! A não ser que me paguem realmente bem, uma grana com a qual eu possa fazer uma coisa positiva e pagar as contas, eu certamente negarei.

Claro. Seu primeiro disco é de 2006, o que você fazia musicalmente nos anos que o antecederam?

Eu me formei em 1997 e não tocava nada fora bateria. Aprendi a tocar violão em 1999/2000, apenas o bastante para aprender a compor, você não precisa de muitos acordes para começar. Inclusive acredito que algumas músicas daquela época eram mais interessantes, porque eu usava menos do acorde. Agora eu uso o acorde inteiro, naquela época eu só conseguia apertar uma ou duas cordas, e todas aquelas cordas soltas criavam um acorde muito mais interessante às vezes…

Você não usava uns acordes de punk rock?

Às vezes, às vezes. Em “Memoir, uma das músicas do disco novo, tem muito mais power-acordes, mas ainda assim toco umas cordas soltas às vezes. Não sou muito de acordes caixotão. Mas então lá por 2002, juntei umas 15 músicas em um disco que nunca lancei, só para vender meu trabalho para os selos. Eu gravei aquele disco em um estúdio do selo Mother West, em Nova Iorque, que é o selo em que eu estou até hoje. Nós compramos o tempo de estúdio e durante a gravação, o dono ouviu e gostou, e me contratou para o selo. Mas a gente não lançou aquele disco, lançou o próximo, Lullaby School. Então de 2002 a 2005, quando acabamos de gravar Lullaby, o dono do selo estsva me desenvolvendo, me ensinando como fazer, porque demora para aprender a estar no estúdio e tocar com todos os tipos diferentes de músicos. Começamos a gravar em 2003, acabamos em 2005 e lançamos em 2006.

Nessa época você estava morando em NY?

Não, eu estava viajando. Vermont fica a 5 horas e meia de carro de Nova York. E se e estava com pressa, podia pegar um avião. O selo está baseado em Los Angeles e Nova Iorque, então a maioria dos meus shows são nessas áreas, mais em LA do que em NY, porque há toda uma nova cena rolando em LA, de licenciamento (publicidade). Para compositores, LA é um lugar maior que NY. Para bandas, NY é ótimo. Em LA, compositores podem se envolver com muita coisa, programas de TV, filmes…

E você trabalha como song writer?

Isso recém começou para mim, nos últimos dois anos. Eu faço música para uma empresa de licenciamento chamada Bug Music, eles compram faixas, colocam numa biblioteca musical e vendem. Mas não costumo dar músicas que estão nos meus discos, são outras coisas.

Você compõe desde 2000, mais ou menos, é algo relativamente novo para você…

Sim, é sim. Eu comecei com poesia, que é uma forma muito musical de escrever, o movimento acabou me direcionando para a música. Eu sempre soube cantar, o violão foi meio intimidante, porque eu cresci entre guitarristas monstruosos, os melhores, e eles faziam parecer tão fácil uma coisa que eu pensava ser tão difícil. Sempre pensei que não era para mim…

E como essa relação de poesia e letra funciona para ti?

Antigamente sempre começava com poema, depois ritmo e por fim música. E aí eu ajustava o poema para uma forma mais lírica. Agora acho que acontece mais o contrário, mas ter uma boa poesia é sempre a coisa mais importante para mim, porque não sou um músico estudado, é tudo de ouvido para mim. Não sei se é a opinião dos outros, às vezes as pessoas pensam que a música é muito profunda. Eu acho que a música é meu lado mais suave, mais fraco. Sou mais treinado como um escritor. Acho que se as letras não contam uma história ou têm uma mensagem profunda, então a estética tem que ser fortemente construída, como esculpir palavras. Uma música inteira pode ser sobre uma palavra, não literalmente, mas com a linguagem criando uma experiência, não precisa ser racional, mas precisa ter uma certa qualidade que leve o ouvinte de um lugar para o outro. Ele precisa começar a sonhar, ou não funciona.

Você tem uma música, “Nuschka”, sobre uma modelo fotográfica na Nova Iorque e Paris dos anos 1930. O quão importante é a cidade como fonte de inspiração?

É uma boa pergunta. Eu estava caminhando por aqui [Centro de Porto Alegre], percebendo a arquitetura, e eu não havia passado por essa parte da cidade, com os quarteirões e os prédios antigos. Eu sou muito afetado pelo ambiente, sou movido pela história de uma cidade, não tanto pela sua aura ou energia do presente, mas pelo ambiente, as formas, as linhas, os visuais de um lugar e atmosfera que ele cria. Duas músicas do meu disco novo, “Memoirs” e “Red Doors”, falam sobre crescer em NY, os aspectos doces e sombrios; tento captar um pouco da cultura nova-iorquina, dos personagens com que meu pai se ligava naquela época.

Você cresceu em NY ou em Vermont? Crescer em dois lugares diferentes também deve ser impactante…

Depois dos 4 ou 5 anos, minha mãe se mudou para Vermont. Eu não tinha pensado nisso… Sim! Esse era o conceito que nós pensamos, originalmente, para o Part of It All, seria eu caminhando através da capa do disco, de NY para a floresta, e no verso, da floresta para NY. Porque estes são os dois lugares onde eu crio. Eu crio em Vermont, que é bastante rural, e então vou para a cidade, e crio lá. Então, sim, são dois extremos. Mas eu cresci em Woodstock, também, que tem uma baita história musical. Meu pai ainda mora em NY no mesmo apartamento em que eu nasci, então NY foi mais uma constante para mim do que qualquer outro lugar. E eu me sinto muito em casa lá, mas a cidade não é um bom lugar para se viver, não é saudável para o “humano anima”.  É bom para o intelecto, há muita comunicação, mas você perde contato com a terra, com o solo, o céu. A natureza é a coisa mais saudável para mim, me sinto muito mais em casa no mato do que na cidade.

Teu pai foi amigo de muita gente lendária. Há algum episódio para o qual você olha hoje e pensa “Isso foi fundamental para eu me voltar para a música”?

Quando eu estava sempre no CBGB’s, eu não sabia do significado, era só um buraco na parede, um esconderijo descoberto onde muita gente excitada e música muito poderosa. Quando pequeno, você está tão consciente, mas o poder da música realmente marcou, bandas como Blondie e Talking Heads estavam acontecendo pela primeira vez no CBGB’s quando eu era pequeno. As noites eram sempre muito longas, geralmente começavam com meu pai fotografando os shows maiores, em estádios, no Madison Square Garden, vendo o Kiss ou os Rolling Stones, mas aí, a sequência era CBGB’s, Max’s Kansas City. Ver o Blondie e os Ramones antes de eles serem gigantes, Johnny Thunders do New York Dolls tocou muito sozinho lá, David Johansen (também do NYD) era um amigo da família—lembro mais dele como um tio que como um músico. Só me dei conta depois que os sons que eu estava ingerindo tiveram uma influência poderosa na minha música. E eu posso dizer isso quando toco com outras pessoas, elas não tem a tendência natural que eu tenho de mover em certas direções, porque é o que ouvi o tempo todo.

Mas é uma coisa natural e boa?

É, mas ao mesmo tempo pode ser um problema, porque eu não estou pensando de uma forma fresca. Você tem que usar isso de forma consciente, “OK, isso é o que eu sei, mas como o que eu sei pode me levar a algo novo?”. Este é meu objetivo agora, aproveitar o potencial disso. Meus primeiros dois discos são uma exploração do que já ouvi, eu quero experimentar mais, explorar. Mas eu me lembro dessas pessoas famosas mais como amigos, porque é o que meu pai fazia, mais do que tirar fotos, ele era amigo dessas pessoas e as envolvia. Joe Strummer [do Clash] ficava com meu pai quando ia a NY, e meu pai foi amigo dele até sua morte. Tina Turner era uma amiga da família. John Lennon e Yoko Ono eram amigos da família, e quando eu era pequeno e brincava com Sean, eu lembro de John apenas como “o pai”, mais como o Sean ali, e lá está seu pai, caminhando pelo apartamento. E lembro de pensar “Oh, o pai do Sean é realmente legal, que pai legal!”. Porque você sabe, quando é jovem tem medo dos pais dos amigos, “o pai é legal ou o pai é mau?”—John era realmente legal. E aí, anos mais tarde, John estava morto e eu ainda saía com Sean, eu lembro que seu “novo pai”, o cara que saía com a Yoko, não era tão legal… (risos)

Eu li que você fez uma viagem de estudos quando jovem, para Austrália, Nova Zelândia, Indonésia…

Sim, sim… como você sabe disso?

Li em uma velha entrevista num site bastante obscuro…

Nossa, eu nem sabia que isso rolava por aí! Que incrível… na verdade foi aí que tudo começou para mim, até ir para o College eu nunca, nunca havia pensado em ser músico. Eu ia ser um escritor, ou um professor. Mas na faculdade, eu tinha um programa de rádio em que eu tocava coisas que eu gostava, como Paul Simon, Stevie Wonder, Cat Stevens. E aí, comecei a ouvir world music, coisas africanas, e de repente, comecei a ver a simplicidade com a qual você pode criar músicas muito poderosas. Aí pensei, “eu posso fazer isso. Eu quero fazer isso. Músicos como Geoffrey Oryema, Ayub Ogada, caras que pegavam um ngoni, uma kora (instrumento de cordas), e fazer música pop. As melodias mais doces. E eu pensei “eu realmente me conecto com isso”. Na época eu estava muito confuso, sem saber no que me especializar, e eu peguei um semestre para viajar pelo mundo, e me apaixonei pelo sentimento de não ter um plano. Só o que eu fazia consistentemente era ler, escrever e comer bem. No fim do dia, eu lia minha poesia para meu amigo, e ele dizia “Quando você voltar para os EUA, você precisa fazer uma performance”. Eu tocava percussão na praia, e depois eu peguei o que eu criei naquelas viagens e fiz meu primeiro show, que foi muito bem recebido. A partir daí, comecei a me aprofundar na ideia de ser um artista performático, primeiro pela oratória, poesia e imagens, e aos poucos adicionando música. Eu era percussionista em uma banda da faculdade, e um dia o professor perguntou “alguém sabe cantar?”, e eu falei, “posso tentar…”. A partir dali comecei a ser conhecido como um cantor, e me direcionei para isso. Em 1995, 1996, fiz a viagem, voltei e me envolvi no departamento de música.

E agora você vem para o Brasil e toca com gente daqui, do Uruguai, são ritmos e tempos diferentes. É algo que adiciona muito, certo?

Oh, sim. Qualquer pessoa madura se interessaria nessa ideia, de poder viajar e aprender sobre a música de um lugar, trazer sua música e ter a música do lugar levada até ele, e encontrar um jeito de compartilhar e crescer. Na verdade, toda a banda, as 5 pessoas com as quais estou tocando aqui, são todas de Porto Alegre, nunca as havia visto antes. Eles aprenderam meu disco quase à perfeição, quase me deixando um pouco triste, porque eu queria ver uma versão samba de “Part Of It All” (risos). Mas a verdade é que eles não podem impedir, a música deles escapule aqui e ali, é ótimo. No meio de “Memoir”, a música mais “punk” do disco, a gente faz um groove samba.

E eles usam violão de nylon…

Sim! Tem apenas uma música de Part Of It All com violão de nylon, Dunroven’s Farm, e o violonista não tocará essa parte! Então é muito diferente. Você sabe, o segundo marido da minha mãe foi um dos maiores guitarristas de Jazz de todos os tempos, Joe Beck. Ele foi o primeiro guitarrista de Miles Davis, e é uma profunda influência para mim. Eu ia a shows de punk rock o tempo todo, mas na minha casa, era jazz e soulmusic o tempo todo. O fato de o pai do meu irmão ser um músico de jazz fez com que eu pensasse de forma “desbitolada” desde cedo. Então embora eu pense que minha música tem a ver com o que eu escuto, vem alguém e me diz, “Sua música é muito diferente, não é música pop”. E meu irmão me ajudou a produzir Part Of It All, que acabou mais alternativo que Lullaby School. E há ritmos cruzados, em músicas como “Euphoria”, que o baterista brasileiro quase não consegue fazer. Há muitas coisas se cruzando, porque é uma música sobre os altos e baixos de uma relação, traz a ideia de quanto mais envolvimento, mais dor. Eu estou tocando um 3/4 e ele um 4/4, o baterista se confunde.

Foram as viagens e a função intensa em torno da Polysom que levaram Rafael Ramos a demorar um pouco para responder as perguntas que mandamos para ele na época da NOIZE #31. Depois, foram as atividades na NOIZE que geraram mais uma demora. Um pouco como a volta à ativa da única fábrica brasileira de vinis, nossa entrevistinha com o Rafa finalmente chegou—antes tarde do que nunca. E, para acompanhar, vieram junto belas fotos do processo que grava as músicas que você ouve em mp3 sem graça num produto de colecionador da mais alta qualidade.

Será possível manter os preços de R$ 79? Foi difícil chegar nesse valor?
A ideia será sempre baixar esse preço, mas para isso dependemos de vários fatores, entre eles o aumento de produção e a diminuição dos impostos. De qualquer forma, acreditamos que algumas gravadoras não conseguirão vender por esse preço, principalmente quando sofisticarem os projetos gráficos.

Existe algum tipo de incentivo/benefício que se pode buscar para baixar o preço? vocês teriam alguma sugestão, sabem como funciona em outros países?
Não existe nenhum benefício hoje no Brasil. Pelo contrário, todos os impostos existentes recaem sobre o vinil. Em outros países, até onde sabemos, não há essa rede de impostos que existe no Brasil. E em alguns países da Europa, existe um incentivo por considerarem o vinil um bem cultural.

Já existe um calendário para demais lançamentos? Quais são?
Até setembro, pretendemos lançar uma série de verdadeiros clássicos em vinil, mas ainda estamos conversando com as gravadoras para que elas os licenciem. Não podemos ainda dizer nomes, mas podemos garantir que serão títulos excelentes.

Como estão sendo trabalhados os encartes dos vinis? Foram redesenhados os desses 4 lançados agora?
Os quatro LPs que lançamos têm seus encartes baseados nas artes originais. Eles não estavam prontos até decidirmos pelos lançamentos em vinil. Estamos gostando muito do formato que utilizamos até aqui, com capas em 300 gramas e envelopes internos em couchê mate de 250 gramas. Mas, sempre haverá alguma variação, como foi o caso do disco do Cachorro Grande, em que fizemos um encarte de várias páginas.

Fotos: Daryan Dornelles.

Já fomos oito. Tinha mais percussões e rolava troca de instrumentos, um percussionista vinha pro baixo, eu ia pro trompete. Era massa, mas aí quem tinha outra profissão foi fazer suas coisas e nós continuamos. A maioria do pessoal era do rock ‘n’ roll, mas o caldo que juntou todos foi o afrobeat.

Nosso último disco [Varadouro, 2009] foi só jam session, por isso foi bem natural. A gente se encontrava no domingo, tocava muito, formatava algumas coisas e aí pensava “então, vai ser desse jeito”. Nosso próximo disco, que sai em 2010, vai ter uma história, chamada Batista virou máquina.

Ainda tem muito da jam session no nosso processo de gravação. Nesse disco, Batista virou máquina, a gente pensou “vamos fazer a história do personagem, então essa primeira música, que é ‘O céu acima do porto’, vamos fazer como? Vamos pensar no ambiente em que vai estar o personagem”. E aí a gente começa a pensar na história e entra na sala, todo mundo pensando no cenário, “tem som de máquina, a galera é dura”. Então não tem muita harmonia, você não pode botar muita canção, órgão, guitarra. O baixo meio máquina, batendo estaca. Dá pra considerar meio jam session, mas já existe um conceito amarrado.

A gente gastou no processo quase dois meses de discussão, “não, a ideia não é essa, tá muito dançante, tem que ter balanço mas tem que ser um pouco mais travado”. Teve muita discussão de a galera chegar a ficar cansada, “meu irmão, vamo tocá!”. Mas foi essencial, porque aí a gente amarrou todas as ideias. E teve o processo de colagem, de pegar um trecho e montar uma coisa completamente diferente em cima.

E que música conecta vocês?

O que nos conecta é Fela Kuti, Budos Band, rock anos 70… Novos Baianos é espetacular e une a galera. Mars Volta, cara, essa coisa da víscera, que ele também tem, que nem o afro e o Novos Baianos, que é uma coisa que une a gente. E é bem dançante, apesar de ser frenético, tem uma latinidade original. Com esses três dá uma massa boa.

Fotos: Marco Aurélio Prates / Divulgação

Segundo Romulo Fróes, nem sua família sabe que ele é músico. No entanto, nos últimos meses, uma sequência de fatos tem jogado uma boa quantidade de luz sobre o compositor paulista, como o lançamento de seu aclamado terceiro disco, o duplo No Chão Sem o Chão (2009), e o entrevistão que o cara deu, entre goles de cerveja, à turma do Scream & Yell. “Me considero um sujeito bem-sucedido”, afirma, sempre que entra em jogo o papo do mercado musical. Talvez por isso ele tenha sido escalado tanto para a programação musical do Conexão Vivo quanto para o ciclo de debates que integrou a 10ª edição do festival, em Belo Horizonte, no mês de abril.

A entrevista a seguir repete algumas coisas que haviam sido ditas pelo Livio e por Mac e Agostini. Mas foi um papo rápido e atencioso da parte de Romulo, entre outras tantas entrevistas pós-show e a tentação de assistir ao show do pernambucano Eddie, que tocaria em poucos minutos. Por sorte, o cara sempre tem algo legal para falar.

Texto: Fernando Corrêa / Foto: Eugênio Vieira

Eu tinha lido no Bloody Pop que você estava trabalhando num outro disco

É, eu já até gravei ele, quer dizer, precisa fazer voz, mas a base foi gravada toda ao vivo, já foi. Quero ver se eu lanço neste ano ainda.

Assim, tão rápido?

É, cara! Porque eu acho que tem que ser assim, meu disco já é velho. Lancei um disco duplo há menos de um ano e [vou fazer show e] a galera fica “e aí, vai tocar música inédita?”. O Catatau (Fernando Catatau, Cidadão Instigado) fala “meu, acabei de lançar um disco e neguinho fica querendo música inédita”. Mas é assim, é muito [estala os dedos, denotando rapidez], e eu gosto de gravar disco, tenho muita facilidade pra compor. Acaba que faz parte mesmo, você estar movimentando e se mostrando.

O No Chão Sem o Chão também foi gravado nesse esquema, ao vivo + voz?

Ao vivaço, e teve dois momentos, né, por isso aqueles nomes, Sessão 1 Cala Boca Já Morreu e Sessão 2 Aprenda a Ficar Quieto, porque foram duas sessões mesmo, 4 dias no primeiro e 5 no outro, ao vivaço que é como eu gosto de gravar. Aí depois cê entra num mundo que não pertence a você, que é quando o estúdio vai tá vago pra você mixar, quando o estúdio vai tá vago pra você botar voz. Parece que é muito rápido, é muito rápido, mas depois tem um negócio que vai passando. O estúdio é de graça, mas tem que esperar a hora que ele vai tá vago. A Yb, minha gravadora, tem um puta estúdio fodaço, então eu gravo meu disco do jeito mais pró que existe, que nem o Cateno Veloso e não sei o que, e isso é o grande barato de pertencer ao selo. Mas os caras não ganham dinheiro com a gente, então a gente tem que esperar nossa vez.

E você aproveitou que tinha músicas compostas e se agilizou…

Não, eu marquei três meses antes “ó, marca aí quatro dias em abril que eu vou lá”, aí quatro dias em abril a gente foi lá e fiuuu, gravou 14 músicas.

Então o próximo é um disco só?

Um disco só, a piada é se eu vou fazer um disco triplo, né (risos). Tem uma novidade, que é o Rodrigo Campos, que entrou pra banda e compôs comigo. O Rodrigo lançou um dos grandes discos do ano passado, que é o São Mateus Não é um Lugar Assim Tão Longe. É um cara de São Paulo que faz um negócio de samba muito bonito, eu acho que o samba vai entrar forte de novo, mas de um outro jeito, um jeito mais venenoso, menos melancólico, sabe? Porque ele vem de um lugar mais… pagode, mais Cacique de Ramos, um cavaquinho muito foda, tô bem animado com o que pode rolar.

A pilha geral vai ser samba, mas como entram as guitarras?

Isso, o cavaquinho tem que dar conta da guitarra, mas a guitarra, mais ainda, tem que dar conta do cavaquinho. Tem uns baratos muito legais de naipe de guitarra e cavaquinho, tem umas paradas bem legais. Mas enfim, vamos ver, o disco precisa sair pra saber o que ele vai virar, né… o outro disco é duplo porque, justamente, ele demorou pra sair, o som mudou, aconteceu outra coisa e eu falei “ah, vou lançar os dois, porque eu quero contar o percurso.

E tocar só músicas do No Chão [no show do Conexão Vivo] tem a ver com o quê? Você vê os discos como obras estanques, que não se misturam ao vivo?

Cara, tem uma coisa mais prosaica, que é não ensaiar tanto, e esse show tá ensaiadaço. Mas [nos shows do] meu quarto disco, eu quero pinçar músicas dos meus quatro discos, pela primeira vez! É sempre uma coisa que você vai fazendo, eu comecei a ter uma banda de rock ‘n’ roll porque eu comecei a tocar em inferno da Rua Augusta, não dava pra tocar sete cordas e clarinete lá, eu tentei, mas não dava. Então beleza, vamos tocar guitarra. As coisas vão te levando, vão fazendo você mudar…

Eu priorizei as coisas mais pesadas e mais roqueiras por conta de ter uma galera na minha frente, né. Às vezes, quando eu toco num lugar pequeninho, baixinho, sentadinho, aí eu caço outras músicas mais na manha, não vou soltar guitarra na cara das pessoas… solto também, mas…

E você já tinha tocado rock ‘n’ roll em algum momento da sua vida? Quer dizer, de onde vem essa influência…

Não, ah, banda de adolescente… Minha influência de rock ‘n’ roll vem da música brasileira, eu sempre tive porque eu sou influenciado pela música brasileira, e esse disco era um pouco pra mostrar isso: “moçada, eu não sou sambista”. Eu faço samba, eu amo samba, mas eu não sou sambista. Eu gosto do [Jards] Macalé, que faz rock, mas um rock diferente, gosto do Caetano, Gil, Nelson Cavaquinho. Era um pouco pra dizer isso, “posso fazer o que eu quiser”. Aí No Chão, por acaso, teve um acento mais rock ‘n’ roll por conta de querer ir contra o sambista que tava pegando em mim. Mas nesse disco agora tem rock ‘n’ roll também, a música brasileira é toda minha, eu me sirvo dela. Posso fazer um disco de baião; eu tenho vários frevos, a gente tem vontade de lançar um disco só de frevo, “ah, é um som de Recife, não posso”, lógico que eu posso, é do Brasil, é meu e é isso.

E isso é uma característica do momento…

Eu acho que essa geração é assim, porque é uma geração meio abandonada, então você faz o que você quer, e se você faz o que você quer sem que ninguém queira que você faça, você faz porque você precisa, você vai se restringir? Vai fazer só hardcore? Não, fazer tudo, velho, brinca aí. A gente ouve tudo, a gente gosta de tudo, a gente não deve nada para ninguém no sentido de pagar tributo, e nem nega também.

O cão é uma figura recorrente, você tem uma certa fixação nessa figura?

É, tem uma fixação qualquer, o cão é uma figura muito forte em artes plásticas também, é uma figura livre. O cão que eu falo é o cão vira-lata, né, o cara que se fode, mas não deve nada a ninguém, vai pegando um resto daqui, né… O Nelson Cavaquinho era um cachorro, um vira-lata…

É um resgate do malandro?

Não, não é malandro, o cão não é malandro, velho, o cão se fode! O cão tem caráter, ele pega esmola, mas a esmola que ele quer. Se você der coisa ruim pra ele, ele não vai comer. É um cara livre, que não tá preso às amarras. É o Nelson Cavaquinho, cara, o bebaço que saía de casa e ficava três dias na rua, dormindo na praça, comendo no hotel, vendia samba pra pagar hotel. Um sujeito, como o Paulinho da Viola fala, que ele só fazia o que queria, é o cara que só faz o que quer. E esse cara não sou eu, óbvio, eu sou um cara que tem que lidar com um monte de coisas da vida, não sou o Nelson Cavaquinho. Mas a figura do cão é muito forte, e é uma figura bonita, enfim.

O Vitor Ramil tem um disco chamado Ramilonga, que ele lançou junto de um livro, A Estética do Frio, em que ele fala que, como gaúcho, ele nunca conseguiu se identificar plenamente com o sentimento de brasilidade que ele conheceu, principalmente, quando morou no Rio de Janeiro. Você percebe essa divisão, que a pluralidade musical do Brasil só vai em comunhão do norte até o sudeste?

Cara, então, eu moro em São Paulo, e São Paulo não tem cara, é a cara do Brasil. Eu sou filho de baiano com mineira, já tá tudo errado, e eu acho que a nova música brasileira tem a ver com isso, o povo de Recife chegando em São Paulo e influenciando São Paulo loucamente, e São Paulo influenciando os caras. Eu sempre falo que a Karina [Buhr], que lançou o disco [Eu Menti Pra Você]—to amando, acho o disco foda—, ela não lançaria esse disco se estivesse em Olinda. Em Olinda era Comadre Fulozinha; São Paulo é que botou veneno em algum lugar. E eu não lançaria o meu disco se eu não tivesse convivido com a Karina, o Catatau, que é uma figura importantíssima em São Paulo, o cara lá do sertão do Ceará, o Catatau não faria as coisas que ele faz se ele continuasse no Ceará.

Então é lógico que influencia, mas eu pertenço ao lugar do Brasil que talvez não tenha algo parecido, essa coisa de túmulo do samba, eu acho que São Paulo tem a cara que o Brasil dá pra ele. O Rio Grande do Sul não é Brasil, né, ele é mais Argentina… é um caso curioso, acho que o Vitor tem razão no que ele fala. Mas mesmo de lá, a galera tá vindo e tá se misturando, e São Paulo é o lugar em que isso acontece. Eu queria que acontecesse no Brasil inteiro, mas enfim…

Romulo e Miranda batem papo antes do debate no seminário Música e Movimento

E qual o valor de tocar num festival como esse [Conexão Vivo]? A maior parte do público provavelmente pouco tinha ouvido falar de você…

Pois é, e isso é do caralho, tem um monte de gente aqui que vai sacar alguma coisa. Por outro lado, eu percebi umas 20 pessoas que sabiam também. E aí eu fico feliz pra caralho de vir a Belo Horizonte e ter umas caras que eu nunca vi cantando Anti-Musa decor. Olhei e falei “porra!”, ou quando olhei e falei “vou tocar anti-musa” e a galera “aêêê!”. Tem as duas coisas: tem você ver as 20 pessoas que gostam de você em Belo Horizonte, que é do caralho pra você, e tocar pra mil e não sei quantas que bateram palma, que respeitaram, que ouvira. Hoje é um dia perfeito, você vem de São Paulo, com a sua banda, toca um puta som, pra um público grande. Quer dizer, esse é o que deveria ser sempre, ainda não é, mas talvez seja.

Cara, pra fechar, que três álbuns você considera fundamentais na sua formação musical?

O primeiro do Macalé, é fundamental. O Elis & Tom. E o Clube da Esquina. De álbuns, né, porque tem artistas muito mais importantes pra mim, como o Nelson Cavaquinho, mas ele não tem um álbum, ele tem uma obra. Acho que esse três álbuns falam muito sobre mim, o Elis & Tom, o primeiro do Macalé, que acho que não tem nem nome, chama Jards Macalé mesmo, de 72, que é o Lanny [Gordin], o Tutty  [Moreno] e ele mesmo, e o Clube da Esquina, uma obra prima.

Ryan Schreiber é o fundador de um dos principais veículos da imprensa musical mundial. Ame-o ou odeie-o, o Pitchfork ajuda a moldar o gosto musical neo-roqueiro de muita gente. O pequeno teaser que postamos abaixo é parte do entrevistão que o cara deu para NOIZE e aparece na edição #33 da revista, que chega só em maio.

Se você escuta música do momento em que acorda até a hora que vai dormir, o que tem tocado no teu dia?

Tenho ouvido mais faixas que álbuns, bom, provavelmente não, mas pelo menos tantas faixas quanto álbuns.

Existe tipo um novo gênero que estou ouvindo, que ainda não tem um nome. Tem gente chamando de drag, ou witch house, mas é um som assombroso, fantasmagórico – cheio de vocais estranhos e manipulados que me lembram um pouco The Knife, e beats pesados e viscosos, influenciados pelo hip-hop sulista.

A maioria dos artistas tem nomes inpronunciáveis, os que eu mais gosto são oOoOO, Balam Acab e White Ring.

Além disso, outras coisas legais que tenho ouvido:

Pure Ecstasy, é meio que uma banda de dream pop lo-fi.

Cults, que são um grupo indie pop meio “dreamy”.

Flying Lotus é muito bom.

Joker e James Blake, dois artistas dubstep.

Pictureplane um produtor de electro do Colorado.

Primary 1 é um cara que sei que virá com algo fantástico em breve, acho que ele é inglês.

Zola Jesus, estou obcecado por ela, acho incrível, linda voz, e belas músicas, tão sombrias e poderosas.

Eu poderia seguir o dia inteiro com isso, não tem fim – só depende do quão fundo você quer cavar.

Adoradores e detratores de Schreiber terão que esperar. Enquanto isso, http://bit.ly/noize32 para uma interessantíssima experiência.

A NOIZE #32 superou a Páscoa. Não sem antes deixar uma contribuição digna do feriado mais engordante do ano: vestiu Edu K de coelho, desbravou o lado fotógrafo do vocalista do Sepultura, Derrick Green, conversou com o Nouvelle Vague sobre a tour dos franceses pelo Brasil. Ainda viajou de carona nas anotações de seis bandas brasileiras que embarcaram rumo a Austin, Texas, para tocar no festejado South By Southwest. E voltou a tempo de conversar com a Pata De Elefante sobre seu novo álbum, Na Cidade, e entregar esta edição recheada de coisa boa. Com a exceção que a Páscoa abre para um velho clichê dos releases, confira a NOIZE #32 inteira – está saborosa, e os bombons que a recheiam também são selecionadíssimos. Confira aí ao lado, é só folhear.

Passe a informação adiante: http://bit.ly/noize32

Quer baixar a revista? Vai aqui: http://sharesend.com/ir326
Até o fim da semana, a edição impressa está nas ruas – mas se fôssemos você, não deixaríamos pra depois.

O hiperrecluso Jeff Mangum, líder do Neutral Milk Hotel, vai fazer um pocket-show. Escrever uma frase como essa sem fazer alarde é um desrespeito à obra de Mangum. Acontece que é simples assim: depois de anos e mais anos sumido, o compositor da obra prima In The Aeroplane over the Sea fará esta aparição, a fim de levantar fundos para o amigo Chris Knox.

A apresentação deve ser um set acústico curto, como escreveu o Pitchfork, e não significa um comeback. Além de Mangum, tocam no show beneficiente Yo La Tengo , Kyp Malone, do TV on The Radio, e outros nomes. Chris Knox sofreu diversos derrames ano passado – uma pena que seja preciso acontecer algo tão triste para que o Neutral Milk Hotel suspire.

Espere algo nessa linha…

Moon Cup: Amy Winehouse e sua VaJew-Jew assinam embaixo

A melhor notícia certamente é a preocupação de Wino com as vaginas alheias. A soulwoman preferida dos tablóides revelou o apelido carinhoso de sua vagina: “Chamo ela de minha pequena VaJew-Jew”. A revelação foi feita em apoio a uma campanha da Moon Cup, fabricante de uma espécie de absorvente reaproveitável feito em silicone. A Moon Cup tem convidado mulheres a visitarem o endereço loveyourvagina.com e preencherem os apelidos carinhosos de suas vaginas.

Enquanto Amy fala do corpo, Madonna fala de roupas. Maddie vai lançar uma linha de roupas chamada “Material Girl”. “Juntar forças com a Iconix para levar ideias fashion aos consumidores é muito empolgante para mim”, contou Maddie ao Celebrity Clothing Line. A linha será direcionada a material girls entre os 13 e os 25 anos, como a filha da rainha, Lourdes Maria.

Aguilera do mal

Se depender da linha de roupas da Madonna, Christina Aguilera ficará nua. Não seria de se estranhar, embora a capa do novo single da loira mostre ela vestida de mulher do demo. “Not Myself Tonight” é apenas parte de uma série de notícias que devem aportar pelo site oficial de Aguilera nos próximos dias. Há inclusive uma contagem regressiva que indica quando a próxima novidade vai ao ar.

3, 2, 1, boom!

Este NA ÍNTEGRA mostra a entrevista completa com Gordon Raphael, produtor de três discos dos Strokes, que  fala da sua trajetória – e principalmente de seu trabalho com os nova-iorquinos, donos do álbum da década que passou.

Parte desta entrevista foi publicada com a matéria sobre a época de Is This It, presente na NOIZE #31, disponível na web e nas ruas. Aqui você conhece mais sobre o produtor e sua relação com a música, com as cidades em que viveu e com os Strokes. Raphael morou em Seatle no início da década de 1990 e, desde que conheceu a turma de Julian Casablancas e produziu o primeiro EP do grupo, The Modern Age, em 2000, acumulou numerosos trabalhos, como a produção de Soviet Kitsch, de Regina Spektor.

Uma pergunta direta: Is This It é o disco da década?

Absolutamente, absolutamente. Para mim, antes de Is This It, a guitar music, o rock ‘n’ roll, essa coisa toda estava quase acabado. Eu sabia que em Nova Iorque e em Londres havia pouquíssimos lugares para se tocar ao vivo, eram na maioria lugares para se ouvir discos e DJs e toda essa cultura. E depois que Is This It foi lançado, centenas e centenas de bandas começara, garotos tocavam guitarra, jovens que cresceram indo a raves, ouvindo techno music e acid jazz de repente começaram bandas de rock. Ainda hoje a um show em toda esquina, em cada cidade do mundo hoje à noite, e ontem, e amanhã, com bandas de rock tocando em toda cidade, em todo quarteirão. Uma coisa que posso dizer é que quando a banda tocou ‘Take It Or Leave It’ – e gravamos aquilo ao vivo – eu senti que tínhamos feito uma obra de rock ‘n’ roll monumental, que era exatamente o tipo de som que eu vivo para ouvir. O solo de Albert naquelas músicas, e o impacto vocal de Julian, me causaram um sentimento de imenso poder e liberdade que durou por anos!

Você viveu em Seatle durante a explosão do grunge, certo?

Sim, no início da grunge explosion eu estava morando em Nova Iorque, então me mudei para Hollywood e quando voltei para Seatle a explosão do grunge estava indo a toda. Então, eu vi o primeiro show do Pearl Jam, na Califórnia, quando eles se chamavam Mookie Blaylock [Nome de jogador de basquete profissional]. Eu também vi o primeiro show do Alice in Chains na Califórnia, e eu vi o primeiro show do Nirvana em New York, num club pequeno chamado Pyramid.

Você é de New York ou de Seatle?

Eu nasci em New York, mas cresci em Seatle. Tentei mudar para New York em 1988, mas não me dei muito bem e tive que voltar para casa. Tentei de novo dez anos depois e foi tudo tranquilo.

E como seu tempo em Seatle e essa experiência próxima com o grunge contribuem para sua relação com a música?

Bem, eu trabalhava em Seatle por muitos anos, como músico. Mas foi durante a grunge era que, finalmente, depois de passar por muitas bandas, eu tive meu primeiro contrato assinado, com uma banda chamada Sky Cries Mary. E foi maravilhoso, porque conseguimos excursionar e foi o máximo, porque fizemos tours por todos os EUA, e pelo Japão e Canadá, e pudemos gravar discos, e conseguimos fechar contratos de distribuição. Aprendi muito sobre gravação no porão porque finalmente tinha dinheiro para comprar equipamentos.

E a estética grunge influenciou de alguma maneira teu trabalho como produtor?

Humm, não exatamente a estética grunge, porque eu já havia passado pelo punk rock no fim dos anos 70 e início dos 80, e aquilo tinha sido como “cara, você pode fazer qualquer coisa, você não precisa ser um músico perfeito, você pode apenas se expressar, e fazer isso de maneira direta”. Para mim o grunge era uma combinação de rock pesado e punk rock e eu estava muito familiarizado com esses dois tipos de música.

As bandas que você gosta de produzir são em geral as que se identificam de alguma forma com essa filosofia?

Não necessariamente, mas eu lembro de muitas aulas importantes do punk rock que eu usei mesmo quando produzindo uma linda cantora como a Regina Spektor [Gordon produziu o álbum Soviet Kitsch, terceiro disco da soviética naturalizada americana, de 2004.] Quer dizer, ela não se parece com Soundgarden ou Mudhoney, mas no disco que produzi com ela, há algumas distorções, alguma energia e uma emoção direta que é familiar a todas aquelas outras coisas. Algo humano.

Tendo morado em Nova Iorque por tantos anos, a cena de lá sempre mantém a efervescência que a notabilizou?

Bem, era efervescente, eu não sei o que está acontecendo hoje em dia [Gordon mora em Berlim desde 2005]. Certamente no fim dos anos 70 era muito efervescente, e nos anos 60 um pouco, nos anos 80 era o máximo, e daí houve um momento nos anos 2000 que havia algumas bandas como Interpol, Strokes e talvez The Rapture e Yeah Yeah Yeahs. Por muitos anos, dos anos 60 aos anos 90, parecia que o único lugar a que um músico americano poderia ir para conseguir a atenção das gravadoras seria Holywood, em LA, ou Nova Iorque. Então todo mundo que tentava se levar a sério tentava se mudar para essas cidades. Então você tinha várias pessoas sérias e talentosas indo a Holywood e Nova Iorque ao longo dos últimos 60 anos.

O que você pensou da música do Strokes na primeira vez que foi a um show deles?

Na primeira vez que os vi eu pensei “uau, eles tem um visual muito bom e agem com muito autoconfiança, como se acreditassem que são os reis”. Gostei de ver Fab tocar bateria, porque ele estava tocando tão fisica e intensamente que parecia que ele ia arrancar sua cabeça fora a cada batida. Parecia que ele estava assassinando a bateria. Mas eu não pensei muito na música, nem fiquei muito impressionado com eles. Só que eu precisava trabalhar, e chamava todas as bandas até o meu estúdio para fazerem uma demo. Óbvio que eu aprendi a amá-los e a achar sua música fantástica à medida que trabalhava com eles.

Como foi o processo de produção de The Modern Age? Eles eram hesitantes ou resistentes à produção?

Não, eles estavam um pouco em dúvida antes de começarmos, diziam que tinham tido muita má sorte nas tentativas anteriores de gravar, e não achavam que fosse possível conseguir uma gravação boa de verdade. Eu falei para eles, quando os conheci, que se me dessem três dias, eu gravaria três músicas, e achava que ficariam felizes com elas. Eles aceitaram tentar.

Eles dizem que tinham, além dos rocks mais garageiros, músicas mais épicas. Você ouviu alguma delas?

Eles chegaram no meu estúdio, eu não lembrava de nenhuma das músicas do show, eles tocaram “Last Night”, “The Modern Age”, “Barely Legal” e eu pensei “uau, isso parece com o que eu cresci ouvindo, como podem esses meninos conhecerem essa música?”. Ninguém conhecia música desse tipo na geração deles, sabe?

E de onde essas influências estavam vindo?

Depois, ao falar com eles, vi que eles gostavam de Bob Marley. E quando saíamos em viagem, eles ligavam o rádio em estações que tocavam os hits dos 70 e dos 80 e eles todos cantavam juntos, e ficavam muito felizes de ouvir aquelas músicas, gostavam muito da música de rádio mesmo.

Você disse que não ficou impressionado com as músicas deles na primeira vez que os viu…

Quando os conheci, houve outra banda de que eu realmente gostei, e eu nunca ouvi falar deles de novo. Mas é claro que hoje estou muito feliz que eles tenham vindo pro meu estúdio.

Você vê seu trabalho com o Strokes como um acidente?

Sim, foi um acidente, porque eu fui para Nova Iorque trabalhar nas minhas próprias músicas, e comecei o estúdio, para ter uma banda, e sai à procura de qualquer banda que me deixasse gravá-la e me pagaria, para que eu pagasse meu aluguel. Então quando os conheci, eles eram apenas mais uma banda, e mesmo depois de terminar eu pensei “bem, eu gostei muito dessas músicas, mas eu acabei de gravar 100 bandas com três músicas cada e nenhuma delas assinou contrato algum, e nenhuma banda sequer lançou as três músicas”. Eu não esperava muito, especialmente porque naqueles dias a guitar music estava muito fora de moda, prestes a morrer de vez, era o que diziam os jornais.  Então eu pensei “esses pobres garotos, com 20 anos, ninguém vai ouvir sua música. E além disso, ela é tão suja que não consegue competir com a música limpa, eletrônica, super-produzida, com bateria midi, baterias de samples Bob Clearmountain, todas essas coisas que eles não queriam usar.

Você acha que The Modern Age chamou a atenção de Geoff Travis pela mesma razão que o Strokes despertou seu interesse num primeiro momento?

Eu não sei como aconteceu, só sei que James Endicott e Geoff Travis ouviram essa coisa uma vez e pensaram “uau, precisamos lançar isso”. E isso é tão raro, que alguém escute umas poucas músicas e fique empolgado assim, então o EP Moden Age foi lançado e comentado, e as pessoas amaram, e a banda começou a partir daí, toda a ação.

Houve dois momentos, do EP sendo lançado em Londres e da atenção dos EUA voltadas para a banda…

Eles fecharam com a Rough Trade, que lançou a demo original, sem mais mixagem, e então, Albert pegava pequenas caixas de CD e as levava a pequenas lojas de disco, Kims Video foi uma delas, na St. Mark Street. E ele levava os disco e perguntava “Você ficaria com três dos meus discos e os venderia, por favor?”. Então ele estava tentando vender alguns discos em lojas pequenas em Manhattan, de maneira muito indie, muito independente.

E daí para Is This It, o que aconteceu

Aconteceu uma tempestade. Os garotos foram embora e eu não ouvi nada, então esqueci deles. E então, repentinamente, três meses depois, Albert aparece dizendo, “Cara, assinamos contrato na Inglaterra com aquele disco que você gravou para a gente, e na realidade nós vamos sair em turnê por lá, porque fomos escolhidos pela NME como Song of the Week. Então vamos correr para Londres e excursionar pela Inglaterra. Eu pensei “uau, nenhuma banda com que já trabalhei assinou antes, e aqui estão eles, com uma grande tour na Inglaterra, isso é fantástico!”.  Então a próxima coisa que aconteceu foi que a mídia americana começou a escrever sobre eles. E eram revistas como a Rolling Stone, que nunca escrevem sobre jovens talentos, escrevem sobre estrelas, produções milionárias, bandas contratadas por majors. Essa banda tinha contrato com um pequeno selo indie na Inglaterra, mas não eram sequer distribuídos nos EUA. Mas estavam escrevendo sobre eles como “oh, algo está acontecendo, algo está acontecendo!”. Então eles foram pra lá de novo fazer uma tour com o Doves, e fizeram um show em Nova Iorque com eles, e todos os selos de NY estavam na frente do show com suas limusines, tentando contratar a banda naquele momento, 6 meses depois daquele EP. Fui para seu camarim e eles tinham contratos de todas as gravadoras.

E você imaginava que eles iam te chamar de novo, para Is This It?

Eu tinha esperança de que eles me chamassem, mas pensei “agora eles estão fazendo um negócio grande, eles certamente vão escolher um produtor renomado”, sabe?

De onde você tirou aquele som de Is This It, sendo ele um disco dos anos 2000 que não soa como nada da sua época?

Todo mundo que eu conhecia estava usando as novidades do ProTools para deixar o som “grande” e sobrecarregado de samples e camadas adicionais de som. Eu pensei: e se nós apenas gravássemos a banda no meu etúdiozinho, e deixássemos os sons pulando pelo estúdio, como verdadeiros músicos se divertindo e tocando uns com os outros? Eu vinha pensando em Raw Power, do Iggy and the Stooges, porque a versão original daquele disco soa como um completo caos de freak-outs estourados e mal balançados. Também estava vidrado em Skinny Puppy na época, uma banda eletrônica e gótica matadora, de Vancouver; eles me inspiraram a usar distorção nos vocais e a tornar os sons agressivos, impossíveis de ignorar.

Julian, Gordon e um rapaz desconhecido nas gravações de Room on Fire

E além do tempo disponível, que obviamente foi maior, quais foram as principais diferenças entre a gravação do EP e a de Is This It?

Nós trabalhávamos das 15h às 7h do dia seguinte, quase sempre, e as sessões eram intensas e muito, muito concentradas. Uma das principais coisas que aconteceram foi que Fabrizzio decidiu que tentaria ser mais regular na bateria, queria ter certeza que seria o melhor possível. Do tipo, “tivemos três dias para fazer Modern Age e teremos sete dias para fazer Is This It. Podemos ser um pouco mais cuidadosos”. Mas também queríamos manter o som ao vivo, todo mundo tocando ao vivo, e o barulho; queríamos manter a mesma vibe. Havia músicas em que eles queriam que a bateria parecesse eletrônica, mas sendo tocada, na verdade, por Fab. Em outras, eles queriam parecer com uma banda tocando alto e bom rock ‘n’ roll.

Quem ali era o instrumentista mais experiente?

Acho que eram todos parelho, mas Nick Valensi realmente me impressionou de cara, ele tocava coisas doidas na guitarra. Mas também aprendi a apreciar Albert porque ele tocava a base de uma forma fantástica, que fazia o som acontecer, entende? Quer dizer, Nick é óbvio, porque está voando na volta, fazendo coisas legais e complicadas, mas Albert conecta isso à bateria, e mantém tudo físico, feliz, festivo, saca? E quanto mais trabalhava com Julian Casablancas, mais eu percebia que ele era como um cantor genial, ele podia fazer coisas muito loucas. Se ele tinha que cantar o verso de uma música, eu tocava um pedaço antes, e ele cantava uma melodia completamente nova, com letras ensandecidas, como se não soubesse o que estava fazendo. E aí, assim que a parte que ele precisava gravar chegava, ele cantava ela com perfeição – ainda que estivesse tirando sarro no início, ele simplesmente se focava e cantava como louco. E seu ritmo, seu tom e sua afinação eram tão acima da média.

Você identifica o jeito de Julian cantar com Lou Reed ou acha que é muito mais que isso?

Eu acho que se você pegar Lou Reed e Bob Marley, e achasse algo no meio disso, talvez encontrasse um paralelo. Quer dizer, ele definitivamente adorava a atitude new-yorker de Lou Reed, mas as melodias do Julian são loucas, tomam conta do lugar, e seus ritmos são muito sexy. Lou Reed é cool demais, mas seu negócio é bem mais simples que o que Julian faz.

O que há de comum, de fato, entre o Strokes e o Velvet Underground é esse “sentimento nova-iorquino”?

Sim! Acho que tem um grande sentimento de Nova Iorque nas duas bandas. O Velvet Underground é interessante porque quando eles estavam fazendo sua música, ninguém gostava deles e eles não conseguiam vender discos, e eles eram muito desrespeitados até 20 anos depois tornarem-se a banda favorita de todo mundo, é uma história muito interessante.

E qual é este sentimento nova-iorquino?

É um pouco como Londres e algumas cidades com muita gente em uma área pequena. Algumas vezes pode ser muito excitante. Você cresce em Nova Iorque e pensa “nossa, é tão livre e selvagem aqui, que qualquer coisa pode acontecer”, favorece a imaginação. Muitas coisas acontecem em Nova Iorque: muita gente nunca consegue acertar, e passa por momentos muito difíceis; e algumas pessoas têm muita sorte e voam para o topo. É um jogo louco.

O quanto você acredita que a fama do Strokes está relacionada a um senso de comunidade, de estarem em Nova Iorque, serem parte de algo…

Essa é uma pergunta muito boa, porque muitos deles nem nasceram nos Estados Unidos, mas eles todos eram amigos por muito tempo. Acho que cresceram muito juntos, conheciam um ao outro por muito tempo. Este é um aspecto muito interessante de comunidade: são pessoas que tinham uma relação próxima um com o outro, mesmo no início, quando eu os gravei.

Como cada uma das 5 personalidades na banda contribuem para o que eles são, como eles são…?

Eles eram todos muito participativos nas gravações de Modern Age, Is This It e Room on Fire. Eles tinham opiniões fortes, todo mundo falava… Fabrizzio falava das guitarras, Nick Valensi falava das baterias, Julian falava das baterias… sabe, todo mundo falava de tudo, e todo mundo ouvia muito. Eles todos contribuíram com suas personalidades e opiniões.

E você acredita que não trabalhar com você em First Impression of Earth foi um passo bom? Acha que teve a ver com gravadora?

Não, não, não houve gravadora envolvida. Foi uma decisão da banda, que quis buscar algo novo, é um processo artístico absolutamente normal: já fizemos isso antes, agora vamos tentar isso. Eles estão sempre esperando fazer a melhor decisão para a banda, isso tinha que acontecer. Agora eles estão trabalhando com Joe Cicarelli, e tenho certeza que estão achando uma grande ideia. Espero sempre o melhor para eles.

O que você aprendeu profissional e pessoalmente depois de trabalhar com eles por três discos?

Aprendi tanto que não tem nem graça. Aprendi a escutar as pessoas atentamente, e não pensar que por ser produtor sei muito mais com eles. Aprendi isso com o Strokes mesmo no Modern Age. Quando alguém dizia alguma coisa, eu escutava e tentava antes de dizer não. Isso foi uma grande lição. Se eles tinham uma ideia, e eu pudesse mostrar pra eles para que eles dissessem sim ou não. Isso foi uma coisa. E acho que aprendi o que é ter amor e respeito em todo o mundo por ter produzido um disco, é algo que não havia aprendido antes, e é muito… interessante.

Qual sua faixa preferida em Is This It?

Neste exato momento estou apaixonado por “Trying Your Luck”, “Take It Or Leave It”, “Someday” e “Soma”.

Esta entrevista com Marcelo Camelo foi publicada na NOIZE #18, de outubro de 2008, na época do lançamento de Sou, primeiro disco solo do cara. A capa, que trazia a cara de Camelo livre de recursos de Photoshop, teve uma repercussão tão legal, que o próprio hermano brincou com ela em vídeos e fotos com que ilustramos a entrevista que segue.

Texto: Fernando Corrêa / Foto: Divulgação.

Não tente compreender Marcelo Camelo—ele é o infinito. Não se trata de prepotência, de maneira alguma; você também é o infinito para ele. Em meio a tanta infinidade, conversamos com o homem que compôs Sou, um disco de uma simplicidade que só as poesias mais belas possuem. Mas não espere de uma entrevista com Camelo explicações de sua obra; em vez disso, ouça e veja com sua própria alma o show que o “los hermano” apresenta no próximo dia 16 de outubro.

Tua música está mais baixinha, tem momentos de silêncio, especialmente nas mais dedilhadas. Qual a importância de ficar em silêncio para ti?

Ah, eu gosto, como eu mexo com música, com som, é uma contraposição importante na parada e aparece constantemente no diálogo. Não sei se do silêncio irrompem as mais belas melodias, a frase é bonita, pode ser.

Agora começou a correria dos shows, mas como foi o clima de composição e gravação do sou?

Cara, foi tudo tranqüilo, no maior sossego. Não teve nenhum atrito, foi totalmente pacífico. O disco tem umas músicas meio antigas, tipo “Liberdade” e “Santa Chuva”, mas boa parte do disco foi composta nesse período de recesso.

Teve alguma canção do CD que saiu de uma vez só?

Um pouco, “Saudade”, “Copacabana”, tem umas que vêm meio de rompante. “Liberdade” não, “Liberdade” demorou um pouco…

Canções como “Passeando” se aproximam do erudito. Como um cara que não gosta de disciplina compõe essas músicas?

Buscando o som, tateando. E por influência muito de Guiomar Novaes [brasileira, uma das principais pianistas do século XX], pensando no piano que eu tenho ouvido muito. É a tentativa de fazer parecido e curtir um som parecido. Vou tocando e as coisas vão abraçando umas às outras. É só não pensar muito, é difícil teorizar sobre isso. Se tentar descrever, a parada se esvai. Tem que estar distraído para a coisa.

Quando tu pega o violão, é para compor?

É, o violão pra mim é meio que uma extensão do corpo, como se o corpo tivesse necessidade de emitir sons. Aí passa pelo violão e fica aquele “blemblemblem”, e você fica soprando esse “blemblem” até virar uma música. É uma relação intrínseca e natural mesmo.

E as letras, quando tu compõe, cantarola e faz as letras depois?

Bem isso, eu vou cantando um negócio… tem acontecido mais desse jeito, de as palavras entrarem mais pelo som delas do que por o que eu estou pensando ou querendo.

Tu acha que tuas letras retratam o sentimento que originou a melodia?

As coisas não são para se encerrar, o objetivo é que esses sinais, códigos e palavras apontem para um infinito de significados. Não é para representar o que eu estava sentindo, ou conjugar exatamente com a música. É para que música e letra apontem para o infinito, rodem uma em volta da outra, e o infinito é o máximo de compreensões. Que cada um veja de um jeito.

E a história de que tu é a desgraça das rodinhas de violão?

É verdade, mas eu aprendi que eu sou bom em tirar as músicas enquanto toco. É uma habilidade que eu não sabia que tinha e estou começando a exercer.Tem funcionado em algumas, em outras eu pago mico. As letras também, eu lembro de algumas, mas não sou virtuoso.

O Los Hermanos acompanhou teu fascínio cada vez maior pela música brasileira. O que tem nela que te encanta?

Não sei, cara, mas tem alguma coisa. Acho que é a maneira que ela faz a mistura de harmonia com melodia e com ritmo. Mas pega Claudinho e Buchecha, MC Leozinho, tem algumas coisas que são tipicamente brasileiras e que ao mesmo tempo se aproximam de um negócio… um amigo meu me falou uma coisa que eu achei lindo, que o Sean Kingson, sabe [canta pedaço de “Beautiful Girls”], é o Claudinho e Buchecha. Não é demais essa comparação? É a mesma onda, mesma cara, mesmo jeito, é lindo para caramba. Não sei se é a música brasileira, necessariamente. Eu adoro Claudinho e Buchecha, adoro Sean Kingson, mas acho que tem alguma coisa com o Brasil que é diferente mesmo.

A música para ti é uma coisa espiritual, expressa coisas tuas?

Não, não tenho um lado espiritual… mas talvez a minha espiritualidade esteja toda na música mesmo.Acho que a própria música é um tipo de explicação.

E de que maneira tocar resolve teus sentimentos? De alguma forma, o título sou reflete tu te voltando para a tua música?

Eu acho que é uma tentativa de me aproximar cada vez mais da música. O negócio de tocar com uma banda de rock, tocando alto, exige uma transformação. Exige que você saia do seu estado de espírito tranqüilo. Quem cobra uma música mais agitada deveria entrar na estrada e fazer 30 shows por mês com esse espírito para ver o preço que isso cobra, do ser humano ter que se transformar no porta-voz da alegria desmedida toda noite. A minha busca, até inconsciente, e me aproximar de mim, aproximar minha música de quem eu sou em casa, nos meus momentos mais relaxados, que é quando eu componho—na verdade, quando estou mais distraído de mim mesmo e em contato com o todo.Tentei aproximar a minha música disso para que o ritual de fazer um show seja compartilhado dessa sensação, e não da transformação. Esse é o momento em que eu estou agora.

É leviano interpretar o poema da capa como o momento que você vive sendo o oposto do que você vivia com o Los Hermanos?

Não, cara, o disco é um pouco sobre o poema. Nenhuma forma de interpretação sua seria leviana, fique à vontade para interpretar como você quiser. Mas o disco é sobre o poema, o Rodrigo é meu amigo, o disco é sobre as participações também, é sobre tudo que está acontecendo em torno dele. Não é o símbolo de uma outra coisa, é mais subjetivo do que isso. O poema me impulsionou a várias coisas, eu me voltei ao poema. O poema sugere um monte de coisas, e acho que o mais bonito é o movimento de rotação que ele sugere.

Tu cita o filósofo Albert Anton Wilson e a Lógica do Talvez como importantes nesse momento em que tu compôs sou. Ele diz que a crença é a morte do saber… não devemos acreditar em nada?

Hahaha. Não, quem me apresentou o Albert Anton Wilson foi o Nilsão, um amigo meu que não fala em inglês. Eu mostrei para ele um poema meu que dizia “repórteres trabalham em nome de ter certeza/ a certeza trabalha em nome de ter sentido/ só que sentido é só apontar para outra coisa/ e o outro, por sua vez, é o infinito/ se duas coisas dão as mãos,/ não precisa ser verdade/ só bonito”, que é uma parada de um outro filósofo que eu gosto, Emanuel Lévinas, que tem um conceito de alteridade, de que o outro é o infinito. Eu tinha ouvido na época que a percepção da outra pessoa sobre o mundo é o infinito. Aí o Nilson falou “pô, é totalmente Albert Anton Wilson”.Talvez esse negócio da crença que ele fala não seja a crença nos seus próprios mecanismos, não é a crença que você constrói. Muito pelo contrário, a própria Lógica do Talvez tem o exercício de usar a língua sem usar o verbo “ser”, e… até esqueci o que eu ia falar, mas tem muito da coisa de apontar a compreensão para um lugar maior do que a palavra.

Aproveitando que tu falou em repórteres, que jornalista tu pretendia ser na faculdade? Tu voltaria a estudar jornalismo hoje?

Eu fazia jornalismo para ser zineiro, cara, eu fazia muito zine. Acho que eu provavelmente estudaria outra coisa, já estudei de jornalismo o que me interessava estudar. Eu acho que o papel da universidade é em muita parte cumprido por ela, mas eu tenho dúvida com a idade que se faz a faculdade. Eu mesmo, com 18 anos, acho que foi meio cedo para estudar Marshal McLuhan [importante teórico da comunicação]. Eu não estava muito interessado, estava em outra. Os assuntos foram me interessar agora.Tira carteira, tem namorada, tem muita coisa do coração, da liberdade. O primeiro movimento de expansão para fora de casa. Uma pessoa que gosta de banda, na escola tem dois ou três amigos que também gostam. Na faculdade de comunicação, todo mundo gostava de música. A experiência que você leva de dentro de um campus é 80, 90% de experiências emocionais e afetivas, e 10% é conteúdo acadêmico. É a lei da gostosura, uma coisa é muito mais gostosa que a outra.

Mas o quanto tu achas que o jornalismo tem como se aproximar da arte de uma forma saudável?

Essa discussão é eterna, se a crítica tem um papel ou não. Tem frases históricas engraçadas de tudo que é lado. Como banda eu promovo uma coisa, mas como espectador consumo todas as coisas. Às vezes leio coisas ótimas, que me aguçam a curiosidade e me tomam a atenção pra algo que eu não tinha notado, ou um artista que eu não conhecia, através de associações ou de um elogio muito efusivo. O que eu acho é que com a internet fica cada vez mais claro, as pessoas vão saber ler isso melhor, todo mundo está se educando. Os bons escritores de críticas vão saltar aos olhos. Meu irmão, por exemplo, escreveu o release do disco, e é um crítico de arte impecável. Ele se aproxima do que está observando de um jeito que dá muito orgulho. Então é possível escrever um texto de arte interessante, legal. Assim como tem filmes incríveis sobre bandas, making ofs, jeitos bonitos de se observar uma coisa que vão sempre existir. O cara que senta e faz uma poesia sobre a parada. Agora, isso é talento, dedicação, trabalhar com o coração, não é pra qualquer um. Alguns têm, outros não têm. Outros têm o ego pequeno, precisam inflá-lo. Tem gente que só procura defeito, tem pra tudo que é gosto. Se todo mundo só elogiasse… acho que vai melhorar com o tempo. É difícil ser amparado como são os blogueiros, o cara escreve por que ama aquilo, ninguém tá pagando uma grana, não tem jabá. Eles têm senso ético com a informação.

Tu faz a música pensando em ti, e não num ouvinte final, e por isso as pessoas se identificam?

O ouvinte final sou eu também, não é que eu não pense. Eu penso para caralho no ouvinte, eu toco a música para me deliciar com ela. Não toco para me deliciar tocando, toco para me deliciar ouvindo. Não acredito que ninguém faça uma música comercial, para vender.Todo mundo tenta fazer o seu melhor…

A preocupação de o artista perder o que tinha para vender com a internet foi solucionada com iniciativas como o Sonora?

O artista tem muita coisa para vender, né, sua alma hahahaha. Não, tô brincando. O disco continua vendendo, eu não quero atrasar o progresso, acho que a gente tem que se lambuzar com a internet e aproveitá-la com sua máxima potencialidade, usar de todos os jeitos que pode usar, acelerar o processo de difusão e divulgação de imagem, som, filme. Vai depurando, melhorando, o consumo da informação melhora.

Foto: Camila Mazzini

E como foi a experiência de produzir o disco?

Foi bem tranqüilo, eu já tinha produzido o disco do meu tio Bebeto, tinha uma relação tranqüila com engenheiro de som e de gosto das coisas mesmo, de imaginar uma coisa e partir para gravar, essa parte prática também já não era muito difícil, de marcar um estúdio.

Tu fala bastante em respeitar a natureza das canções. Que tipo de coisas tu fez em momentos mais afoitos que não fez agora?

Talvez esse termo seja meio forte. Eu tentei fazer tudo com o mínimo de força possível. Usei toda a minha energia para resolver coisas práticas e deixei as coisas desse outro campo caminharem pela distração total. E foi bem fácil me guiar, tocava as músicas no violão e pensava “poxa, aqui podia ser assim”; não fiz força de raciocínio para transformar as músicas em algo melhor do que elas são.

As texturas que o Hurtmold imprimiu no disco resultaram diferentes do que tu esperaria?

Não, pelo contrário. Eu nunca tive uma expectativa da música, sempre tive essa percepção de deixar ela livre. Cada vez que você tocar com uma pessoa diferente, a música sai diferente, muda uma tecla do jogo que é a música.As experiências se somam, se acumulam, se expandem.

A melodia de “Janta” é especialmente bonita, como foi a parceria com a Mallu Magalhães? Ela vem tocar em Porto Alegre?

Não, a composição fui só eu, inclusive a parte em inglês.Acho que ela não vai tocar aí. Seria ótimo poder levá-la, mas ela tem uma carreira. Sou muito fã da Mallu, apostaria todas as fichas nela.

Tu tem muitas parcerias com meninas mais novas. O que isso traz para o teu trabalho?

Cara, agora vou cantar no DVD da Ivete. Acho esse negócio de idade meio confuso. Eu me sinto parado no tempo desde que nasci, acho que vou morrer no mesmo lugar que eu estou vendo as coisas. Eu encontro a Clara Sverner, que é uma senhora, encontro a Mallu e pra mim não há nada que nos separe. Não considero essa entidade com a qual nego negocia. Quando existe consonância de vontade, não tem nenhuma distinção para mim. Acho inclusive que eu sinto meu coração mais tocado pelos idosos e jovens, mais do que adultos. Mas essa parada de idade é maior caô.Você encontra cara de 10 que fala como um velho, e cara de 10 que fala como um senhor de 80, bondoso, paciente. Uma pessoa em começo de carreira oferece uma visão distinta da sua, coloca você em outra perspectiva, mas o ponto chave, a luz interior que a pessoa já está ali e vai brilhar assim para sempre.

Saquem o Camelo brincando com a revista:

Sobre a seção

Era uma vez é a seção que resgata matérias publicadas em edições passadas da NOIZE, as atualiza, na medida do possível, e publica o resultado no site para quem ainda não leu e para que quer reler.

Essa semana, Lucas Santanna: as fotos que não entraram na revista e a entrevista completa com o cantor, que apareceu na NOIZE

Sem nostalgia nem contradição, o baiano-quase-carioca-com-pé-em-recife Lucas Santtana chega aos 10 anos de carreira como sempre fez: olhando para trás ao seguir em frente. Seu último álbum, Sem Nostalgia, desconstrói um dos maiores ícones da música brasileira – a voz e o violão – a partir de samples de Baden Powell, Caymmi e Jorge Ben e canções. Belas canções.

Dono de uma das mais importantes discografias da recente música brasileira, Lucas conta a NOIZE como insetos e ficar brincando com equalizador ao ouvir João Gilberto podem influenciar um disco e fala também daquilo que o circunda: a internet, sua geração e, sim, a música brasileira.

Queria que você começasse falando como foi seu primeiro contato com música e quando você começou a ter vontade de fazer música?

Meu pai trabalhou em gravadora por muitos anos e minha mãe trabalhava com dança. Tem a ver com música, mas indiretamente. Com 13 anos foi quando eu descobri a música: minha mãe me levou aos primeiros shows e tal. Perto do trabalho dela tinha um cara que passava vendendo vinil e ela sempre comprava para mim discos de jazz, de música clássica, de música popular. Eu pirava com aqueles discos, ficava ouvindo o dia todo, foi nesse momento que acabei me apaixonando por música mesmo.

Com 13 anos também meu pai me deu uma flauta doce, depois uma transversal e eu comecei a estudar música. Aí, com 18, eu já estava trabalhando com música, tocando flauta. Fui fazer faculdade na Escola de Música da Universidade, que eu abandonei para tocar com o Gil. Aí ele me chamou para tocar no “Unplugged” (disco de 94), aí fiquei três anos tocando com ele. Nesse tempo eu comecei a compor e sai da banda para gravar o primeiro disco (“Eletro Bem Dodo”, lançado em 2000 pela Natasha Records/Universal).

Como que surgiu a ideia do “Sem Nostalgia”? Ou melhor, o que surgiu primeiro, a ideia do disco ou as faixas em si?

A ideia, na real, se divide em duas.

A primeira ideia que eu tive, na verdade, não era um disco. Foi quando em 94 eu fui tocar com os Doces Bárbaros, em Londres, num show no Royal Albert Hall. Atrás do Royal Albert tem o Museu de História Natural de Londres e uma das salas, a sala dos insetos, que era toda feita para criança, tinha umas máquinas como se fossem displays em que você botava o fone, visualizava os insetos e ao clicar neles, ia ouvindo os sons que eles faziam, descobria de que país eles eram. Quando eu ouvi aquilo, pensei que tinha tudo a ver com sintetizadores, porque era “de mentira”, sabe? Tinha a ver com música eletrônica e o lance da ambiência, como aqueles sons se misturavam ao ambiente e tal. Aí eu pensei que, “porra, podia usar os insetos como instrumentos, como ambiência”.

Daí passou um tempo, quando eu tava em São Paulo na casa de um amigo ouvindo um disco do João Gilberto, eu comecei a aumentar os graves, mexer nas freqüências das caixas de som. Quando puxava o “gravão” do disco, o baixo do violão mudava muito, sabe? Então eu pensei que poderia fazer um disco “voz e violão” que mexesse com essa parada da tradição, que eu pudesse avançar e me divertir com isso de várias formas. Aí eu decidi: “porra, quero fazer um disco voz e violão”. E fiquei com isso na cabeça por muitos anos.

Finalmente em 2008, “tá na hora, vou fazer esse disco porque ta há muito tempo na minha cabeça”. Precisava dar uma esvaziada, poder pensar em outras coisas, sabe? Aí eu comecei a compor o disco e pensar de que maneira eu poderia fugir do esquema de dois canais, só voz e violão. Começou a surgir essa ideia dos samples, comecei a samplear vários discos do Caymmi, do Baden, só os trechos com os caras tocando violão. Comecei a sacar que eu poderia fazer uma faixa no Jardim Botânico, de noite, e pegar o ambiente. Comecei então a ter várias ideias de como extrapolar aquilo, como fazer o “voz e violão” soar diferente.

Como foram as gravações? Você trabalhou com vários produtores diferentes e com vários músicos diferentes. Lendo a ficha técnica, eu fiquei até meio assustado, vendo que você colocou dois bateristas fodas, como o Curumin e o Marcelo Callado (Do Amor e banda Cê, do Caetano), para tocar bateria no violão. Como foi escolher cada músico e produtor para cada faixa?

Quando eu pensei no disco, eu chamei vários produtores e vários músicos, porque eu pensava que como era um disco que já tinha uma amarração, só podia ser voz e violão, quanto mais gente eu chamar para produzir junto comigo, gravar em estúdios diferentes, mais vai enriquecer uma coisa que é uma só, voz e violão. E daí eu comecei a chamar a galera que eu já trampo há algum tempo. Como o Curumin, que eu já tinha feito faixa do disco dele, o João Brasil que já tinha feito coisa junto, o Chico Neves, o Do Amor, que já tocavam comigo. Daí cada faixa eu fui chamando quem tinha a ver. Uma faixa que era samba-rock como “Um Amor Em Jacumã”, então eu chamava alguém com uma pegada samba-rock legal, como o Curumin. No “Who Can Say Which Way”, que era uma parada meio rock, chamava o Do Amor, que é uma banda rock, mas não é tão rock assim. No “Recado A Pio Lobato”, eu gravei a faixa toda com o Régis (Damasceno, guitarrista do Cidadão Instigado e faz-tudo do Mr. Spaceman) e joguei todo resto na mão do Rica Amabis, que é um cara que saca muito de plugins e tal. Enfim, eu chamava quem tinha a ver com a faixa, que pudesse catalisar o que a faixa estava pedindo.

Qual é sua relação com o violão em si, como instrumento?

A primeira referência é a de ouvir mesmo. Ouvi muito João Gilberto quando era adolescente, ouvi disco do Caymmi voz e violão de 59 (“Caymmi e Seu Violão”, EMI/Odeon), que é clássico, ouvi discos do João Bosco, do Jorge Ben. A segunda relação foi com o próprio instrumento, quando comecei a compor em quarto de hotel, quando ainda tocava com Gil, o violão era tipo meu companheiro, sabe? Foi ali que eu comecei a compor, que eu aprendi a fazer música. A terceira, então, eu posso dizer que foi fazendo o disco, que foi essa história de desconstruir essas duas referências que eu tinha.

Esses seus 10 anos de carreira foram os 10 anos que a indústria fonográfica ruiu. Mesmo sendo um artista muito bem adaptado a internet, você às vezes sente algo que, talvez não seja nostalgia, mas talvez uma vontade de ter vivido numa outra época? Você acha que teria sido mais fácil ter aparecido como artista em outros anos?

Não, eu realmente sou um cara que não tem essa parada nostálgica, sabe? Eu acho que a época que a gente está vivendo é a época mais legal, mais democrática. É uma época, sim, muito difícil, porque todo mundo faz música, a concorrência é grande.

Tem um lado muito legal que é esse de eu e toda essa galera da minha geração estar se inventando. A gente não está só fazendo música, a gente tá inventando um jeito de fazer música, um jeito de viver de música, um jeito de empreender música. Não é que a gente não tenha gravadora, a gente nunca teve. Nunca teve gravadora, nunca teve jabá pra tocar em rádio. Então, a internet vira nossa única aliada.

Por exemplo, em Recife, depois do show no Rec Beat, eu saí na rua e uma um monte de gente veio me parar para dizer “pô, eu tenho um blog, coloquei teu disco para baixar lá”, sabe? Então, é muito boa essa coisa do boca-a-boca, do blog, de colocar aquele disco para 100 amigos seus que acessam aquilo lá. E pensar que isso é multiplicado por milhares de blogs.

Acho muito legal viver esse tempo em que a gente está vivendo, mas não só isso, acho legal pensar sobre ele, não só do ponto de vista artístico, mas do ponto de vista do negócio da música mesmo.

Falando em relação a essa história de blogs, de repercussão na internet, como é para você essa ideia de ser meio que descoberto ou redescoberto a cada disco? Você já falou em outras entrevistas que muita gente acha que o “Sem Nostalgia” ou “3 Sessions In A Greenhouse” são seus primeiros discos.

Cara, isso é bem um sintoma do que eu estava falando. O “3 Sessions…” foi o primeiro disco que eu disponibilizei de graça na rede, então para uma galera que é aquela que chega nos discos através da internet, através dos sites para baixar, é mais fácil chegar nele ou no “Sem Nostalgia”. Eu sei que os outros dois existem nos sites para baixar, mas não da maneira que eu coloquei, com a possibilidade da galera remixar e tal.

É louco isso. Acontece muito de eu chegar nos lugares e ver uma galera conversando e numa hora alguém falando de música, fala desses discos, conhece esses discos, mas não me conhece. Conhece o som, mas não conhece o Lucas. É muito louco isso de na internet às vezes o som chegar antes da imagem.

De uns 3, 4 anos para cá, de certa forma dá para falar que estamos vivendo uma espécie de renascimento da “canção brasileira”, algo que tem tanto a ver com a tropicália, a bossa nova e com Roberto e jovem guarda, algo que seria talvez o que hoje o Marcelo Jeneci, o Romulo Fróes e vários outros fazem. Essa história de haver um tipo de canção é especialmente brasileira, algo que não é exatamente samba, não é bossa nova, mas você nunca vai ouvir um americano fazendo, por exemplo. Como você vê o “Sem Nostalgia” no meio dessa ideia, sendo ele um disco que, de certa forma, tenta descontruir e reconstruir essas canções?

O “Sem Nostalgia” é um disco muito de canção, apesar dos experimentalismos que tem. E são canções bem brasileiras, mesmo que algumas sejam cantadas em inglês. Eu acho que realmente essa coisa da canção está voltando, porque essa coisa de groove, de você soltar uma batida e construir uma música em cima dela cansou um pouco, ficou nos anos 90. E a coisa da canção que se defende sozinha, independente de ter uma sonoridade atrás, isso voltou. E ao mesmo tempo, na minha geração, gente como o Curumin, a Céu, tem muito essa história das texturas musicais, que é o meu barato. Apesar de fazermos canções, temos uma preocupação muito grande para que na hora que aquelas canções forem gravadas, que aquilo não seja feito num arranjo tradicionalista. Ao contrário, a gente vai tentar colocar um arranjo com maior número de timbragens possível, para que aquilo seja tão interessante quanto a canção. Eu canso de ouvir canções bonitas, mas que quando são gravadas, isso é feito de uma maneira tão careta que a canção fica feia, que me fazem perder o interesse. Então, se não tiver som abraçando a canção, é uma coisa que eu não curto tanto. Tanto é que eu acho a MPB hoje uma coisa muito careta, na sonoridade.

De uns três, quatro anos pra cá, vem aparecendo com mais força no Brasil uma geração de artistas incríveis, tanto compositores, produtores, instrumentistas…

Sim, tanto é que você falou do (Marcelo) Jeneci, que eu pude acompanhar um ensaio umas semanas atrás, porque o Régis Damasceno que toca comigo, toca com ele também. Eu vi o ensaio e falei para ele “cara, parabéns, essas canções são lindas!” e ele: “valeu, agora eu estou trabalhando para fazer o som delas”, que é bem isso que estava falando. Não importa só ter canção bonita, tem que chegar com um som próprio, isso é muito importante para essa geração. A coisa do autoral não está ligado só a canção, ao jeito de fazer melodia, ao que você diz na letra, mas também ao tipo de som que você vai chegar. Se você chega com uma canção bonita, mas com um som parecido com o do Romulo Fróes, você vai ser o “sub-Romulo”, entendeu? Todo mundo está preocupado em chegar com um som próprio, não é só a canção.

Apesar de guardarem semelhanças, seus quatro discos têm ideias completamente diferentes. O que você acha que seria então seu som? O que te define?

Meu som sempre foi textura musical. Canção com textura musical. Desde o primeiro disco meu barato sempre foi achar sonoridade, sabe? Achar sonoridade do instrumento, achar sonoridade da guitarra, do baixo e achar principalmente a sonoridade da faixa, que é tudo isso junto, que se forma e dá vida a um som só. Em todos os discos, se você ouvir, essa ideia é bem presente. Se você tirar a voz, o som que tem atrás é muito uma coisa de tapeçaria musical, de culinária, pode chamar do que você quiser. É muito uma ideia de ir temperando até a faixa ter um sabor próprio.

De onde veio o título do álbum?

Na verdade eu estava sem título, aí conversando com um amigo meu, o Bruno Natal (jornalista, editor do URBe), ele falou “nunca mais tiveram discos em que os títulos foram tirados de um pedaço da letra da canção”. Nem sei se isso é verdade, mas quando ele falou isso, eu que tava doidão, “porra, vou fazer isso”. Aí eu peguei as letras do disco e parei na canção “Cá Pra Nós”, que diz “Sem ilusão / sem nostalgia / só o querer que acende”. Aí eu achei que essa frase tinha tudo a ver, porque “sem ilusão” é uma característica muito da minha geração, em que o foco foi sempre na música, nunca no glamour, ninguém acha que vai estourar. Tinha tudo a ver com o que o disco queria ser.

Você acha que o título “Sem Nostalgia” talvez seja um resumo de como você conduz sua carreira?

É um resumo no sentido de que eu nunca quis muito reproduzir a música popular que veio antes de mim. E quando eu falo isso, não quer dizer que eu não goste, porque no “Sem Nostalgia” tem samples do Jorge Ben, do Caymmi, do Baden, do Gil, eu gosto muito de tudo isso, mas nunca achei que teria sentido se eu fosse fazer “uma nova MPB”, sabe? Sempre achei essa ideia muito caída, tentar fazer o que já foi feito. Sempre achei que era mais arriscado e e me daria mais tesão se eu fosse fazer coisas que nunca foram feitas.

Como surgiu a ideia de fazer o Trio Ghettotech?

Rolou um edital do governo da Bahia que iria apoiar 10 trios independentes, sem cordão de isolamento, para o folião mesmo na rua. Aí eu pensei que tinha tudo a ver fazer um trio Ghettotech lá, porque a cidade (Salvador) tem muita influência de música negra, seja do Caribe, seja da América do Sul, dos EUA, da Jamaica. Aí chamei o Chico Dub e o Pedro Sieler (DJs da festa carioca Dancing Cheetah) com que eu toco aqui no Rio, só que eles não iam poder. Aí eu chamei o El Roque, que é de um soundsystem lá de Brasília, o Confronto, um amigão meu que toca esse tipo de som também. Então fui com essa ideia de levar soca digital (ritmo dançante de Trinidad e Tobago), esses de estilos de Global Ghettotech para lá. E foi do caralho porque o povão na rua na entendeu. Entendia no corpo, né? Quando rolaram as músicas, a galera entedia na hora, dançava para caralho. E fez muito sentido, porque todos esses estilos de Global Ghettotech que rolam, por exemplo a cumbia na Argetina, o dancehall na Jamaica, a soca em Trinidad e Tobago, em todos esses lugares as músicas são produzidas para sistema de som, para caixa, e o trio elétrico nada mais é que um soundsystem ambulante. Foi perfeito o casamento da parada!

Você pretende fazer mais vezes ou em outros lugares?

Ano que vem eu estou pensando em fazer de novo lá, porque deu muito certo.

Você já sabe o que quer fazer num próximo disco?

Não. Tem várias ideias, mas o “Sem Nostalgia” tem tão pouco tempo, nem um ano. Eu até tenho muita vontade de fazer outro disco, mas vou segurar, amadurecer as ideias.

O restante da sessão de fotos com Lucas Santtana pode ser conferido no Flickr da NOIZE: http://www.flickr.com/photos/revistanoize/sets/72157623593684880/

As fotos são de Pedro Cupertino

O texto é de Livio Vilela

Está no ar a NOIZE #31. A primeira edição de 2010 abre o ano com projeto gráfico renovado e inaugura seções que só vêm completar e diversificar ainda mais o conteúdo musical da revista de música gratuita do Brasil. O conteúdo, aliás, continua primando pelo bom e pelo inovador de hoje, amanhã e sempre.

Nesta edição: entrevistas com a galera que ajudou a colocar Is This It, dos Strokes, no mundo; matéria animal dissecando a cultura faça você mesmo dos zines musicais e seu pioneirismo como mídia democrática; um bate-papo com James LaBrie, do Dream Theater, que passa pelo Brasil em março; entrevistas e fotos com o baiano Lucas Santtana, dono de um dos melhores discos nacionais de 2009, e com os gaúchos barulhentos da Walverdes. E o melhor: a revista está aí embaixo, só não lê e vê quem não quer.

As seções novas são atrativos à parte: além do Move That Jukebox, que já nos acompanha desde 2009, mais três blogs passaram a ter páginas exclusivas dentro da NOIZE: rraurl, Scream & Yell e Fora do Eixo. São mais três universos que enriquecem a revista e nos deixam honrados pela sua parceria

Nossa seção de News também foi atualizada para uma nova abordagem, muito mais interessante e “bloguística”, e o novo projeto gráfico deixou a leitura muito mais prazerosa.

Passe a informação adiante: http://bit.ly/noize31

Quer baixar a revista? Vai aqui: http://sharesend.com/bow70

Até o fim da semana, a edição impressa está nas ruas – mas se fôssemos você, não deixaríamos pra depois.

Falamos tempos atrás do One Nine Nine Four, documentário que resgata a segunda explosão do punk rock californiano, nos anos 1990. Mesmo repleto de entrevistas com bandas da estirpe de NOFX, Bad Religion, e Rancid, o justíssimo e precioso material estava ameaçado de nunca ser lançado comercialmente, devido à falta de grana para pagar os direitos das músicas executadas em seus 90 minutos. Felizmente, o diretor Jai Al-attas conseguiu, graças à ajuda de muitas das bandas envolvidas, arrecadar US$ 15.732, que pagam a conta e garantem o lançamento do filme até o terceiro quadrimestre do ano.

Por ora, fiquem com um trecho do longa postado recentemente, que trata da relação entre o punk rock e o skate.

O (para alguns) rei Roberto Carlos acaba de virar tema de exposição na Oca, em São Paulo. A mostra Roberto Carlos – 50 Anos de Música traça uma linha do tempo na carreira do cantor e compositor. Marcello Dantas - curador da também comentada exposição sobre os 50 anos da Bossa Nova – deu forma ao projeto, que contou com o critério de Roberto em todos os detalhes.

A mostra é uma ideia funcional e interessante para fortalecer os laços com milhões de fãs, manter a imagem, continuar na mídia e se apresentar de forma diferente ao público jovem. Através de brinquedos, videokês, telas gigantescas, roupas, discos de ouro e milhares de presentes de fãs, o público pode interagir com a obra de Roberto. Além disso, também pode enviar homenagens para o cantor no site da exposição, em mp3, imagens, escritos, quase como uma rede social/arquivo virtual dos fãs.

ROBERTO CARLOS – 50 ANOS DE MÚSICA Quando: estreia amanhã, às 19h; até 9 de maio, de terça-feira a domingo, das 10h às 21h (aberta no dia 8 de março, segunda-feira) Onde: Oca (Pavilhão Lucas Nogueira Garcez – av. Pedro Álvares Cabral, s/nº – Portão 3 – parque Ibirapuera); tel. 0/xx/ 11/3079-1065 Quanto: de R$ 5 (ter. e qua.) a R$ 20; grátis para maiores de 60 anos

O clássico álbum dos Rolling Stones, de 1972, será relançado em maio, com 10 músicas inéditas. Além de versões alternativas de “Soul Survivor” e “Loving Cup”, o disco contará com  ”Plundered My Soul”, “Dancing in the Light,” “Following the River” e “Pass the Wine”, faixas produzidas por Jimmy Miller, Glimmer Twins e Don Was.

O relançamento vai ocorrer no dia 17 de maio, mesmo dia da estreia de Stones In Exile, documentário sobre a banda dirigido por Stephen Kijak, que será transmitido pela BBC Worldwide. Segundo Keith Richards, é “impressionante” a quantidade de imagens captadas no longa: “Eu devo não ter notado os câmeras enquanto gravava o disco”.

Sobre as novas faixas, o guitarrista diz que quis deixá-las o mais parecido com a gravação original: “Eu realmente queria deixar as faixas da mesma forma que eram. Eu não quero interferir na Bíblia, sabe? Elas ainda têm aquele som ótimo do porão”. O garimpo das dez faixas foi solicitado pela gravadora da banda. Num primeiro momento, Mick Jagger pensou ter utilizado todo o material da época no álbum duplo. “Pesquisei os arquivos e desenterrei muitas coisas”, contou o vocalista, à Rolling Stone americana. Para o relançamento, Jagger adicionou algumas percussões e vocais, e Richards gravou guitarras.

A nova edição de Exile será vendido em três versões: além do CD com as 18 faixas originais, será vendida uma edição especial, com as dez faixas bônus e um pacote, com o vinil do álbum, um documentário de 30 minutos da banda – com cenas do clássico-nunca-lançado Cocksucker Blues – e um livro com fotos da banda, tiradas na época da gravação.

Então, vamos lá:

Guns N’ Roses

07/03 – Brasília/DF – Local: Ginásio Nilson Nelson

10/03 – Belo Horizonte/MG – Local: Mineirinho

13/03 – São Paulo/SP – Local: Estádio Palestra Itália

14/03 – Rio de Janeiro/RJ – Local: Praça da Apoteose

16/03 – Porto Alegre/RS – Local: Ginásio Gigantinho

B.B. King

16/03 – Rio de Janeiro/RJ – Local: Vivo Rio –

19/03 e 20/03 – São Paulo/SP – Local: Via Funchal –

22/03 – Brasília/DF – Local: Centro de Convenções Ulysses Guimarães

Franz Ferdinand

18/03 – Porto Alegre/RS – Local: Pepsi On Stage

19/03 – Rio de Janeiro/RJ – Local: Fundição Progresso

21/03 – Brasília/DF – Local: Marina Hall

23/03 – São Paulo/SP – Local: Via Funchal

P.O.D.

20/03: Goiânia (GO) – Local: Faculdade Sul-Americana
21/03: Brasília (DF) – Local: UnB
24/03: Belo Horizonte (MG) – Local: Music Hall
25/03: São Paulo (SP) – Local: Via Funchal
26/03: Rio de Janeiro (RJ) – Local: Clube Mauá
27/03: Recife (PE) – Local: Clube Português
28/03: Vitória (ES) – Local: Ilha Acústica

Social Distortion

17/04 – São Paulo/SP – Local: Via Funchal

18/04 – Curitiba/PR – Local: Curitiba Master Hall

20/04 – Porto Alegre – Local: Centro de Eventos Casa do Gaúcho

Korn

21/04 – São Paulo – Local: Credicard Hall

Simply Red

16/04 – Olinda/PE – Local: Chevrolet Hall

20/04 – São Paulo/SP – Local: Credicard Hall

21/04 – Belo Horizonte/MG – Local: Chevrolet Hall

23/04 – Rio de Janeiro/RJ – Local: Citibank Hall

Moby

20/04 – Porto Alegre/RS – Local: Pepsi On Stage

21/04 – Curitiba/PR – Local: Master Hall

23/04 – São Paulo/SP – Local: Credicard Hall

24/04 – Rio de Janeiro/RJ – Local: Citibank Hall

Placebo

13/04 – Porto Alegre/RS – Pepsi On Stage

14/04 – Curitiba/PR – Curitiba Master Hall

16/04 – Belo Horizonte/MG – Chevrolet Hall

17/04 – São Paulo/SP – Credicard Hall

Não há nada que não se resolva em 140 caracteres. Erykah Badu que o diga. Às vésperas de finalizar seu LP New Amerykah Part Two: Return of the Ankh, a cantora precisava conseguir autorização para usar um sample de “Arrow Through Me”, do Wings. A música “Gone Baby, Don’t Be Long”, que utilizava o sample, dependia da autorização de Sir. Paul McCartney para ser incluída no disco. Foi pelos 140 caracteres que Erykah anunciou: “Se eu conseguir falar com PAUL MCCARTNEY eu consigo autorização para o sample. Tenho menos de 24 horas”. Foram precisas apenas 11, no entanto, para que a confirmação viesse, também pelo twitter: “Paul McCartney approved the sample!”.

Moral da história: se você precisar de um sample de McCartney, é bem provável que a mesma técnica já não funcione mais.

por Maurício Bispo

Um pernambucano de sete anos de idade migra, junto com sua família, para o estado de São Paulo atrás de uma chance na vida. Adolescente, forma-se em um curso profissionalizante, fica viúvo muito cedo e acaba se envolvendo com o sindicalismo. Essa história, que poderia ser a de qualquer brasileiro, gerou uma grande polêmica no país ao ser transposta para as telas do cinema, visto ser a biografia do atual presidente, Luis Inácio Lula da Silva. Baseado no livro de Denise Paraná, “Lula, o Filho do Brasil” é um filme sensível, que retrata um Luís Inácio muito humano, justo e extremamente ligado à família. Sua mãe, Dona Lindu, tem grande destaque no filme. Toda a força do protagonista é creditada aos ensinamentos dela, uma mulher decidida e batalhadora, que criou sozinha os doze filhos. Com uma estética que busca o realismo e uma narrativa romantizada, o filme tem valor por mostrar uma história de superação que, surpreendentemente, não é ficcional – quem pensaria que um pobre menino vindo do sertão nordestino se tornaria o presidente de seu país e o homem mais influente da América Latina? Entretanto, esbarra no fato de talvez ser fruto de estratégia política por conta de seu lançamento em ano eleitoral como forma de apoio à candidatura da ministra Dilma Rousseff à presidência do Brasil. O ditador italiano Benito Mussolini declarou certa vez que o cinema é a mais poderosa arma que existe, devido à sua grande capacidade de propagação de um ideal. Talvez os políticos atuais concordem.

UPDATE: O resultado seguem saindo na quinta-feira, 28/01, às 17h30. Fotos que chegarem até as 17h tão concorrendo. Vamos lá, que tá faltando criatividade!

A NOIZE vai colocar 4 (quatro) felizardos nas arquibancadas do show do Metallica em São Paulo (31/01)!

Para concorrer ao ingresso, você deve:

_tirar uma foto que melhor represente o Metallica na sua opinião (vale foto de celular, foto sua que estivesse guardada… não se acanhe, seja criativo).

_postar a imagem via Twitpic com a legenda “a @revistanoize te leva no Metallica http://wp.me/pe0xH-3ux”

A promoção se encerra às 18h de quarta-feira, dia 27/01. O resultado será divulgado no dia 28/01, às 19h30min.

Só concorrerá uma foto por pessoa!

Os três critérios básicos de avaliação serão:

_Criatividade
_Originalidade
_Metallicness

Mandem ver.

Promoção prorrogada até segunda-feira, 25/01. Presente nosso pra a galera aproveitar o fim de semana e pensar um pouco mais.

A NOIZE tem 4 (quatro) ingressos para o show que os suecos do No Fun at All em Porto Alegre (dia 27/01, 21h, Teatro do Bourbon Country).

Eles vão para os quatro mais criativos participantes da promoção, que responderem, nos comentários deste post, “Por que o No Fun at All te leva além dos limites?”.

A promoção se encerra sexta-feira (22) segunda-feira (25), às 18h. O contato com os vencedores será feito pelo email que cadastrarem no comentário.

Vencedores:

Lucas Bergallo

Rafael Martins

pnkh – Lucas

Laura Barros

mandem um email para contato@noize.com.br

o 40 Oz. to Freedom, que tenho como “O disco” do Sublime, é uma coletânea de joias californianas esculpidas com reggae jamaicano bruto, hardcore de todos os cantos, hip hop nova-iorquino e samples variados.

O que muita gente não sabe é que o 40 Oz. que todo mundo tem por aí não é o mesmo que Brad Nowell, Eric Wilson e Bud Gaugh conceberam entre 91 e 92 no estúdio Mambo, em Long Beach. Depois que a MCA assinou com o trio, em 1995, duas músicas – “Get Out” e “Rawhide” (tema da série de TV) – foram removidas por imbróglios legais, bem como boa parte de “We’re only gonna die” (cover de Bad Religion) e um pedaço de “Let’s go get stoned”, pelas mesmas razões.

Resultado: “We’re onlye gonna die” e “Let’s go get stoned” seguiram no disco que a major colocou nas ruas em versões editadas, “Rawhide” ficou fadada a bootlegs, e “Get Out” ganhou versão remixada na coletânea póstuma Second Hand Smoke, de 1997. Originais mesmo, só nas duas primeiras impressões do clássico de 1992, pela Skunk.

A segunda impressão de 40 Oz. pela Skunk é identificável por ter código e barras e não conter o logo da MCA

Por sorte, hoje em dia é possível encontrar internet afora estas três principais omissões do 40 Oz. da MCA. Este blog é uma possível fonte: LBC90804.

Justiça seja feita a mais três pérolas de Nowell e cia.

Viva o 40 Oz. to Freedom da Skunk Records!

Feliz 2010!

Por enquanto, um pouco mais do último álbum dos caras. Clipe envelhece rápido em tempos de YouTube, mas este de “House of Cards” sempre vale o repeteco.

O Easy Star passou pelo Brasil na última quarta-feira, quando tocaram no Clash, em São Paulo. Ainda que tenham um EP autoral lançado, o Easy Star All-Stars é conhecido principalmente pelos arranjos elaboradíssimos de seus três álbuns de covers. Apesar de os três discos dos caras serem versões para álbuns ingleses (Dub Side of The Moon, Radiodread e Easy Stars Lonely Hearts’ Dub Band), e da banda fazerem parte músicos jamaicanos, o Easy Star tem sua base em Nova York, cidade do guitarrista e produtor Michael Goldwasser, que respondeu às perguntas da NOIZE.

Seu primeiro projeto de covers foi Dub Side of The Moon, certo? Como vocês tiveram a ideia de fazer isso, e por que escolheram esse disco?

Foi ideia do meu parceiro Lem Oppenheimers. Ele era um grande fã de Dark Side of the Moon. Um dia estava escutando o disco e teve uma revelação, de que poderia soar muito bem como um reggae. Depois que eu vim com uns arranjos básicos, nos demos conta de que poderia dar muito certo, por causa dos tempos, das progressões de acordes, das letras e das vibes como um todo. Mas não imaginávamos naquele momento que estaríamos começando uma série. Depois que o disco saiu e causou tanta sintonia com o público, ficamos empolgados com outros discos clássicos que poderiam trabalhar dessa forma.

Como vocês escolheram os outros discos? São todos tão emblemáticos…

Nós queríamos dar sequência ao Dub Side com um disco na mesma veia, mas também que fosse inesperado. OK Computer é bastante referenciado como o DSOTM dos anos 90, e o Radiohead é bastante comparado ao Pink Floyd por serem os dois tão progressivos e tensionarem as fronteiras do rock. OKC é também um grande disco, com um conceito-guia, mas por ser tão complexo, sabíamos que seria uma surpresa para muita gente se o escolhêssemos.

Sgt. Pepper’s estava na nossa cabeça desde que decidimos continuar a série, uma vez que é a mãe de todos os discos-conceito. Também pensamos que seria uma boa escolha como nosso terceiro disco porque é bem diferente dos outros dois, é mais upbeat, em tons maiores e com um direcionamento mais pop. Além disso, há tantas músicas no disco que não haviam sido tocadas por bandas de reggar, então mesmo que os fãs de reggae tenham ouvido muitos covers de Beatles no passado, eles nunca teriam escutado músicas como “Mr. Kite”, “Good Morning, Good Morning” ou “She’s Leaving Home”.

É impressionante a forma como você arranja cada canção. Mesmo OK Computer, que é um disco bastante melancólico, acaba com uma energia positiva nas suas interpretações regueiras. Como é seu processo de transposição entre estilos? Você acha que assim, fazem um favor para o reggae?

Obrigado pelo elogio. O processo inicia com muitas audições do disco original – eu faço isso por meses, mesmo, enquanto penso ideias para cada um. Então começo a escrever os arranjos e fazer demos no meu estúdio caseiro, a maioria das ideias já estão meio materializadas antes de a gente gravar qualquer coisa. Dos meus anos como ouvinte de reggae, músico, escritor e produtor, muito da “reggaeficação” vem naturalmente – nesses dias é difícil ouvir uma música sem pensar em um arranjo regueiro.

Eu acho que estamos fazendo uma coisa positiva para o reggae porque introduzimos muita gente ao gênero. Tenho certeza que ligamos milhares de pessoas no reggae, e com sorte eles vão comprar outros grandes discos de reggae e irão a shows de outras reggae bands.

Vocês já tiveram algum feedback dos compositores das três bandas?

Sim. David Gilmour do Pink Floyd disse que gostou do que fizemos com a música deles, e todos os membros do Radiohead nos deram feedback positivo também, dizendo que realmente admiravam nossa atenção aos detalhes. Thom Yorke até mencionou o Radiodread em cima do palco uma vez. Nenhuma palavra de Paul e Ringo por enquanto, mas quem sabe…

Você conhece música brasileira? Estou curioso para saber de que artista daqui vocês fariam versões.

Eu conheço um pouco de música brasileira – meus pais me expuseram a ela quando eu era mais jovem. Coisas como Tom Jobm, Flora Purim, Airto Moreira. Também gosto de Gilberto Gil e Seu Jorge. E o baixista dos nossos discos, Victor Rice, mora em São Paulo, então ele me apresenta mais tendências recentes. Mas não sei que álbum seria legal de adaptar, e se soubesse, não poderia dizer porque gostaríamos de surpreender todo mundo quando o lançássemos. Nos conte qual você acha que devíamos fazer…

A lendária banda punk The Exploited esteve em Porto Alegre no dia 18 de novembro e deu aos amantes do gênero uma noite de anarquia e agressividade. Abrindo com “Let´s Start a War”, seguida de “Fightback”, os escoceses mostraram a que vieram, tocando clássicas do punk rock cru dos primeiros álbuns e alternando com produções mais recentes, quando a influência do trash metal é mais notável.
As rodas punks e as tentativas de subir no palco aumentavam, assim como a preocupação dos seguranças, enquanto “UK 82”, “Anarchy”, “Troops of Tomorrow” e “Never Sell Out” eram executadas ininterruptamente. O Exploited demonstra atitude e inconformidade não só nas músicas e nas letras politizadas, mas igualmente no visual extremo composto por moicanos, dread locks gigantes, tatuagens e piercings. Desse modo o público presente pode ter uma idéia do que foi a segunda onda punk no Reino Unido.
“Fuck the System”, “Army Life”, “Porno Slut” e “Fuck the U.S.A.” pareceram finalizar o show. Até os punks retornarem para o bis e convidarem um fã para subir no palco e cantar junto “Sex and Violence”. O público sedento ainda foi brindado com “Punk’s Not Dead” e “Was It Me”, fechando ali uma quarta-feira anárquica.

Exploited, “Sex and Violence”, Porto Alegre

Barrett canta See Emily Play em vídeo perdido de 1967

o Pink Floyd de Syd Barrett é mítico, lendário, enaltecido por aqueles que entraram em contato com a música do gênio louco. E esses estão agora em êxtase com o surgimento de uma gravação perdida do grupo executando “See Emily Play” em 1967, no programa da BBC Top of the Pops.

Vamos aos porquês dessa história: quase nada sobrou de material em vídeo dessa época em que o Floyd liderou a revolução psicodélica na música pop. Há um média metragem, Tonigh let’s all make love in London, de 1966, que registra uma apresentação do Floyd no clube UFO, em que jovens alucinados remexem ao som de “Interstellar Overdrive” e “Nick’s Boogie”, dois temas instrumentais. Depois disso a banda passaria a ambicionar algo mais pop, e então, com as composições que entraram nos primeiros singles e no seminal disco do Floyd, The Piper at the Gates of Dawn, participariam de alguns programas da TV inglesa.

O Floyd de Barrett executa Astronomy Dominé no Look of the Week

Um deles, o Look of the Week, é o único registro em vídeo que conhecemos de Syd cantando com os companheiros, no caso “Pow R Toc H” e “Astronomy Dominé”. Aliás, belo vídeo, que só faz deixar os fãs ainda mais sedentos.

Este que surgiu agora, no Top of the pops, mostra a banda tocando o single “See Emily Play”, lançado após The Piper, uma bela canção pop sobre uma menina que brinca sob efeito de LSD. As fotos contidas nesse post foram pubicadas na revista MOJO e tiradas do blog linkado aqui.

Mais uma do vídeo perdido. See Emily Play, por Syd Barrett e cia.

Viva Syd Barrett!

Acessando o hotsite Quem Pensa a Web Faz a Web e dando uma olhada nos cases de bandas, blogueiros e jovens antenados, fica evidente que os comunicadores de maior destaque hoje são aqueles que enxergam a Web além do óbvio e fazem comunicação de um jeito diferente. Do fenômeno Fresno aos blogueiros prodígio do Move That Jukebox, o sucesso na era digital está nas mãos de quem souber utilizar as ferramentas e técnicas de comunicação online da maneira mais inovadora, estratégica e criativa. É o que nós pensamos, mas é claro, esteja livre para pensar a Web você também. E o curso da Unisinos é uma grande chance: http://migre.me/aPlv.

A Superguidis já marcou presença no site em uma entrevista muito legal. Nos próximos dias, deve entrar um bate-papo impagável com o mítico Carlos Eduardo Miranda. E enquanto você lê esse post, é possível que ainda tenha chance de ganhar ingresso para o show do Franz Ferdinand em Porto Alegre, ou mesmo o interessnte Box Premiado Música se Aprende. Curioso? Acesse.

Leia agora a NOIZE #29!

As páginas da NOIZE #29 fazem a ligação entre o novo e o antigo, o urbano e o campestre. Uma viagem no tempo do punk rock ao folk reconta a história do Garage Fuzz em fotos e texto, e resgata o britânico Nick Drake, prodígio esquecido do violão de aço. Como prova de que esses dois extremos podem andar juntos, batemos um papo com Dave Longstreth, vocalista do Dirty Projectors, que faz música original a ponto de unir a crueza do punk e a natureza transbordante do folk. E fechamos a edição com o atualíssimo Mixhell, de Iggor Cavalera e Laima Leyton, que aparecem nas páginas da NOIZE #29 registrados em saudosas fitas VHS.

Seria fácil classificar esta edição como Especial Arte. É disso que ela deve encher seus olhos e ouvidos. Leia agora!

A Noize é uma revista que preza muito pelo design, e esse é um dos fatores que desperta muita o interesse das pessoas com a revista. Por isso achamos muito legal a ideia da Escola de Design da Unisinos declarar que “na Unisinos o Design é estratégico”. A EDU vê o Design como algo muito mais amplo do que uma ideia criativa e um produto bonito. O curso de graduação dos caras foi pensado e projetado em colaboração com o Politécnico de Milão, uma das maiores escolas de Design do mundo. Os alunos da EDU têm a chance, inclusive, de ir a Milão estudar na capital mundial do Design.

No http://www.vocetransformaodesign.com.br/ dá para conhecer melhor o curso, os alunos e professores, e se ligar no que o mercado tem a dizer sobre a formação da EDU.

3 de Novembro é a data para o relançamento em pesados vinis de 180 gramas de In the Aeroplane Over the Sea, discaço de 1998 do Neutral Milk Hotel, banda do coletivo psicodélico Elephant 6 que começou a resgatar o folk e o psychedelic pop bem antes dessa turma que tá em voga. Além the In the Aeroplane…, também será reeditado o debut On Avery Island, e os dois serão acompanhados de tickets para download eletrônico. O relançamento tem aquele gostinho de saudade e mistério, devido à reclusão do líder Jeff Magnum, que resolveu dar um tempo indeterminado da música no início da década e nunca mais deu notícias.

A pré-venda tá rolando no site da Merge, http://mergerecords.com/.

O disco todo tem a temática de Anne Frank e da II Guerra. Um fã fez esse vídeo bacana aí embaixo:

In the Aeroplane Over the Sea

por Livio Paes Vilela

por Lucca Rossi

como gênio que cada vez volta mais a brilhar, júpiter maçã – que nunca enriqueceu fazendo música – resolveu colocar sua lista de obras primas, incluindo muitas raridades, no tramavirtual. a modalidade é aquela que paga o artista enquanto o ouvinte não paga nada para baixar.

minha ligação com a música de júpiter maçã é tão forte que parece ancestral. pouca coisa daí eu ainda não tinha ouvido, mas tem uns outtakes do jazzy Plastic Soda (1999) que já valeram a descoberta. Mergulhe em Júpiter, a atmosfera é pesada, mas o passeio é de voar.

http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=3164

http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=3164

http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=3164

http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=3164

http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=3164

p.s. pra quem leu até o fim e é fã, na comunidade oficial do Júpiter no orkut tem vídeos de shows de 97 e 98, em vídeo, para você chorar no cantinho. foda! busca lá…

Foi o Alan, vocalista e baterista da Rock Rocket, que veio com essa quando perguntei se foi por a grama europeia ser mais verde que eles lançaram seu novo compacto primeiro no Velho Mundo: “Na verdade não é, mas a gente foi buscar lá fora o que não tem no Brasil: uma rádio que toque bandas fora dos padrões impostos pelas grandes gravadoras (independente de serem brasileiras ou não)”. Eu não tenho uma banda com sete anos de estrada, muito menos uma que toque rock sujo, pouco comercial como o punk tem que ser. Então resolvi deixar a Rock Rocket – que também tem Noel na guitarra e Jun no baixo – continuar falando, em vez de eu meter o bedelho no momento que é todo deles. Falem mais, garotos, contem sobre esse lance de não seguir os padrões impostos pelas majors…

Alan: É o caso da Radio FRO, na Áustria, onde rola o programa Rumble. Esse programa tem duração de duas horas e está há mais de 10 anos no ar, sempre focando o garage punk. Sem querer ser descrente, mas acho impossível que algo do genero possa durar tanto tempo no Brasil, ou mesmo existir. Por mais que o Rock Rocket, o Autoramas e o Astronauta Pinguim estejam na programação. Mas tembém o Brasil gera várias outras oportunidades que outros países não geram. Seria injusto dizer que lá é melhor que aqui por causa de um programa de rádio, por mais vergonhosa que seja a indústria do jabá brasileiro. O nosso compacto chegou em Londres antes do Brasil, sim, mas isso também se deve a um fator simples: a fábrica de vinil é na Europa. Quando acertamos de lançar o compacto pela VinylLand, a Polysom ainda não tinha previsões para voltar as atividades. Então por que não juntar o útil ao agradável e lançar uma edição UK/BR? Assim metade das cópias vão ficar por lá e metade virão para o Brasil, mais precisamente dia 12 de setembro! E o papo do media player, bom, o Rock Rocket tá na pagina gringa mas tá na brasileira tambem.

Jun: A cultura musical lá é outra pegada, outro patamar…os meios de divulgação são mais antenados com novidades, lá existe muito mais respeito com o artista, seja ele independente ou mainstream…o vinil nunca acabou por lá…pra mim será um prazer ver a bolachinha do Rock

Rocket rodando na minha vitrola dos anos 80 ….sou muito fã de velhos e empoeirados vinis…

.: Aliás, esse compacto é mesmo em vinil, certo? E qual a relação de vocês com os bolachões?

alan: Eu sou colecionador de vinil, sempre foi meu sonho lançar uma bolachinha ou um bolachão. Fora isso, também sou responsável pelo Clube do Vinil SP. É um evento que rola no Bar Berlin, só com discotecagem em vinil, bandas, espaço pra venda e troca de disco etc. É bem bacana, e agora que a Polysom vai retomar as atividades eu estou com planos de transformar  o Clube do Vinil SP em um selo.

Jun: Sou apreciador desde sempre, pra mim, nunca morreu. Conheço muitos amigos aqui da Zona Leste que pensam como eu, sempre trocamos idéias a respeito. Parece que hoje é meio “moda” falar de vinil, mas é realmente algo que voltou  para ficar. Estamos realmente felizes de podermos lançar algo dessa importâcia por aqui.

.: O som de vocês é simples e direto, os clipes brincam com o terror trash e o lo-fi. Ser o cara da banda que lida com twitteres e fotologs enche o saco?

Alan: Sim.

Noel: Internet é um mal necessário que as bandas tem que saber usar hoje em dia, é meio chato, sim, ter que ficar atualizando as coisas, às vezes a gente até acaba demorando mais do que devia, porque ninguém da banda tem essa característica de ser interneteiro…

.: O Lado A da Rock Rocket é veloz e barulhento. Vocês têm um Lado B calmo e tropical, gostam de música assim?

Noel: Nunca pensei que a gente tivesse um som tropical, no máximo uma ou outra música com uma pegada mais surf music. De qualquer forma, sou mais chegado em som rápido e barulhento, coisa muito calma às vezes me dá tédio, mas sabe como é, tudo tem o seu momento.

Alan: É, eu não sei dizer se gosto mais de Novos Baianos ou de Restos de Nada.

Jun: É sempre bom poder transitar por lugares diferentes da música, novas referências… mas tudo isso sem perder a identidade da banda, é claro…

.: Qual seria a atitude menos rock ‘n’ roll que os membros da banda mantêm com frequência?

Noel: Nao sei, dizem que roqueiro não gosta de futebol, todo mundo aqui acompanha de perto. Vou sempre em jogo, e estou sempre bem “legal”.

Alan: Pensar no futuro.

Jun: Essa não saberia responder… minha mente é “música” 24 horas por dia… mas sendo aqui na Zona Leste, sempre colo no campo do Cruz Credo da Vila Formosa pra rever os trutas do futebol (risos)…

.: Hoje em dia, vocês acham mais legal lançar um álbum ou vários compactos?

Noel: Eu gosto dos dois, é da hora lançar compacto mas acho que continua sendo importante lançar disco cheio tb.

Alan: É muito mais difícil fazer um LP coeso do que um um compacto. Mas ao mesmo tempo o compacto tambem tem aquela coisa de ser um ponta pé inicial, então você guarda tudo o que você tem e tenta resumir em uma, duas, três músicas. E se isso der certo você parte pro LP, saca? Então não dá pra dizer que gosto mais de um ou de outro, cada um tem seu valor, um pela coesão e outro pela espontaneidade.

Jun: Por mim, só lançaria compactos, sempre com lados B de músicas inéditas, acho muito mais atraente, e isso instiga o fã a querer saber e ouvir os próximos passos da banda…

.: Por um Rock and Roll Mais Alcoolatra e Inconsequente foi indicado a melhor clipe indie no VMB de 2004. Quais foram as consequências disso pra Rock Rocket? E pro rock em geral, o cutucão serviu? Como vocês veem a cena hoje e como se veem nela hoje e daqui para a frente?

Noel: Foi através desse clipe que muita gente conheceu o Rock Rocket e começamos a tocar fora de São Paulo, além de ter nos incentivado a gravar um disco inteiro. Não acho que mudou alguma coisa no rock nacional, porque de lá pra cá, apesar da cena independente ter crescido,

as bandas só decaíram. As bandas que hoje em dia ocupam o espaço do rock na midia simplesmente não são de rock, isso é uma merda. a minha esperança é que seja uma modinha passageira. Paralelamente a isso a gente continua fazendo nosso trampo e conseguindo se virar sobrevivendo de pequenos golpes.

Jun : Realmente, parece que o cutucão não serviu (risos). É incrível como a cena de hoje degringolou pro que temos aí, um chochorô sem fim. Mas eu acredito que o Rock Rocket tem o que poucas bandas tem hoje em dia: o palco. Aí sim, você vê a reação dos fãs, a pegada da banda, e percebe que nem tudo está perdido. Isso te motiva a dar novos passos e seguir

“tocando nos buracos da vida”… sem maldade, hein? (risos) Sempre tem coisas novas acontecendo na música, cabe às pessoas irem atrás, e não ficarem esperando o que a grande mídia tenta fazer elas engolirem.

.: Se cada lugar por onde vocês passaram com a banda rendesse uma história, quais seriam os mais interessantes?

Noel: Bom, tem várias… A que me veio na cabeça agora foi a de um lugar onde, por motivos de desorganização da organização do show, não pudemos tocar. Tivemos que sair correndo carregando as coisas e entrar na van com ela em movimento, um cara que tava com a gente com o braço sangrando com umas tripas pra fora. foi meio bizarro.

Alan: Pode crer, foi no interior da Bahia, essa fita foi foda. Teve também o dia em que fomos tocar em Porto Alegre e eu acordei dois dias depois, tatuado, sem saber o que tava escrito.

Jun: Putz, sou novo na banda, mas já deu pra ver algumas coisas estranhas, muito estranhas hehehehe…Po, em Santa Maria, RS, tentaram arrancar meus tênis, meus bottons, minha camiseta rasgou, tudo isso em pleno palco, achei bizarro…

.: Quem são “Os Legais”?

Noel: Tem uma banda de Santa Catarina que chama “Os Legais”, tem umas pessoas que são legais e tem um monte de maconheiro solto por aí.

A simpática loirinha Binki Shapiro, vocalista do Little Joy, gravou uma composição sua com amigos que não sabemos quem são. Mas é o que diz o título da música e o blog de onde tiramos a info. Confere aí.

Binki Shapiro & friends – Kids Song

Mate-me por favor para que eu tenha certeza que estou vivo. O line up do Planeta Terra, um dos dois festivais mais chegados em bandas gringas do ano, acaba de receber a adição de ninguém mais, ninguém menos que Iggy Pop e os endiabrados Stooges. Está cada vez mais difícil a decisão entre Maquinaria e Planeta Terra, Faith no More ou Stooges, Jane’s Addiction ou Sonic Youth, Deftones ou Primal Scream. Mas não há muito tempo para decidir, os dois festivais acontecem no mesmo 7 de novembro, menos de 2 meses distante daqui.

via @movethatjukebox

Fernando Corrêa

Alex Corrêa

Billy Corgan vai dar mais um passo destemido no mercado musical. Você sabe, bem antes de Thom Yorke reforçar sua fama de guru da música no século XXI, com o leilão livre de In Rainbows, o líder do Smashing Pumpkins já dava aula de pensamento à frente, lançando Machina II/ The Friends & Enemies of Modern Music na web sem cobrar um tostão.
Agora Corgan veio a público blog dizer que sua banda deve liberar um disco com nada mais, nada menos que 44 faixas, a serem disponibilidades uma a uma no site do Pumpkins a partir do fim de outubro. “Você poderá pegar a música ou músicas que quiser, quantas vezes você desejar”, declarou, sinalizando que o download será tão simples quanto acessar, clicar, baixar e ouvir.
Teargarden by Kaleydoscope, nome que o novo projeto recebeu, será um conjunto de 11 EPs com 4 músicas cada, os quais devem traçar um retorno às atmosferas psicodélicas e pesadas do início da banda.
Billy já disse estar animado por poder dar à luz músicas novas do Pumpkins de uma forma “única e excitante”. E agora, Yorke, qual a próxima cartada?

O Dirty Projectors vem ao Brasil em novembro. Você pode nem imaginar o que é Art Rock e, ainda assim, curtir o som inventivo desses nova-iorquinos. Com uns bons anos de estrada, eles atingiram grande exposição após o lançamento de Bitte Orca, um dos discos mais comentados de 2009 por sites indie-roqueiros de fora e mesmo daqui.

Diz-se (@lucioribeiro) agora que o Goiânia Noise deve receber o show dos caras no fim de novembro, tanto na terra natal do festival quanto na edição paulista, esta no dia 2 de dezembro. Por enquanto, é tudo que se sabe, mas já é muito. Bom que os produtores deste nosso Brasil não concentrem seus esforços apenas em trazer dinossauros e deem bola para esses lagartinhos também.

Porto-alegrense tocadores de música, antenem-se. Se você tem banda e curte muito Beach Boys, pode dar uma exposição legal para a sua banda e ainda sair vestido na elegância. A Spirito Santo vai lançar uma nova coleção no clima do californian way of life, durante o Donna Fashion Iguatemi no próximo dia 30 de setembro, e está procurando quem mande bem em versões instrumentais para “California Girls”, “Surfin’ USA” e “Fun Fun Fun”.

Além de tocar as três músicas ao vivo em um desfile de público seleto e grande visibilidade na mídia, a banda ainda levará produtos Spirito Santo. Mas, para isso, tem que mandar bem na adaptação do som dos irmãos Wilson. Curtiu a idéia? Te agiliza.

Quem quer se candidatar deve começar enviando a página do Myspace da banda para o bandas@spiritosanto.com.br. Se você se perguntou “My o quê?”, pare por aqui e siga a carreira de músico de churrascaria.

As bandas que derem o primeiro passo podem ser selecionadas para a audição que acontecerá depois, na qual só uma sairá escolhida para tocar no desfile. Tá fácil, hein?

O que fazer?
_Manda um e-mail com o Myspace da tua banda para bandas@spiritosanto.com.br até dia 22 de setembro.
_Torça, reze e, principalmente, ensaie enquanto selecionamos as bandas para a final. Se não entrarmos em contato com sua banda até dia 23 de setembro, fica pra próxima…
_As bandas selecionadas participam da audição, na sexta-feira, 25 de setembro, da qual apenas uma sairá escolhida para tocar no desfile.

Foshow! Comemorando os 15 anos de Da lama ao caos (que teve matéria na penúltima NOIZE), a Nação Zumbi toca o disco na íntegra em um show hoje, em São Paulo. A pedra fundamental do Manguebeat domina a primeira parte do show, que depois continua no bis, “um show à parte”, conforme contou o guitarrista Lúcio Maia ao G1.

Mas o irado mesmo vai ser os paulistas verem Da lama ao caos ser executado na ordem do disco, fato que não deve acontecer desde a época de lançamento, ainda sob o comando do mestre Chico Science.

Amantes do rock alternativo da década passada, revigoirai-vos (ãi…). A Matador, gravadora responsável por grandes lançamentos indie, anunciou que seus filhos consagrados do Pavement retornam do hiato em que entraram em 2000 para uma turnê que começa no próximo dia 21 de setembro, no Rumsay Playfield, casa de espetáculos nova-iorquina.

A turnê pode se estender para festivais como o californiano Coachella, cuja organização já está em contato com a banda.E o Brasil-zil-zil?

Confere só:

Vale lembrar que o Bicicleta Sem Freio desenhou a capa animal da NOIZE 26, que você vê aqui.

O Radiohead nunca some das tags dos blogs de música desse universo. Depois de lançar a track “These are my twisted words” semanas atrás – primeiro como streaming e download pago, depois como download liberado -, é o vocalista Thom Yorke quem deve mostrar novas mp3 músicas, num LP de edição limitada. Apenas 8 mil cópias serão produzidas, via TBD Records, apenas em vinil. “Apart by Horses” e “The Hollow Earth” são duas das faixas inéditas esperadas no disco, que não deve tardar a virar bits por aí. Em plástico, sai dia 22 de setembro.

A batalha de festivais em 2008 foi acirrada, com um Planeta Terra se fixando como festival da garotada e um Tim Festival multipalco em edição derradeira. Neste ano há um inusitado conflito de grandes festivais, em que o sobrevivente Planeta Terra e o Maquinaria dividirão a mesma data, 7 de novembro. O desconforto só fica maior agora que já sabemos boa parte dos lineups que um e outro apresentarão para disputar o nosso ingresso.

O Planeta Terra, que troca a Villa dos Galpões pelo Playcenter, anunciou que traz o escocês Primal Scream e tempera a nostalgia com gente recente das pistas, o duo nova-iorquino Ting Tings e o mezo americano, mezo brasileiro N.A.S.A.. Atestando a vocação para agradar à garotada indie, tocam os brasileiros Copacabana Club, além do destaque instrumental Macaco Bong e da anarquia saltitante do Móveis Coloniais de Acaju. E, sim, as “crianças” poderão brincar em algumas atrações do parque de diversões.

Menos contemporâneo, menos dançante, mas nem por isso menos empolgante, o Maquinaria confirmou três grandes nomes internacionais. A começar pelo Faith no More de Mike Patton, que deve provar se o retorno dos ’90s vale ou não a pena. De lambuja, Jane’s Addiction e Deftones completam o plantel gringo, uma década atrasado. O conceito apresentado pela produção do evento, que acontece na Chácara do Jockey, é o de replicar os grandiosos e pluriartísticos festivais europeus. Veremos.

A iniciativa da Invasão comemora quatro anos e partiu da parceria do Swedish Institute com o coletivo Coquetel Molotov, de Recife (aliás, a NOIZE de setembro traz matéria sobre essa história de coletivos e sobre a cena de Recife).

A função rola em Recife, Fortaleza (Órbita, 18 e 19/09), São Paulo (SESC Pompéia, 24 e 25/09) e Porto Alegre (Porão do Beco, 26/09).

O título não é pretensioso, embora a notícia seja mesmo pequenina. O irmão Oasis menos/mais chato, Noel Gallagher, deve emprestar sua destreza com a guitarra para o grupo neo-psicodélico-eletrônico Amorphous Androgynous. A banda é o desdobramento lisérgico do The Future Sound of London, coletivo experimental britânico com mais de 30 encarnações nas últimas 3 décadas.

A parceria entre Oasis e a turma do FSOL começou quando eles remixaram a faixa “Falling Down”, single da aventura sessentista Dig out your soul, de 2008; a concretização ao vivo acontece em 17 de setembro, no complexo londrino O2 Arena, quando o FSOL lança a coletânea A Monstrous Psychedelic Bubble In Your Mind – Volume 2: Pagan Love Vibrations. Gallagher toca guitarra durante a execução da versão do Amorphous Androgynous para o single oasiano.

Quem esbarra hoje com Júpiter Maçã, sereno, completamente careca, mal reconhece a figura errante que se aventurava pelas alamedas de Porto Alegre nos últimos anos. Respirando novamente os ares de São Paulo, Júpiter vive outra fase. Depois de uma temporada na casa de campo da irmã, o compositor gaúcho volta à cena prometendo um disco, possivelmente duplo, para 2009.

Agora você está morando novamente em São Paulo, já foi pra Europa duas vezes, vive em um eterno vai e volta por Porto Alegre. Você se considera um “nowhere man”?

Se for analisar do ponto de vista da canção, muito bela por sinal, na verdade é um “nowhere man”, mas ele tem “nowhere plans”, é um modo de vida existencial, retrato de impotência perante várias circunstâncias que o John Lennon vinha passando no período.

Sobre essa associação ao território, eu me considero. Mas a minha paixão maior, a cidade que sou louco, é Porto Alegre. É impressionante a força que esse lugar exerce em mim.

Sou um cara que se encontra viajando, sem estar fixado em algum lugar, na verdade é quase uma exigência da minha existência, parece que não tenho o que se poderia chamar de ponto de referência.

Às vezes sou carente disso, do cantinho único, daquilo que as pessoas chamam de porto seguro. A aventura transcende o que se entende por limites estabelecidos.

Você está morando em uma chácara?

Eu tive uns tempos de reflexão, uma espécie de auto-retiro na casinha de campo da minha irmã no interior de São Paulo. Pode se entender como um retiro mesmo. E acabei compondo, foi bastante lucrativo a nível criativo.

Isso eu não esperava, quando vi começaram a fluir as canções e comecei a organizar um álbum praticamente pronto pra começar a ser gravado.

Qual é a orientação sonora desse novo disco?

Com exceção do Bitter, que é uma visita total as minhas raízes, as minhas influências, eu sempre acho que o álbum que prossegue vem completando o anterior. Isso acontece com o que está sendo feito.

É bastante forte a presença do Uma Tarde na Fruteira, mas vai encontrar elementos do Plastic Soda e, por que não, da Sétima Efervescência. Ele segue completando o que vinha sendo feito. É uma seqüência, cantando em inglês e português.

Eu sempre separava em conceitos, ou em inglês ou em português, dessa vez fecho o conceito na mistura das duas línguas que supostamente domino. Ele talvez seja duplo pra que eu organize o meu relógio, o timing, quero captar o mesmo momento para todas as canções.

E sobre as letras do próximo disco? Uma coisa que poucas pessoas percebem é que o Uma Tarde na Fruteira é incrivelmente erótico, músicas como “Mademoiselle Marchand”, “Plataforma 6″… Você canta sobre muitas coisas que já cantava na época dos Cascavelletes, mas com uma sofisticação, um refinamento poético.

Eu acho que o meu estilo poético já vem sendo moldado ao longo da minha carreira. Acredito que esteja havendo uma espécie de aprimoramento, acho que as letras do próximo disco seguem essa linha do Uma Tarde na Fruteira. E também do Plastic Soda, que acho bastante poético.

O disco segue o caminho dessa sofisticação que você falou, desse refinamento.

Uma pergunta inevitável. Um dos seus maiores sucessos é o vídeo dos Cascavelletes tocando “Eu Quis Comer Você” no programa Clube da Criança da Angélica. Como foi isso? Alguém foi demitido depois?

Não que eu saiba. O clima foi festivo, pra banda foi natural. A gente estava no camarim, como qualquer show de televisão, nós entramos, tocamos, todo mundo dançou, cantou, acabou o show, agradecemos e fomos embora.

Do camarim para o palco, do palco para o camarim. Foi completamente natural na época, uma vez que a gente havia sido convidado pra participar e as pessoas conheciam o repertório. Acharam um pouco engraçado, acham até hoje (risos)!

E como foi começar a carreira tão novo? Você era um adolescente quando estourou com TNT e, logo depois, Os Cascavelletes.

Isso foi uma faca de dois gumes. Foi muito legal por um lado, porque você começa muito cedo e isso te incentiva a continuar, você fica completamente voltado pra essa coisa das artes.

Isso pode te deixar um pouco inconseqüente na medida em que você é muito jovem ainda e não tem todos os parâmetros pra saber, de fato, qual é a sua obra. Felizmente os trabalhos que fiz, TNT, Cascavelletes e até o Woody Apple, são coisas bastante coerentes.

Eu olho pra trás e acho super bacanas, mas por outro lado esse espírito que pode ser considerado um passo além do aventureiro, um aventureiro nato, também fica à flor da pele, é preciso saber lidar com isso para obter resultados precisos, lúcidos.

Essa fase Woody Apple, como foi? Você estava chegando em São Paulo…

Eu comecei a vir pra São Paulo, era uma obsessão por ser Bob Dylan. Agora é um cara que está de na moda, as pessoas querem usar os óculos do Dylan, “Don’t Look Back” é um filme hypado, mas eu estava nessa fissura naquele período.

Eram poemas épicos que eu escrevia e não esquecia uma vírgula. Tocava todas aquelas letras de ponta a ponta, sem refrão, bem ao estilo do Dylan. Woddy Apple não aconteceu, hoje é cultuado, mas não aconteceu.

Desse período, o que tirei de muito proveitoso é que meu exercício da escrita foi bastante desenvolvido. O ato de escrever. Por exemplo, você detecta Woody Apple em “Pictures and Paintings”, conexões surrealistas, embora seja uma canção bastante eletrificada e vestida a la mod.

E os Pereiraz Azuiz? Muita gente confunde com os irmãos Caruso, que gravaram “A Sétima Efervescência”. Que banda era essa?

Os Pereiraz Azuiz eram uma banda na noite do Bixiga, quando o bairro já vivia uma certa decadência. Eles tocavam muito bem num bar chamado Persona. E eu, solteiro, sozinho e solitário, vagava por ali, tomando umas cervejas à luz de velas.

Então vi esses caras tocando e cheguei pra eles: “Olha, estou completamente sozinho, sou compositor e tenho essas músicas aqui”, que viriam a ser A Sétima Efervescência.

Os caras chaparam no som e toparam ser minha banda de apoio. Uma das poucas coisas que a gente fez foi aquele programa de rádio que acabou se tornando antológico, de certa forma é um ensaio da Sétima. São músicos muito talentosos.

Quando você estava gravando o A Sétima Efervescência, já imaginava o sucesso que seria?

Nenhuma noção mesmo. Eu adorava ouvi-lo do jeito que as músicas soavam. Mas tudo que me importava era agradar aquele nicho de mods ortodoxos.

Eu era um cantor que queria ser folk-rock, mas queria agradar aquelas pessoas, eu estava muito entusiasmado e contagiado pelo clima do early Garagem Hermética e pelas garotas, pela simpatia dos rapazes. Acabei me tornando uma espécie de ícone pra aquela turma.

Posso dizer que praticamente fiz o disco para aquela turma.

A turnê do disco, já com Júlio Cascaes no baixo e Marcelo Gross na bateria, acabou virando um evento. Há registros de shows memoráveis, já ouvi você dizer os três tomavam um ácido antes de entrar no palco e sempre batia durante “Novo Namorado”, por isso ela ficava tão longa…

Era maravilhoso. A gente entrava em transe no palco e era fantástico obter o retorno, quando a gente percebia que o público estava sintonizado, que aquilo estava acontecendo de verdade.

Todo mundo estava levando muito a sério, então isso tudo aumentava a energia das nossas performances. Bem nesses moldes que você colocou.

A gente não estava brincando de psicodelia, estava vivendo intensamente, não era um período que ficaria se repetindo, estava acontecendo naquele momento.

E logo depois você surpreendeu todo mundo com o Plastic Soda. Como foi essa mudança?

Foi um grande mergulho no meu intimismo. A sonoridade softly da bossa junto com aqueles poemas acabou traduzindo toda a situação que eu me encontrava, de leveza e delicadeza. Eu acho o Plastic Soda um álbum extremamente delicado.

Uma Tarde na Fruteira é sempre elogiado, mas não repetiu o sucesso da Sétima Efervescência. Parece aquele tipo de disco que vai virar cult daqui a trinta, quarenta anos.

Uma Tarde na Fruteira é um mistério, se for pensar bem, ele nunca foi lançado oficialmente. Na verdade ele vazou, então era um sucesso da internet. Eu ia tocar as canções novas, achando que elas eram novas e as pessoas sabiam a letra toda.

O disco começou de um modo todo peculiar, mas eu estava lendo uns comentários da imprensa alemã, que foi conhecer quando ele foi lançado na Europa, e existe uma simpatia, como A Sétima Efervescência foi recebida pela imprensa nacional.

Os alemães realmente foram bastante atenciosos e mimaram, acariciaram o disco. Na Europa eu era uma novidade, as pessoas não sabiam exatamente o que procurar, como se fosse meu disco de estréia. Aqui foi como um presente que veio antes do pacote fechado.

Você parece aquele tipo de artista – como John Lennon, Godard, Bob Dylan – que sofre uma influência direta das mulheres que estão ao seu lado. Qual é a importância das mulheres da sua vida no seu processo criativo?

É intensa. Realmente não é uma coisa que eu divida. As pessoas andam juntas, na Sétima Efervescência eu cantei e escrevi para uma boa gama dessas mulheres.

Acho que em outros trabalhos pode-se detectar que escrevi diretamente para uma ou outra, ou até mesmo montei um personagem em cima de duas ou três mulheres. De fato é uma presença bastante notória, eu mesmo reconheço que sim, é decisivo.

Hoje você está mais para “Lugar do Caralho”, com cerveja barata e pessoas chapadas ou para “Beatle George”, com mantras e krishnas?

Eu estou numa certa crise de revisitação… Crise não, só um processo de auto-análise, de autocrítica bem severa, então às vezes quero ser um pouco mais “Um Lugar do Caralho”, mas sinto até um pouco de medo.

Às vezes quero ser “Beatle George”, mas não me sinto completamente preparado. Eu estou começando a achar que realmente devo encontrar um meio termo entre os dois.

Saca o som…

…e uma entrevista legal com os caras o Overmundo.

E mais pra os lados sulinos, os catarinenses do Cassim & Barbária fazem essa viagem da psicodelia ao soul, com uma cara bem mais vintage, progressiva, e mucha base! Os caras tocaram até com Damo Suzuki, dos pioneiros do krautrock Can.

17° Festival Música Livre – 1 from Peter Gossweiler on Vimeo.

Para ouvir Raul Gospel, clique aqui.

A NOIZE #26 é toda dos filhos dos anos 60, de Woodstock, da Jamaica. A Neo-Psicodelia, uma das filhas mais importantes, ganhou a matéria de capa. Os milhares de malucos beleza que se jogaram na lama do All Points West, festival americano neto de Woodstock, foram fotografados embarrados como seus avós e registrados para a eternidade. Os jamaicanos sessentistas que, brincando com a mesa de mixagem, criaram o dub, que virou documentário de diretor brasileiro, também têm matéria nesta edição.  E os garotos da Superguidis, que certamente são filhos de gente nascida nos arredores de 1960, foram clicados e entrevistados num belo ensaio de fotos.

Assine e receba em casa, leia online, baixe ou vá às ruas, porque a NOIZE se espalha mais rápido que a Gripe A.

“A estrutura foi erguida por um camarada chamado George Van Tassel depois de ele receber a visita noturna de uma entidade. Acredita-se que a função fosse rejuvenescer as células humanas, mas a obra acabou nunca concluída porque ele morreu”, contou o vocalista.

O longo filme das negociações entre gravadoras dinossáuricas e serviços de distribuição de música não acaba tão cedo. Segundo o Financial Times, a Apple tem trabalhado com Sony Music, EMI, e Warner em um projeto de nome Cocktail, com lançamento previsto para setembro. Mas que coquetel é esse, afinal? A única informação que se tem é de que seria um serviço que colocaria mais interatividade no download de músicas – com vistas, é claro, a atrair aqueles que ainda não aderiram ao download pago de mp3, filmes etc.

Beck segue frenético com o Record Club, e isso que sua regravação de Velvet Underground and Nico nem foi toda liberada ainda. O próximo álbum a ser repensado e gravado por ele e amigos escolhidos a dedo é Oak, do Skip Spence, de 1969. E os parceiros da vez são o Wilco. Passa lá no site do cara.

Outras novidades legais do www.Beck.com são a série de entrevistas com Tom Waits, “Tópicos irrelevantes”, e a versão acústica de “Gamma Ray”, faixa do ótimo Modern Guilt, de 2008.

Eu sou os Mutantes

Fãs e simpatizantes, vão de ouvidos e coração abertos ouvir “Teclar”, a nova dos Mutantes, ou o que restou deles. Sérgio Dias e cia. fizeram um trabalho legal, nada que se compare ao de 30 anos atrás.

Ouve lá.

Finalmente saiu “Crying lightning”, a primeira prévia de Humbug, próximo trabalho de estúdio do Arctic Monkeys a ser lançado em agosto. Mais detalhes sobre o disco você lê aqui.

Por ora, escute a faixa, com produção de Josh Homme, do Queens of the stone age (e dá pra “ouvir” bem a mão de Homme ao longo de toda a faixa).

antigamente havia gente que batia um papo com o controlador da mesa de som nos shows e dava um jeito de gravar uma fitinha do evento, que depois passava a circular num submundo de apreciadores de música. os bootleggers evoluíram e, dado o avanço da tecnologia, conseguem hoje fazer gravações muito boas sem precisar pedir licença.

talvez por isso o carinha do blog Fita K7 tenha conseguido reunir tantos shows do festival gigantesco Glastonbury desse ano, com direito a Blur, Neil Young, Fleet Foxes, Bruce Springsteen,. Nick Cave, Bloc Party, YYYs, Passion Pit e muito mais, quase na íntegra.

Confere lá.

(via @trabalhosujo)
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Beck em vídeo:
Record Club é o nome do projeto em que Beck regravará diversos álbuns clássicos, reinterpretados pela sua genialidade multigêneros. O primeiro contemplado foi o maravilhoso, lo-fi e psicodélico The Velvet Underground & Nico, famoso disco da banana de Andy Warhol. As versões que estavam disponíveis até o fechamento desta edição valiam todas ao menos uma audição.

Confere no http://www.beck.com/

os roqueiros gaúchos da Graforréia Xilarmônica quebrando tudo. Faustão enganou a todos. Quem sabe faz playback.

Em matéria na NOIZE 16, a Maria Joana Avellar (outro MJ insubstituível) escreveu que Michael Jackson carregava o fardo de não ter tido a morte prematura dos mitos. Acabamos de ser corrigidos pelo destino.

Os 50 shows que MJ tinha a cumprir a partir de julho faziam parte do pagamento de uma dívida que ele tinha com a produtora, parte da amarga derrocada em que o astro entrou a partir da década de 90.

Ao morrer semanas antes de iniciar a série de shows, Michael matou também quem queria lhe matar. Não deixa de haver aí uma doce ironia e um ar de justiça – por mais freak que o Rei tivesse se tornado, e ainda que sua imagem estivesse há tempos mais para criminoso do que para justiceiro.

Agora quem deve centenas de milhões de dólares não é mais Miquelito, mas a produtora. Quase 1 bilhão de reais, para ser mais exato.

A morte de Michael reacende o mito. Que bom que contribuímos para que um pouquinho do mundo reconhecesse a chama inapagável do neguinho mais talentoso que o mundo da música pop  já viu.

Fica o convite para que quem não leu leia a deliciosa NOIZE 16 e nosso tributo antecipado:

E foi depois de quase dois anos de trabalhos prestados que criei coragem para escrever. Parece mentira, mas eu andava meio desligada e até agora a possibilidade de publicar textos no lugar de fotos assustava. Sendo assim, peço desculpas de antemão, pois quem vos escreve não passa de uma “produtorazinha”, estudante de Relações Públicas e muito fã de Rita Lee. Rá! Chegamos no “X” da questão, ou melhor, no “R”. Foi pela vontade de ver ela de perto mais uma vez que resolvi pegar a enxada e acabar de vez com a raça da erva venenosa que tanto protegia meu teclado. O show da Rita Lee em Porto Alegre só provou a relação estreita e afetuosa entre a rainha do rock brasileiro e a cidade do mais bonito pôr-do-sol do país. Fãs e músicos de todas as idades dançavam juntos no palco, na pista e no mezanino ao som de grandes sucessos consagrados ao longo de sua carreira e músicas que não cantava ao vivo há milênios como “Cor de Rosa Choque” e “Bwana”. Essa segunda, por sinal, foi repaginada em homenagem ao“negão TESUDO” – como Rita fez questão de enfatizar – clamando: “Obama Obama…Me chama que eu vou” e exibindo fotos do presidente no telão. Bem humorada e performática como sempre, falou de gripe suína, corinthians e segunda divisão. Bricou com o público tentando traduzir a música de abertura da novela das oito e seus jargões mais comuns e fez todo mundo rir ao declarar que não pode mais tocar guitarra por causa da cirurgia de érnea de disco, feita recentemente. Do alto de seus 63 anos, faz cover de Chuck Berry e piada com Yoko Ono pela demora da “japonesa” para liberar a gravação da versão de “I Wanna Hold Your Hand”. O rock vestido de forró de “O Bode e a Cabra” encantou a platéia, tanto quanto a performance de “Vingativa” das Frenéticas e da novíssima “Tão”, que tem cara de trilha da Marvel. Cornetas, chapéus, triângulos, serpentes de pelúcia, perucas, tudo ganhava vida em suas mãos, até mesmo o curioso Teremin, instrumento dos anos 20 que funciona através de estática. “Ovelha Negra” foi cantada pela platéia inteligentemente coordenada por suas mímicas e o bis teve direito a “Mania de Você”, “Lança Perfume” e camiseta do Internacional. Apesar de eu ser gremista, tenho que reconhecer que não foi à toa que em uma das suas conversas com o público alguém gritou de longe e a chamou de mito. “Mito? Mito é forte”, diz ela, “Mito é Maria Bethânia”. Pois eu digo, mito é Rita Lee.

Mely Paredes

As bandas orgulhosamente geek são simbolizadas pelo Weezer, mas muitas se encaixaram no rótulo – ainda que poucos o tenham feito com hits da envergadura de “Buddy Holly”, ou tão nerds quanto “In the garage”. Para relembrar alguns presentes do geek rock, segue uma breve lista de canções feitas para tocar os corações mais científicos:

10) Para começar com algo que não é rock e não é da década de 90. “Nerd Modernoso: Andy Milonakis com Let me Twitter Dat! CLÁSSICO de uma nova geração. Tiração de onda e nerdismo podem coexistir, e esse som é a prova disso!” (tatu).

9) President of the United States of America – Death Star. “Não se precisa de mais nada… a letra dessa música é de se chorar no canto agarrado na hp12c” (tatu).

7) Hum – Starts!: “Olha o naipe desse cara” (tatu).

8) Uma banda que toca a musica do tetris em um cd todo tematico sobre viagens espaciais e yuri gagari só pode ser nerd! (tatu)

6) Ben Folds falando sobre como era ser o “garoto amendoim” na época em que o grunge e o indie rock reinavam, em “Underground”:

5) “Weird Al” Yankovich, White and Nerdy: não bastava o rapper ser branquelo, ainda era “nerdy”. Com direito a legendas toscas em português.

4) O The Rentals em Friends of P. “Por que cantar inglês com legendas em russo é muito geek” (tatu).

3) Para afastar (ou aproximar) o gênero do desvalorizado emo, o punk rock com óculos de grau do Descendents, em “Collidge”. “Eu não sou mais um cara legal…”

2) Os nova-iorquinos Nada Surf e a revolta contra os garotões bombados do futebol americano com o hit super-nerd “Popular”. “Ser atraente é a coisa mais importante de todas”.

1) Quando Bill Gates foi lançar o Windows 95 – os nascidos na década de 1990 nem imaginam que isso existiu –, o clipe de Buddy Holly bombava na MTV. O vídeo acabou incluído no CD do sistema operacional, demonstrando todo o potencial multimídia do Janelas.

E por enquanto é só. Aguarde os próximos capítulos!

por Fernando Corrêa e Luís Alberto Fiebig Junior (Tatu).

meses sem escutar tom jobim, só lendo dele. resolvi escutar e minha recomendação vem daí. “stone flower” – a música, na noize é assim, entre aspas – tá num disco tão doidão que ela foi gravada pelo santana em 1972. dois anos depois do jobim gravar o disco em que “stone flower” tá, que também se chama stone flower.

o disco me pegou desprevenido. tava num clima folha de bananeira e ele veio num clima cacto peyote. “stone flower” – a faixa título – tem passagens pegadas, quem sabe influência do mesmo fusion que influenciou santeine. “sabiá”gravada pelo tom tá a melhor de todas, viva o “desafinado”. “amparo” é um amparo e tanto. e tanto tocaram “aquarela do brasil” que a versão progrocker dela com a maestria do maestro foi só muito legal.

mas enfim, esse é o garoto que te leva pro site onde eu redescobri ele agora mesmo… na capa o tom tá fumando.

UPDATE: Minto, “Brasil” tá muito foda.

eu espero ansioso pelo dia em que o syd barrett vai ganhar um filme de ficção caprichado, com direito a performances na ufo em 1967 encenadas para além dos poucos registros existentes

Interstellar Overdrive expulsada do corpo endiabrado de Syd na UFO

existem (ou existiram) boatos de um filme do tipo com o johnny depp no papel do syd, o que certamente poderia render resultados animais. sem contar que o universo que envolvia o pink floyd na swinging london renderia uns 1000 filmes frouxos… mas o syd, em especial, eu queria ver na ficção, até porque minha cabeça é povoada pela ficção das músicas dele, mas não abriga imagens decentes dele, já que sobrou pouco filmado do rapaz… aliás, o que existe está no documentário “the pink floyd and syd barrett story”, que existe em dvd em tudo que é canto, sempre bem baratinho, e em qualquer site de torrent que preste.

no Brasil, o Arnaldo Baptista é o correspondente ao syd, nosso “acid casuality”, como chamam a galera sorteada para não voltar entre os artistas que tomam ácido. como é o syd para o floyd, o arnaldo é, sem dúvida, a alma propulsora da criatividade dos Mutantes. pena que ele pirou, foi internado, se jogou da janela, pirou mais ainda. diferente do syd, o arnaldo não abandonou a música, chegou a esboçar a volta com os mutantes em 2007/2008. e ele ganhou um documentário que será lançado dia 19 de junho. não é ficção, é um documentário mesmo. e pelo trailer, é bem bacana:

Escute The album em http://beta.wilcoworld.net/records/thealbum/index.php

Ouiéis.

Cachorro Grande foi uma incandescente chama piloto para o fogão de duas bocas que inflamou as cerca de 12 mil pessoas presentes no Gigantinho. Oasis entrou no palco, ao som de Fuckin` in the Bushes, às 21h40. Os irmãos Gallagher, apesar de praticamente não se comunicarem, mostraram que estão em plena forma, mesmo vindos de uma turnê que começou em outubro e Porto Alegre sendo o último de quatro shows no Brasil – os outros foram no Rio de Janeiro, em São Paulo e Curitiba.

A banda, aliás, mostrou seu novo integrante da cozinha: Chris Sharrock. Se não demonstra tanta habilidade quanto Zack Starkey – baterista, filho de Ringo Star, que vinha acompanhando o grupo, participou da gravação do último CD, Dig Out Your Soul, e voltou a se dedicar em tempo integral ao The Who -, o ex-baterista de Robbie Williams esbanja virtuosismo.

A coesa escolha da sequência inicial de músicas fez a pista incendiar rapidamente: “Rock & Roll Star”, “Lyla”, “The Shock of the Lighting”, “Cigarettes and Alcohol” e “Meaning of a Soul”. Misturando canções do primeiro CD, Definitely Maybe, com dos dois últimos, Don´t Believe the Truth e Dig Out Your Soul, no começo do show, Liam, liderando os vocais em todas, garantiu que o público pulasse sem parar.

Com uma plateia em ponto de ebulição, foi hora de desacelerar um pouco e cozinhar em banho-maria. Para isso, nada melhor do que a nova “To Be Where There`s Life”, com direito a improvisação. Em seguida, Noel assume os vocais – de forma tímida, mas com muita qualidade. Esta, inclusive, é a diferença entre os irmãos diante do microfone: enquanto Liam tem um timbre mais agressivo e uma forma única de cantar, que o fez ser um dos frontmen mais influentes dos anos 90, Noel se destaca pela técnica. E que técnica fez o Gigantinho inteiro cantar, no bis, “Don´t Look Back in Anger”, liderado por Noel na voz e violão, numa versão sem bateria e sem o característico piano nos moldes de Imagine, dos Beatles.

Falando nos Fab Four, para colocar mais lenha na fogueira e pôr fogo em tudo de uma vez, a noite acabou com um cover de “I`m the Walrus”, numa pegada bem mais rock`n roll do que a original.

Ainda se destacaram os clássicos “Champagne Supernova”, “Supersonic”, “Morning Glory” e “Wonderwall”. Diante das labaredas desencadeadas pelo Oasis, até a chuva que caiu forte na manhã se intimidou, cessando três horas antes da passagem de som do grupo.

Aí estão dois vídeos fresquinhos do show de retorno dos Novos Baianos, que a tchurma fez na Virada Cultural, na culturalmente abençoada cidade de Sampa. Baby já tá mais pra Oldie, Pepeu segue pepando, Moraes não foi, mas a festa rolou:

Para quem não sabe, Jorge foi um dos grande renovadores da música popular brasileira quando, na década de 1960, em meio ao entusiasmo da Bossa Nova, trouxe o som do morro para dentro das inovações jazzísticas da turma de Copacabana. O resultado foi Samba Esquema Novo, o mais influenciado por João Gilberto dos muitos discos de Ben.

Uma das músicas mais famosas, o samba misto de maracatu Mas Que Nada, aparece nesse vídeo meio tosquinho de 72.

E aqui, o Jorge na fase mística, “louco pela Alquimia”, noutro empenho famoso que faz parte do A Tábua de Esmeralda (1974):

Salve, Jorge!

Foi isso que aconteceu com o No Use For A Name, uma das bandas mais animais do hardcore melódico californiano da década de 90. Por anos, vislumbrei (ou imaginei que talvez estivesse) um pouco depois da linha do horizonte o dia em que eu veria um show desses caras. Isso lá nos primeiros anos da década de 2000, quando o novo milênio ainda não era consenso.

Ano retrasado, em meio a NOFXes e Pennywises, finalmente vi um show do No Use. Foi o show da vida, Bar Opinião lotado, músicas de todas as fases, da mais culhão à mais mulherzinha. Os caras estavam loucos, não deviam fazer show para um público ensandecido assim desde o século passado. Saí do Opinião de alma desbotada de tão lavada.

Semana passada, véspera de feriado de Páscoa, o No Use voltou à Porto Alegre para um show bastante suspeito – já voltaram, assim tão cedo? A paisagem em frente ao local do show, a Cada do Gaúcho, era bem diferente da que vi, adrenalina a mil, em frente ao Opinião em 2007. A banda era a mesma, só estava uma ou duas modas mais atrasada que dois anos atrás. O público era bemmmm menor – facilmente explicável, já que os surfistas, boa parte do público ouvinte de hardcore melódico, deviam rumar a Santa Catarina ou mesmo alguma praia chinelona do feioso litoral gaúcho.

O No Use caiu na real. Imagino que tenham feito aqui o mesmo show que faz atualmente nos EUA: estritamente profissional, empolgação calculada, set list interrompível prematuramente, de acordo com a disposição da banda. Foi o que aconteceu: enquanto o show de Lima, alguns dias antes, foi encerrado com a catártica “Feeding the Fire”, do seminal “Daily Grind” (3o. disco do grupo), aqui a banda parou duas ou três músicas antes. Faltou fôlego, faltou emoção, faltou.

Uma pena. Eu de qualquer maneira pulei, berrei, me emocionei. Mas voltei pra casa triste, com uma nostalgia descabida – já conheci o No Use quando eles haviam se tornado velhos tocando para “kids”. Não me arrependi de ir ao show, de maneira alguma. Mas nem ouvir os discos deles eu conseguirei por um bom tempo. O Tony Sly que berrava, cabelo oxigenado, para uma platéia de alemães bebuns no Bizarre Festival ’98 agora é um pai de família, e deve ficar de cara de viajar 15 horas para tocar para meia dúzia de gatos pingados que, nem financeiramente, conseguirão continuar realizando o “sonho punk adolescente” do qual ele já deve ter acordado há tempos.

Vocês fiquem com essa lembrança boa da época em que os hormônios eram a melhor droga:

Casalzinho meio infame, mas de bom gosto.

A trilha sonora é interessante, e conta com muitas bandas brooklyneanas legais (que aliás devem figurar na próxima Noize). Mas infelizmente recai sobre ela o peso de salvar o filme, cuja trama é tão “simples” que parece acabar sem começar.

Tá, sem pegar no pé, o filme é legalzinho, mas a menina não convence. Não sei como ela engana o menino, sabido de música que é, com o papo de  “cuidado com strat”. Mas foi legal de ver – pela música.

Era definitivamente uma noite de escolhas para os fãs e admiradores do reggae. De um lado a nova escola com Groundation, de outro a nova geração da banda do mestre, tocando um clássico. O Wailers carrega uma
responsabilidade nas costas, é verdade, mas Aston Barret, vulgo “Familyman” (único integrante da banda que tocou com Bob) passou muito bem os arranjos aos novos parceiros e conseguiu manter o nível instrumental na qualidade de sempre.

O repertório foi baseado no disco “Exodus”, um dos mais consagrados entre as pedradas de Marley, inclusive reconhecido como o melhor disco do século XX pela revista TIME americana. Foram clássicos em cima de
clássicos. A abertura com “Natural Mystic” foi perfeita para trazer a atmosfera necessária a um grande show de reggae. “Exodus” entrou no set, é claro, e me deixou naquela vontade de ouvir um pouco dos sons
de outros discos também. Elan Atias, na missão de segurar os vocais, provou que tem capacidade de nos trazer boas lembranças da época de ouro.

A chegada do lado B do disco com os hits “Waiting in vain”, “Turn your lights down low” e “One love” pareciam um presente a quem estava enamorado. Mesmo tendo sido um show curto, foi intenso. Quem esteve na Casa do Gaúcho viu reggae de altíssima qualidade, assim como quem esteve no Opinião.

Confira a matéria do Groundation aqui.

Por Bruno Felin

Enquanto todo mundo pega o que é vendido e disponibiliza de graça, tem gente fazendo o caminho contrário. topa-se tudo por dinheiro.

até a noize, que custa R$ 0 (zero real), tem gente querendo vender. tá certo, a edição do camelo é histórica. e, segundo eles, sou eu o autor…

http://www.estantevirtual.com.br/mod_perl/info.cgi?livro=17029342

Foto da Maria Joana Avellar

Eis que o primeiro post no meu blog é também o primeiro post da minha vida. Como Howard, o personagem personagem de Stranger Than Fiction (e é “personagem personagem”, assim mesmo), pareço ter “começado a viver” na última sexta-feira. Se são as pequenas coisas, as “sutilidades e futilezas” que fazem a vida valer a pena, talvez o show do Radiohead não tenha sido o momento que faz minha existência gozar de tamanho gozo, mas a reunião de um zilhão de sutilezas precisas e imediatamente necessárias, essenciais, proporcionadas pela ocasião.

Não, este blog não será sempre elogioso e grandloquente assim – é apenas reflexo do inconcebível que os ingleses mais importantes para a música atual fizeram na última sexta, na Praça da Apoteose, Cidade Maravilhosa, Rio de Janeiro. E não, não são os Beatles. Ousam ameaçar ser maiores.

O Radiohead é uma mistura de todas as qualidades que se espera de uma banda – criativos, inovadores, apaixonados e eloquentes  -, e o show da banda é o show dos sonhos: extrapola os limites do perfeito (já que este é um atributo de muitas de suas músicas) para soar impecável. E irretocável quando o assunto é do olhar, já que se trata também de um espetáculo sem precedentes de estímulo visual, psicodélico, bélico, delicioso.

E aqui cabem mais duas lágrimas: uma pelo Los Hermanos, que ao tocar um dos set lists mais especiais em sua carreira de apresentações ao vivo (e é uma carreira das grandes – e gordas), fizeram também o show mais chocho de sua história. A outra lágrima fica para o Kraftwerk – e espero que eles não enferrugem por culpa dela, pois é uma lágrima de alegria. A viagem outrora futurista dos alemães não é mais um exemplo da vanguarda do krautrock (o “movimento” do qual eles mesmos sempre destoaram); já soa e parece nostálgica. Grande coisa! Sou só nostalgia.

A foto é da Maria Joana Avellar.

Para quem já a conhecia e para os milhares em todo o Brasil que agora irão conhecê-la, apresentamos a nova NOIZE. Novidade e informação em todas as linhas, arte em todos os cantos, música em todas as páginas.

A Era do Trio, 1983 – 1987: Fat Mike, Smelly, Melvin
A Era Casillas, 1987 – 1988: Fat Mike, Smelly, Melvin, Dave Casillas
A Era Kidwiler, 1988 – 1991: Fat Mike, Smelly, Melvin, Steve Kidwiler
A Era El Hefe, 1991 – Present: Fat Mike, Smelly, Melvin, El Hefe

E as datas:

2/04/09 San Diego, CA at The House of Blues w/ Youth Brigade, Smoke or Fire
2/05/09 Los Angeles, CA at The Fonda w/ Youth Brigade, Channel 3, Sin 34
2/15/09 San Francisco, CA at Slim’s w/ Youth Brigade, Turbonegra

O filme deve ter exibição simultânea em diversos países em 21 de abril. Antes disso, os brasileiros ainda têm a chance de conferir e enriquecer os metaleiros mais um pouquinho, já que o Iron passa por aqui entre 12 e 20 de março. Cocem seus bolsos.

No line on the horizon, novo álbum do U2 que deve ser lançado na primeira semana de março, teve a capa e o nome das faixas divulgados no site oficial do grupo. No line é o 12º disco de estúdio dos caras e vem sendo trabalhado desde 2006.

Confira o tracklist:

1. “No line on the horizon”
2. “Magnificent”
3. “Moment of surrender”
4. “Unknown caller”
5. “I’ll go crazy if I don’t go crazy tonight”
6. “Get on your boots”
7. “Stand up comedy”
8. “Fez – Being born”
9. “White as snow”
10. “Breathe”
11. “Cedars of Lebanon”

AQUI

Quem gosta de comprar pela internet não pode deixar de conhecer o Deal Extreme. O site possui um catálogo gigantesco de produtos eletrônicos chineses de todos os tipos e para todos os usos. Fones de ouvido por 1 dólar, capas de silicone de 90 cents, cabos para iPode por 2 dólares – tudo com ENVIO GRATUITO para todo o mundo.

Não sei qual o milagre que esses caras fazem, mas é uma ótima pedida dar uma passada lá e se perder entre os corredores virtuais repletos de bugigangas.

É o que pretende a nVidia ao anunciar o lançamento dos óculos de visão 3D GeForce. Acompanhados da devida placa de vídeo e de um monitor com taxa de atualização altíssima (120hz, em contraponto aos 60hz usuais), os óculos wireless dão ao gamer a impressão de ver os elementos saindo da tela. A base infravermelho permite que vários jogadores participem ao mesmo tempo com seus óculos.

O equipamento realiza a façanha tapando alternadamente um dos olhos do gamer, que é bombardeado pelo monitor com imagens de ângulos ligeiramente diferentes em cada olho. Não testamos o produto, mas você confere um review detalhado aqui.

Encabeçado pelo hilariante vídeo “The Landlord” (com mais de 60 milhões de views), em que Ferrell é violentado por uma menina de 2 anos, de quem é inquilino, o Funny Or vendeu recentemente menos de 10% das suas ações para a HBO.

Quem gosta de Radiohead  e/ou de Kraftwerk está rindo à toa com a passagem das bandas pelo País nos próximos 20 e 22 de março. Mas a notícia do Just a Fest pode se estender à multidão de fãs dos cariocas de férias do Los Hermanos. A boataria de que os rapazes devem ser uma das atrações do festival que trará a maior banda de rock da atualidade tem-se intensificado. Quem trouxe a informação mais quente foi o blog URBe, conforme você confere no trecho abaixo:

“Somadas as três fontes, a retomada do Los Hermanos (porque a banda nunca acabou) só não acontece em março se der alguma creca. Ainda restam ingressos para o show do Rio. Corra.”

Caminhar pelos setores da loja, entre os mais de 200 mil ítens disponíveis em estoque (são 450 mil em catálogo), é ao mesmo tempo fascinante e perigoso. Difícil não cair nas tentações de mexer no iPod ou nos diversos produtos da Apple que recebem os clientes na entrada. E o “Preço Verde”, iniciativa da Fnac de oferecer grande parte das novidades em literatura e música, por um preço 20% inferior ao de tabela no primeiro mês de lançamento, torna o passeio ainda mais agradável. No café, diariamente, eventos culturais, de pocket shows a seções de autógrafo, enriquecem esse conjunto de atrativos que compõem o que Luiz Apolonio, Diretor da unidade de Porto Alegre, chama de “uma experiência”.

A loja de Porto Alegre é a mais moderna da rede no mundo. E isso é o tipo de coisa que gaúcho gosta de saber. Sim, eles nos deram atenção especial. Resta-nos esperar até o dia 18 para abrir o presente.

Como é incrível a força que os anos 80 ainda têm sobre as pessoas. Uma banda que não lança nada significativo faz anos, chegam na cidade e conseguem arrebatar cerca de duas mil pessoas, isso que os valores dos ingressos não eram nada convidativos. Como é atraente o som do The Cult, pesado e dançante, um hard rock de pista, animado, com punch e sedução. Não me recordo de nenhum grupo atual que consiga fazer isso hoje em dia, colocar peso nas guitarras e ao mesmo tempo ter a capacidade de envolver quem o escuta dessa maneira, talvez os mais próximos seja o HIM e o The 69 Eyes. Um grupo recheado de sucessos que marcaram uma década, subiram ao palco pouco depois do horário divulgado, com pontualidade quase britânica como eles mesmos. A faixa de abertura do show é ‘Nirvana’ que faz parte do disco de maior sucesso chamado ‘Love’ – aquele do coraçãozinho na capa lembram? – seguida de outra faixa deste mesmo álbum chamada ‘Rain’, já deixando o público à vontade e saciando aquele desejo inicial por clássicos da banda. A primeira música do novo álbum é ‘I Assassin’, muito boa por sinal, mas sem dúvida, sem conseguir levantar o público como os demais clássicos. O público que por sua vez era composto por pessoas na faixa dos trinta e poucos anos, muitos curiosos fãs dos anos oitenta e não necessariamente do grupo inglês. Notava-se isso, pois nem sempre, com excessão das músicas conhecidas, o público acompanhava com fervor ou cantando os sons. Por falar em som, detalhe para uma boa qualidade sonora dos PA’s do Pepsi on Stage, apesar de um volume um pouco excessivo. Ian Astbury impressionantemente segue cantando muito com aquele vozeirão todo, claro, com o passar do tempo ele sabe poupar a voz, mas não compromete de maneira nenhuma o espetáculo. Billy Duffy, o outro remanescente da formação original do The Cult, seguia preciso com sua guitarra e seus efeitos nos pedais. O restante da banda mandou muitíssimo bem, mantendo o alto nível das composições do grupo: Chris Wyse (Baixo), Mike Dimkitch (Guitarra base) e John Tempesta (Bateria) – com destaque para o excelente desempenho deste último que já trabalhou com grandes nomes do metal como Exodus, Testament e White Zombie. Como não poderia deixar de ser, não faltaram os hits ‘Wild Flower’, ‘Sweet Soul Sister’, ‘Love Removal Machine’ e, para fechar, o absoluto ‘She Sells Sanctuary’. Só ‘Revolution’ ficou de fora do set, talvez por poder ‘destoar’, a julgar pelo ritmo dado pela banda neste show.

Simon, guitarrista do Klaxons, dá uma olhada na Noize e conversa com a gente sobre o Brasil, o Reino Unido e a estranha América do Norte. Além disso, o cara fala sobre o próximo disco e… Aguarde.

A gurizada do Klaxons e da Neon Neon curtiu com tranquilidade o primeiro dia de TIM no Rio. “Nunca vi nada como esse show do Kanye West”, disse o vocalista e baixista klaxon Jamie Reynolds.

Saudações cariocas para todos. De agora em diante, show a show, você confere a cobertura da NOIZE com o que rola no festival.

A primeira impressão é muito boa. Enquanto o instituto passa o som do Tim Maia Racional, a gente toma um energético para agüentar as próximas 8 horas – tendo dormido apenas 4 nas últimas 24.

Até agora, podemos acompanhar o seguinte: Esperanza Spalding atendeu a todas expectativas e mais um tanto. O show de Kanye West, como afirmou o voclista do Klaxons, foi certamente o de maior impacto, produção tremenda, impressionante e impecável, teve o maior público da noite. O The National fez um show para uma platéia não tão grande, mas repleta de fãs que cantaram junto e se emocionaram até com o pequeno problema de áudio no início da apresentação. O que vem a seguir é o MGMT, que deve tocar o álbum Oracular Spetacular na íntegra. O Brooklin vai fervilhar.

Fica ligado.

Acalma os nervos!

É, a boataria anda forte. Amy Winehouse estaria afinzona de passar o réveillon no Rio de Janeiro, e quem sabe fazer um showzinho. Porém o produtor cheio de cacife ainda não falou nada para a imprensa.

Fonte: Vogue

O melhor de tudo: não paga nada pra assistir, é de graça.

Vai lá, prestigia!

O quê? Lançamento do curta “Perro en el Columpio”
Quando? 28/8, quinta-feira
Onde? Sala P.F. Gastal, Usina do Gasômetro
Quanto? Grátis

No que disse ser o último disco de sua carreira, Chao poderia ter economizado canções. Exemplos: “13 dias” vale mais pela letra do que pela fraca composição, e “Politik Kills” desaponta pelas frases de efeito com a ingenuidade de um punk de 15 anos. O ponto alto fica com a trinca “Rainin Paradize”, “Besoin De La Une” e “El Kitapenaum”: uma visita ao punk, um flerte com o country e um rock pop e melodioso unidos por frases de guitarra simples, como se fossem parte de um só ritmo. Manu despeja sua tranqüilidade narcótica em “A Cosa”, interrompida pela divertida meio-Ramones “The Bleeding Clown”. O contraste entre rock e calmaria latina faz de La Radiolina um bom disco. Porém, bonus tracks fracas como “Siberia” (um auto-plágio na base de “Rainin Paradize”) não obtêm sucesso pelo simples fato de serem piores que as matrizes. Equilíbrio: Chao acerta quando resolve se refazer bem feitinho, e erra feio ao cuspir canções vazias, pondo um peso nas costas de La Radiolina—que resvala, mas não cai.

>> Por Nando Corrêa

Mais uma banda vivida a receber o reconhecimento que só um lançamento com o selo da MTV pode proporcionar—e já era hora. Dispostos a dar um basta na caretice da cena rock, o Matanza legitima a porrada veloz de sua música com uma presença de palco tão marcante que chega a ser perceptível com os olhos fechados. Somada ao impacto da bateria hardcore e ao vocal rasgado, a interação com o público é o que mais convence. Os berros de Jimmy só não levam as fãs exaltadas a nadar nuas num mar de uísque por falta de mar.
“Meio Psicopata” abre com fúria os precedentes do countrycore, que “Pé na porta, soco na cara” atenua para um punk rock tranqüilo—sem perder a temática, tão agressiva que chega a ser caricata. Ziguezagueando entre o Megadeth e os Ramones, a eventual mediocridade é ofuscada por grandes momentos de rock’n’roll vividos num Hangar 110 visceral, que por pouco não vai abaixo com a saideira, “Interceptor V-6”. De extras, uma boa entrevista com a banda.

>> Por Fernando Corrêa

Dono de cacoetes que apontam para uma renovação do erudito, Vitor Araújo não se intimida diante do Teatro de Santa Isabel lotado. A magreza do jovem caminha até o piano de cauda aberto, toca as cordas e bate nas paredes internas do instrumento. Sua performance intensa subverte a noção tradicional do pianista: sobe no instrumento quando sente vontade e aproxima o rosto das teclas como um velho míope fazendo palavras cruzadas.  O bom compositor de “Valsa pra Lua” ainda confunde-se com o garoto polêmico de releituras ofensivas de tão interferentes. Falem mal se quiserem, mas TOC evidencia a grande promessa do piano brasileiro.

>> Por Fernando Corrêa

O Tihuana estourou no rastro do Charlie Brown Jr.. Desde 1999, quando enfileirou os hits “Eu vi duendes”, “Pula!” e “Que ves?”, a banda poucas vezes deixou essa sombra. No entanto, tal qual seus similares, soube fazer boas misturas pop de rock e reggae com o rapcore de RATM—e essa mistura é captada da melhor forma possível em Tropa de Elite Ao Vivo, produzido após o badalado longa de mesmo nome dar um boom à música da banda. O show inclusive tem a participação um tanto cômica de André Ramiro, o policial aprendiz do filme, dizendo que “não é policial para levar ninguém em cana, por isso curte a “rapeize” do Tihuana”. Parece haver bastante gente que curte.

>> Por Fernando Corrêa

O subtítulo E se a gente seqüestrasse o trem das 11? diz tudo: o samba é a (anti) lei nesta coletânea. Subvertendo o ritmo brazuca ao longo de suas 14 faixas (incluindo a boa inédita “Estela”), Fred Zeroquatro e cia mostram porque o Mundo Livre S/A detém o mérito pela manutenção do manguebit no século XXI. O motivo não é menos poético do que a capacidade de fertilizar o rock com o enxofre dos mangues pernambucanos – e com muito sucesso. Em Combat Samba, produzido pelo mítico Carlos Eduardo Miranda, somam-se aos sucessos comerciais canções menos conhecidas. Em comum, o resgate da psicodelia setentista de Jorge Ben, a rebeldia do Clash e a versatilidade eletrônica moldados como a lama do Recife.

>> Por Fernando Corrêa

Coletâneas não são dos artigos mais valorizados pelos fãs de música. Quando se trata de clipes, então, é ainda mais difícil engoli-las, principalmente em tempos de YouTube. No entanto, o Best of de vídeos do Radiohead supera tais negativas por três aspectos importantes. O primeiro é a qualidade de som e de imagem, que não é equiparado por streaming algum, e que faz parecer que o vídeoclipe de “Creep” foi gravado com a alta tecnologia atual. Depois, pela comodidade de ter-se acesso às obras primas que costumam ser os clipes da banda (vide “No Surprises”) em qualquer lugar. Mas, principalmente – e nisto está o poder de interesse junto aos fãs -, pelas versões raras e menos conhecidas dos vídeos de Thom Yorke e cia. Destaque para “High and Dry”, que aparece nas edições dos EUA e do Reino Unido, e para “2 + 2 = 5”, registrada na apresentação do grupo no Belfort Festival. Ao todo, são 21 momentos em que a maior banda de rock da atualidade encontra a MTV e mostra que clipes valem tanto quanto música.

>> Por Fernando Corrêa

Candidata a passar pelo Tim Festival de 2008, a banda nova-iorquina Gogol Bordello é conhecida por shows ensandecidos do que chama de punk cigano.  Algo como o Clash que vai a um circo regado a vinho. Super Taranta!  sucede o elogiado Gipsy Punks: Underdog World Strike (2005), que voltou os olhos da crítica para a banda. Acordeãos misturam-se a distorções, violinos harmonizam-se com momentos ska: a linguagem da banda, sozinha, já lhe garante o status de original. Se não supera o antecessor, a energia de hinos como a faixa-título e a poesia de “Ultimate” fazem de Super Taranta!  um complemento à altura.

>> Por Fernando Corrêa

“Nowhere Boy”é o nome do longa que contará a infância de John Lennon. O roteiro, de Matt Greenhalgh (o mesmo que dirigiu Control, cinebiografia de Ian Curtis), é baseado no livro “Immagine This: Growing Up With My Brother John Lennon”, de autoria da meia-irmã de Lennon, Julia Baird. O filme, ainda sem data prevista para lançamento, receberá 35,5 mil libras para sua realização, recursos provenientes da agência britânica de desenvolvimento da indústria cinematográfica, UK Film Council.

Fonte: UOL

Não, não é o imposto. Bem pelo contrário, você não paga um centavo para escutar – e em breve baixar – Donkey, aguardado segundo álbum do Cansei de Ser Sexy. Basta acessar o streaming no Myspace do grupo e, a partir do dia 25, baixá-lo na íntegra no Álbum Virtual da Trama.

Dizem que está mais guitarreiro e homogêneo o novo trabalho dos brasileiros, o que para uns não é tão positivo. Para blogueiro Lúcio Ribeiro, a banda parece ter encontrado uma fórmula pop e segura para criar canções, o que acaba com as boas surpresas. Pelo menos o CSS deve sobreviver à maldição do segundo álbum.

Madonna: O jornal argentino Infobae afirma que a rainha vai se apresentar no Rio de Janeiro (Maracanã – 13 e 14 de dezembro) e em São Paulo (Morumbi – 17, 18 e 20 de dezembro). A turnê ainda passaria por Santiago e Buenos Aires, porém a equipe da cantora não confirmou as informações.

Nine Inch Nails: Essa é quente para os porto-alegrenses: a Opinião Produtora divulgou que o NIN toca no Pepsi On Stage, no dia 9 de outubro, quinta-feira. O primeiro lote de ingressos custa R$ 80 para a pista, R$ 150 para mezanino e R$ 1.500 para camarote (6 pessoas).

Paul McCartney: O jornal britânico Sunday Mirror soltou a notícia: MacCa deve fazer uma grande turnê, com dois anos de duração, e com passagem pela América do Sul. Por enquanto, é apenas um sonho no horizonte, mas devem surgir novas informações em breve.

TIM Festival: Além disso, a assessoria do TIM Festival confirmou boatos velhos: o hype do MGMT, os ciganos punks do Gogol Bordello e o ex-The Jam Paul Weller estão confirmados para a edição de 2008 do maior festival do país.

Fontes:

Terra
Paste Magazine
G1

O jornal O Globo realizou – e o blog Rapevolusom publicou – uma entrevista massa em que o rapper Ja Rule, de passagem pelo Brasil, responde a perguntas de MCs brasileiros, incluindo Thaíde, Black Alien e Rappin’ Hood.

Confere o que o cara tem a dizer sobre o rap daqui e o de lá. Clique Aqui.

Confira diariamente, aqui, os relatos do que tem rolado de bom no GIG Rock!

Minha saga gigroqueira teve início no segundo dia de festival  sábado, 5 de julho -, mas sei que a sexta-feira foi um dos melhores dias até agora. Apanhador Só e Tom Bloch foram as primeiras bandas da noite de sábado. Não consegui chegar a tempo, mas o que se via era gente satisfeita. Fiquei sabendo que a meia hora padrão do festival foi curta para quem estava acostumado com o laboratório sonoro da Apanhador Só – a banda apresentou uma seleção pequena, porém precisa de canções.

Na chegada fui capturado pelo rock pegado dos Locomotores. Banda de macaco véio é outra coisa – o show da Locomotores é um show à parte, Petracco e Maurício demonstram muita segurança, tanto ao dividir vocais quanto ao alternar os riffs e solos de suas respectivas guitarras. A presença dos caras no palco, dividindo o microfone (“esse aqui a  gente vai deixar com vocês”, disse Petracco ao virar o pedestal do segundo microfone em direção à platéia), empolgou e poderia ser a mais aclamada na noite, não fosse a atração que a sucederia: Frank Jorge. Frank alternou canções próprias com hits certeiros da Graforréia – “Nunca Diga” e “Amigo Punk” -, além de sua homenagem a Júpiter Maçã, “o cara mais rock ‘n’ roll desta cidade”. A versão frankiana de “Um lugar do caralho” não contemplou as minúcias e sutilezas que fazem de Flávio Basso o músico genial que é, mas se aproximou de uma tradução do clima da segunda noite de Gig Rock: gente afudê, cerveja (razoavelmente) barata e o som dos Beatles e de Syd barrett ecoando nas notas alheias.

O fechamento no sábado ficou com as (ou os) Supergatas. A estética Glam associada a boas doses de punk rock e o vocal melódico berrado (destruidor de cordas vocais) fazem da Supergatas uma banda destoante e com identidade. Mas a falta de identidade não é uma característica do line up do Gig Rock. Aliás, o mais interessante é que se faz evidente que rock gaúcho não é rótulo que sirva como definição de estilo. Os Dead Kennedys que estampavam o cinto do vocalista da Supergatas foram apenas um prenúncio da noite de domingo.

Sim, domingo também tem show. A função começou pelas 21h. Sentado no mezanino, fui despertado pelo petardo “Rock & Roll”, do Led Zeppelin, bem entoado pela vocalista da Morgan La Femme. As gurias fizeram um show legal, embora tenham um longo caminho pela frente. Depois veio o nü metal da Redoma, banda extremamente competente, com uma vocalista afinadíssima. Como uma Pitty nascente – ainda que a vocalista daqui cante bem melhor que a baiana -, fizeram uma humilde platéia bater cabeça, enquanto a grande maioria apenas assistia, esperando que algo mais leve tomasse o palco.

Azar o deles, pois quem veio na seqüência foi a Yesomar. E foi aí que lembrei do cinto dos Dead Kennedys. Não são só as caras insanas à Jello Biafra do vocalista very crazy da Yesomar que lembram a banda californiana. As influências mais guitarreiras e porradas, de Deep Purple a Hellacopters, transparecem no som direto, cru e distorcido dos caras. Fica claro que, sem show, não há rock ‘n’ roll. E, depois de 30 minutos de pau atrás de pau, o power trio sai do palco da mesma maneira que entrou: mandando tudo se foder. Nesse mesmo clima dead-kennedys-fuck-you, sobem ao palco Os Alcalóides e, pela primeira vez na noite, temos duas guitarras disputando o espaço magnético do ar. Pela primeira vez, também, o som fica um pouco mais embolado, neste que vem se mostrando um evento de excelente estrutura de áudio, fato que se comprova na satisfação do público. Depois do punk rock dos Alcalóides, veio o punk rock da Los Vatos, outra veterana da cena grande-porto-alegrense. Ramônico, rápido, direto: a meia hora da Los Vatos dura mais que qualquer outra, e vou embora pra casa satisfeito com mais uma noite de Gig Rock.

Não perca a entrevista completa na NOIZE 15, em breve no ponto de distribuição mais próximo!

Assim começa o texto que divulga a festa Apartment Jazz, evento no qual ocorrerá a exibição do filme homônimo do cineasta, do músico, do gênio louco Júpiter Maçã. O média-metragem é uma raridade, e os fãs do cara que nunca viram o filme certamente ficarão felizes em não perder esta oportunidade:

Apartment Jazz, a Festa (Confira o flyer)

Exibição do filme, drinks fantásticos e a presença do flautista de Hamlin , o segundo convidado a ter contato com Pan: Júpiter Apple Maçã, bastardo do melhor do Samba Jazz.

Vagabundos e vagabundas: sejam bem-vindos! 

Quinta – feira, 03/07/2008, ao badalar das 22 horas.

R$ 20,00, com um Apple personal drink.

Cultura Rock Club – Olavo Bilac, 251, esquina da Lima e Silva.

Fonte: NME

Fonte: G1

A função teve início depois da uma da madrugada, com os marmanjos do Império da Lã subindo ao palco em meio à eufórica fala do vocalista Carlinhos Carneiro. Mas não tardou para que a musa da noite, Lica, subisse ao palco portando uma taça de vinho e entoasse o início do já clássico Rehab. Seguiu-se o repertório completo de Back to Black, com direito a muita afinação e poucas gafes da cantora – provavelmente menos do que a original teria cometido.

Depois de dançarem muito ao som de Amy, os presentes ganharam um show do Império sem Lica. Menos esquelética do que a matriz, a filial da junkie britânica saiu de cena tranqüilamente, enquanto Carlinhos assumia o microfone que lhe era de direito e brindava a platéia com mais uma seleção de hits, incluindo diversos Beatles.

Passada a lição de rock em inglês britânico, todos voltaram para casa querendo ter acento e um assento.

Diz o blog de Thiago Ney e Marco Aurélio Canônico, da Folha Ilustrada, que os Raconteurs são presença possível no festival Planeta Terra. Os produtores do festival teriam confirmado a possibilidade, porém não haveria confirmação. O Planeta Terra acontece dia 8 de novembro, em São Paulo, e já tem presença confirmada de Jesus & Mary Chain e Bloc Party.

Fonte: Folha Ilustrada

Demorou, mas parece que finalmente será produzido um filme sobre a vida de Renato Russo. A notícia veio à tona na coluna de Mônica Bergamo, na Folha de São Paulo. A Record Entretenimento estaria interessada em co-produzir o longa, que deve ser totalmente rodado em Brasília – berço da Legião Urbana. A expectativa é que as gravações comecem em 2009. Seu Edir Macedo não perde tempo, já está adentrando o mundo cinematográfico.

Fonte: UOL

Já vem tarde. Depois de todos muambeiros do país trazerem seus próprios lotes de iPhones desbloqueados, agora é a vez da Claro fazer o trabalho – limpo, é claro. Na quinta-feira (7), a América Móvil, grupo mexicano que controla a Claro, anunciou que está com contrato exclusivo assinado com a Apple para comercializar o iPhone no continente sul-americano. A assessoria da Claro teria confirmado a informação, porém não se sabe quando os aparelhos começam a ser comercializados. O que está confirmado é que o brinquedinho dos sonhos da Apple devem chegar até o fim de 2008. Enquanto isso, para quem quiser, há macheias de opções de fundo de quintal nos classificados ZH.

Fonte: G1

Madonna repetiu sua traquinagem de 2003, quando deu um beijo na boca da ex-queridinha e atual perdidinha, Britney Spears. No segundo show da turnê de Hard Candy, em Paris, a rainha do pop deu um beijo quente em uma de suas dançarinas enquanto segurava uma garrafa de champanha com uma das mãos. Se foi encenação ou tesão, poucos saberão.

Fonte: G1

O festival Liverpool SoundCity pode ser palco de uma reunião clássica. O jornal”Daily Star” informou que os ex-beatles Ringo Starr e Paul McCartney devem tocar juntos durante a edição desse ano do festival, que acontece entre 27 e 30 de maio próximos. A prefeitura de Liverpool teria pago a bagatela da US$ 3,4 milhões pelo show.

Fonte: G1

A MTV publicou os clipes favoritos dos caras do Foo Fighters em sua seção “MTV Overdrive”. Para conferir, vai lá.

Por isso que o Ford Ka é melhor. Um Aston Martin que rumava para o set de filmagens de “007 – Quantum of Solace” escorregou na estrada e caiu no lago Garda, no norte da Itália. O motorista sofreu pequenos ferimentos, o carro foi resgatado de guindaste. Na próxima, vá de Ka.

Fonte: G1

As cenas em que o falecido ator Heath Ledger aparece agonizando como o Coringa de “Batman – O cavaleiro das trevas” não serão cortadas. Boatos diziam que a Warner Bros providenciaria a exclusão de cenas que causaram incômodo no público por “remeterem à morte de Ledger”. O ator faleceu em janeiro, vitimado por uma overdose de medicamentos.

Fonte: G1

Um vizinho de Britney Spears fez uma revelação sensacional: a estrela cadente teria beijado seu ex-marido, Kevin federline, na frente de seus dois filhos. Federline teria ido buscar os filhos na casas de Brit e se despedido com um beijo na boca. Britney teria uma queda irresistível pelo ex, de quem se divorciou no final de 2006.

Fonte: Terra

Em sua nova encarnação, Bob Dylan é um escritor infantil. “Forever Young”é inspirado pela canção homônima de Dylan. O livro tem 40 páginas e, segundo o release divulgado à imprensa, “é uma história sobre a importância de fazer o bem”.

Dias atrás, Dylan recebeu o Prêmio Pulitzer de jornalismo pelo impacto de suas canções na música popular e na cultura americana. Viva o velhinho.

Fonte: G1

O que acontece com a voz depois de anos cantando de forma gutural? Eis um vídeo interessante – e em inglês – em que um senhorzinho explica que cantar a la Napalm Death não danifica as cordas vocais – diferente do que dizem diversos estudos sobre o assunto. Mas o melhor de tudo é o médico imitando os canto.

Fonte: SoundWorld

Tem mais Nick Cave & The Bad Seeds saindo. Saiu “Dig, Lazarus, Dig!”, 14• disco de estúdio do viajandão australiano. Segundo o G1, o disco mantém a crueza que consagrou Cave, adicionando flertes com o blues, country e o noise rock do Sonic Youth. Parece que Nick não parou no tempo, ainda que o tempo para ele passe devagaaaar.

Fonte: G1

O Popcrunch revelou fotos de Amy Winehouse tomando um traguinho destilado e fumando um cigarrinho (com filtro) enquanto segurava no colo o bebê de uma amiga. Certamente não são a hora e local mais seguros para um bebê estar.

A querida Britney Spears causou um engavetamento em uma via expressa de Los Angeles na noite do último sábado, 12. Sem conseguir frear seu Mercedão, Brit bateu na traseira de outro carro, que colidiu no veículo da frente. O acidente não deixou feridos.

Fonte: G1

Cinco anos após a separação, o Stone Temple Pilots voltou a se reunir. Na segunda-feira, 7, a banda anunciou que fará turnê por 65 cidades norte-americanas. Perguntados sobre um possível novo disco, Dean DeLeo e Weiland afirmaram ser uma ótima idéia. Que venham os discos – e se vão as drogas.

Fonte: G1

O colecionador Keya Morgan foi o felizardo a embolsar um milhão e meio de dólares por um vídeo de 15 minutos em que a loira Marilyn Monroe faz sexo oral em um homem não indentificado. Morgan havia comprado o filme de um informante do FBI. A origem da fita: uma suspeita despertada pela fita em questão, de que John F. Kennedy estava tento um romance com uma atriz de Hollywood.

Porém, nada disso é confirmado. E se é ou não Marilyn a loirinha dando duro no filme, só o comprador milionário irá saber: o homem disse que não pretende disponibilizar as imagens de forma alguma.

Fonte: G1

Um documentário na TV britânica deu origem a um filme muito original. Em “Young at heart”, homens e mulheres da terceira idade cantam clássicos que vão de Sonic Youth a James Brown. Dizem que a cena da vozinha de 92 anos cantando “Should I stay or should I go”, do Clash, vale o ingresso.

Fonte: G1

Calma, Amy segue vivíssima. Porém, por um motivo ainda não conhecido, a cantora cancelou as sessões de gravação de seu novo álbum. Ela viajaria para as Bahamas, onde seriam realizadas as gravações, mas desistiu da viagem de repente. Boatos indicam que o disco não deve mais sair em 2008.

Fonte: G1

Quem estiver no festival de cinema de Cannes em 2008 terá a oportunidade de receber uma aula de cinema de peso. Quentin Tarantino, diretor consagrado por longas como Pulp Fiction e Kill Bill, falará sobre sua experiência profissional para um grupo selecionado de alunos. Só em Cannes.

Fonte: G1

O rapper Vanilla Ice, famoso nos anos 90 pelo hit “Ice Ice Baby”, foi solto hoje Preso na última quinta-feira (10) por supostamente agredir sua mulher, Laura, Ice seguia sob custódia policial. Hoje um juiz determinou que o rapper fosse solto.

Fonte: US Magazine

O mestre da comédia Mike Myers será o host da edição de 2008 do MTV Movie Awards. É a segunda vez que Myers apresenta a premiação de cinema da MTV, que acontece no Gibson Amphiteatre, na Califórnia. Dessa vez, foi o longa “Love Guru” que chamou a atenção da rede de TV para Myers, famoso por seus personagens icônicos, como Austin Powers.

Fonte: popcrunch

Até Kathy Hilton, mãe da sempre em exposição Paris Hilton, desconfia das intenções da filha. Segundo o tablóide The National Enquirer, o namoro de Paris com Benji Madden, guitarrista do Good Charlotte, não convence Kathy. A mãe teria questionado sua filha se esta não estaria fazendo isso apenas para irritar Nichole Richie, mulher de Joel Madden, irmão gêmeo de Benji e vocalista do GC. Paris, outrora amiguinha de farra de Nichole, teria respondido que não e que nunca estivera tão feliz em toda sua vida. Ok.

Fonte: popcrunch

A estratégia de lançamento de “Shine a Light”, documentário de Martin Scorcese sobre os Stones, têm mais uma novidade. Em parceria com o YouTube foi inaugurado Living Legends, um hot site no qual os internatuas podem postar vídeo-perguntas para Mick Jagger e Keith Richards.

Quem acessar o YouTube.com verá que há um vídeo dos dois fazendo publicidade sobre o canal. Aproveita e manda tua pergunta. O Living Legends deve convidar outros artistas no futuro para esse mesmo tipo de comunicação fã-banda.

Fonte: G1

Parece que a Dr. Pepper vai ter que fazer muito refrigerante. Segundo o site Therockradio.com, a Geffen Records confirmou o recebimento de Chinese Democracy finalizado e já estaria negociando o lançamento do disco e os direitos autorais com Axl. Será quer foi só para ralar a Dr. Pepper que Axl resolveu lançar o mítico álbum? Ou será apenas mais um alarme falso? Toda empolgação requer cautela pra não virar revolta.

E não pára por aí. Um canal de TV planejava produzir um reality show mostrando o processo de finalização do álbum, além de cenas de shows e bastidores que documentam os 14 anos de produção de Chinese Democracy. Caso se prove boataria barata, a Dr. Pepper pode ficar tranquila, e to tal canal de TV que se prepare para fazer o primeiro reality show sem fim da história da televisão.

Fontes: G1 ClicRBS

Uma pesquisa realizada pela rede de hotéis Travelodge (???) coloca Coldplay e james Blunt no topo da lista de bandas mais soníferas.
Mas isso não deve ser tomado como ofensa: a indução ao sono significaria um atrativo àqueles que buscam músicas calmas para afastar a mente das pressões do dia-a-dia na hora de ir pro berço. Ah bom.

Fonte: G1

Um documentário a ser lançado no fim do ano revela um dos muitos mistérios em torno das canções dos Beatles. O “eggman” de “I am the Walrus” é Ted O’Dell, um distribuidor de ovos que se encontrou com os fab four tomando cerveja em um pub de Newquay, Inglaterra. O encontro teria inspirado John Lennon a escrever a canção, em pleno vapor psicodélico do fim dos anos 60.

“Mystery Tour Memories” foi dirigido por David Lambert. Além de solucionar o mistério de “Walrus”, contém 15 minutos de imagens inéditas da banda, feita por turistas na Cornualha, no verão de 67.

Fonte: G1

“The Sex Pistols: There’ll Always Be an England” registra cinco shows da última volta de Johny Rotten e companhia, em novembro de 2007. Dirigido por Julien Temple, que acompanha o trabalho da banda desde 1976, o longa sai em DVD e inclui um bônus de 80 minutos, no qual os integrantes da banda visitam a vizinhança em que cresceram, em Londres.

Fonte: UOL

De um monstro para outro. Durante as filmagens de Shine a Light, Keith Richards presenteou o blueseiro Buddy Guy com uma de suas guitarras prediletas. “É sua, baby, [eu pensei]. Com tudo aquilo acontecendo naquela noite, eu pensei, ‘esse é o meu respeito por Buddy, Muddy e todos os caras que me ligaram na coisa toda’”, explicou o guitarreiro.

Fonte: Starpulse

O rei Woody Allen processou a grife norte-americana American Apparel Inc. por utilizar cenas de “Noivo neurótico, noiva nervosa”, longa do ator e diretor em uma peça publicitária veiculada em NY e Hollywood. Woody afirmou não endossar produtos comerciais nos EUA e que os cartazes eram “vergonhosos”. Além disso, ele não teria sido contatado pela empresa em momento algum. “Noivo neurótico, noiva nervosa”deu a Allen o Oscar de melhor diretor em 1977.

Saiu o primeiro teaser de “Ensaio Sobre a Cegueira”, dirigido por Fernando Meirelles, baseado na clássica obra de José Saramago. Estrelam o longa Gael Garcia Bernal, Julianne Moore, entre outros.

Site do Longa

Fonte: Rolling Stone Brasil

Detalhe: em momento algum os resultados do teste da verdade são revelados.

Fundador do Pavement, Stephen Malkmus é um homem de opiniões interessantes. Após liderar a cena indie em seus tempos mais cool e menos hype, Malkmus demonstra uma afiada visão crítica do que se tornou a cena rock. “O U2 quer sair com o Arcade Fire. Eles não queriam sair com o Pavement”, compara o músico em entrevista imperdível para o Stereogum.com.

A doida e talentosa Amy Winehouse parece estar fazendo as pases com o mundo. Desde quarta-feira está no YouTube um vídeo em que ela, acompanhada de um transsexual, dá chá e bolacinhas para os paparazzis acampados… ah, assista ao vídeo.

O portal de notícias G1 publicou uma matéria interessante para os desocupados de plantão: os melhores jogos da web. As opções vão desde encarnar Heather Mills jogando copos de água em Paul McCartney no julgamento de divórcio até exterminar zumbis. Na verdade, não há muito mais que isso, mas vale conferir.

Não largam o pé do oriente. Em “The Love Guru”, novo filme de Mike Myers, o rei da comédia encarna um guru que mistura diversas crenças daquela região. Obviamente que os trejeitos atrapalhados e desmunhecados que o líder espiritual Myers assumiu não agradaram o povo de lá. A comunidade hindu de Nevada (EUA) exigiu assistir ao filme antes de ele ir ao cinema, pois considera o filme uma afronta aos valores daquele povo. O líder Rajan Zed disse que as pessoas ficarão com uma imagem errada sobre os hindus e outras religiões orientais.

Fonte: G1

Mariah Carey ultrapassou na última quinta-feira o rebolado de Elvis Presley na Billboard. Mariah é a mulher com maior número de singles em primeiro lugar nas paradas americanas. Com “Touch my Body”, seu 18º single a encabeçar a lista, a cantora está atrás apenas dos Beatles e seus 20 hit singles.

Fonte: Rolling Stone Brasil

Foo Fighters no Brasil, nem no 1º de abril. Já na Nova Zelândia, toda a cidade de Auckland caiu na pegadinha de uma rádio local que anunciou um show acústico do grupo na última terça-feira. O problema foi que a coisa ganhou proporções gigantescas, e centenas de pessoas, entre ouvintes, produtores e membros de gravadoras ligaram para a rádio pedindo mais informações sobre o espetáculo. A rádio teve que pôr o rabo entre as pernas e pedir desculpas para os fãs. Estes vão virar emo.

Fonte: G1

O Foxboro Hot Tubs, suposto projeto paralelo do Green Day, disponibiliou um novo single para download pago. Por aproximadamente R$ 1,73, você baixa “The Pedestrian”, que integra o primeiro álbum da banda, Stop, Drop and Roll. No site da Jingle Town Records, você pode baixar “Mother Mary”, primeiro single do grupo, de graça. Site da banda Jingle Town Records

Já estão disponíveis no iTunes as faixas instrumentais da música (e single) “Nude”, do Radiohead. O motivo é um concurso de remixes para a faixa, que a banda inglesa anunciou hoje. É mais uma estratégia de divulgação de In Rainbows, “disquinho” que desde o lançamento foi inovador – os fãs pagaram o quanto quiseram.

Site do Radiohead

Fonte: Rolling Stone

David Schwimmer, o Ross de Friends, fez sua estréia como diretor de cinema. “Run, fat boy, run” entrou em cartaz nos EUA, na última sexta-feira. A crítica norte-americana tem recebido bem o filme, embora muitos considerem “um filme que pode ser ignorado”.

Fonte: G1

Chega de andar só em Aston Martins, Ferraris e afins. Em seu próximo longa, o agente 007 vai andar de carrinho popular O pequenino Ford Ka custa 20 vezes menos que o Martin que James Bond dirigiu em seu último filme. Na cena inicial de “007 – Quantum of Solace”, o Ka é levado ao extremo pelo agente que, depois, volta a dirigir seu imponente esportivo

Fonte: G1

O CSS está chegando na Austrália para uma série de shows, principalmente no V Festival. No mesmo evento, tocam Muse, Stereophonics, Maximo Park, Alanis Morissette e Kaiser Chiefs.

Fonte: G1

Entrou no ar o blog de “Los Abrazos Rotos”, próximo longa do espanhol Pedro Almodóvar. Em fotos publicadas no site do cineasta, é possível ver Penélope Cruz e outros atores do elenco, além do próprio diretor escrevendo o roteiro. Almodóvar havia feito o mesmo durante a preparação para seu último longa, “Volver”, também estrelado por Penélope.

Fonte:G1

A produção da animação brazuca “O Grilo Feliz e os Insetos Gigantes”, a ser lançada em 2009, está utilizando a mesma tecnologia usada em “A Era do Gelo”, dos estúdios Pixar/Dreamworks. As primeiras imagens do longa j’a podem ser vistas no YouTube.

Fonte: G1

Podem matar ele quantas vezes forem necessárias pra que ele sinta mais uma vez o prazer de voltar. Mas dessa vez ele vai estar novinho em folha. A produtora de Sexta-Feira 13 já tem o primeiro nome para o elenco do próximo longa da interminável série. Jared Padalecki, que ganhou visibilidade por seu papel em Supernatural, está com as negociações nos finalmentes. O filme, que estréia dia 13 de fevereiro de 2009, conta o início da história do serial-killer de Crystal Lake.

Fonte: Antenando

Os galeses do Funeral for a Friend cancelaram a série de shows que fariam no Brasil, incluindo a apresentação de 3 de abril no Opinião, junto com os americanos do Rufio. Pela justificativa dada no myspace da banda (myspace.com/funeralforafriend), o motivo foi alguma falha dos organizadores brasileiros da turnê, porém estes ainda não se manifestaram.
Em breve traremos mais informações sobre o show e o dinheiro de quem já comprou ingresso, se o Rufio mantém a data ou se cancelam tudo.

Fonte: G1

Rivers Cuomo e sua turma atrasarão em dois meses o lançamento de “Tout ensemble”, novo álbum dos powerpoppers. Cuomo adiantou que em breve alguma música deve figurar nas rádios e descreveu o álbum como “crocante e melódico como um bom disco do Weezer deve ser”. É esperar pelas 18 faixas que anulam, para a felicidade dos fãs, o outrora anunciado hiato da banda.

Fonte: G1

Os new wavers do B-52′s resolveram aderir à onda que vem fazendo com que bandas aposentadas voltem a gravar. Segundo a EMI, “Funplex”, primeiro álbum de estúdio do grupo em 16 anos, deve ser lançado na terça-feira, 25. A banda vinha a todo esse tempo fazendo apenas shows, vivendo das décadas de 80 e 90. Parece que eles mesmos cansaram do repertório ou, como afirmou o guitarrista Keith Strickland, arranjaram a “energia”que faltava para gravar juntos.

Fonte: G1

Não se trata de mais um micão pago pela cantora britânica. Amy pousou quase nua para a revista inglesa Easy Living. Nas fotos, ela aparece com um violão escondendo a região de baixo e fita adesiva sobre os mamilos. As imagens, clicadas por Carolyn Djangoly, fazem parte de uma campanha por fundos para combater o câncer de mama. Isso aí, Amy, saúde em primeiro lugar.

Fonte: NME

Você pagaria mais caro pelo iPod em troca de livre acesso ao catálogo de grandes gravadoras? Pois a Apple negocia com diversas majors para oferecer esse tipo de pacote. A negociação depende, basicamente, de quanto da maçã sobraria para as gravadoras no esquema. Pagando até US$ 100 a mais pelo brinquedinho audiofônico, o cliente teria acesso ilimitado às musicas durante a vida útil do aparelho. Usuários do iPhone poderiam optar também por uma assinatura mensal de aproximadamente US$ 8. A ação parece ser uma estratégia para compensar o pouco lucro gerado pela loja virtual iTunes, porém ninguém da empresa se dispôs a comentar o assunto.

Fonte: G1.com.br

Estréia na sexta-feira, 21, a cinebiografia de Dylan. “Não Estou Lá”, o filme que rendeu um Oscar a Dylan pela trilha sonora, passa por todas as fases e facetas do velhinho e conta inclusive com Cate Blanchett como uma das encarnações dylanescas. Segundo a crítica especializada, o filme é tão denso e vibrante quanto a era na qual foi inspirado. Direção de Todd Haynes.

Fonte: www.NaCabeca.com.br

Os Beatles podem estrelar a próxima versão do game Guitar Hero. Segundo o executivo-chefe da Sony Music, Martin Bandier, o assunto já foi bastante discutido com as partes envolvidas. Com a mudança na conduta da gravadora em relação ao repertório dos Fab Four, que incluiu a inclusão deste na loja da iTunes, tornou-se mais viável uma idéia como essa. Porém a Activision, fabricante do game, afirmou estar trabalhando na versão do Aerosmith do game e não se manifestou sobre o assunto.

Fonte: igpop.ig.com.br

Isso mesmo e nada disso. Os americanos do Velvet Revolver devem ser os privilegiados a abrir os shows da tour mundial do Led Zeppelin. Em declaração à Rolling Stone, o VR Duff McKagan disse estar confiante de que eles serão a banda de abertura em todos shows da turnê, embora tenha consciência de que muitas bandas estejam dispostas a fazer o possível para roubar seu lugar.

Ainda assim, é tudo apenas papo pra atiçar os fãs do Zeppelin, já que a banda nem anunciou datas para a tão esperada turnê – Robert Plant tem shows a cumprir em sua parceria com Alison Krauss até setembro.

Fonte: Rolling Stone

Esperamos que o treze dê sorte – depois de treze anos, o Queen acabou de gravar um novo álbum. O registro, ainda sem nome, conta com Paul Rodgers, vocalista que participou da turnê que o grupo fez em 2005/6 com os dinossauros Brian May e Roger Taylor. As composições do disco são todas frutos dessa parceria. O lançamento está previsto para o dia primeiro de setembro, e duas semanas depois do lançamento do disco o Queen sai em turnê por 14 países ao redor do globo.

Fonte: Uncut

O livro “Reliquias da Morte”, último da série “Harry Potter”, deve render dois filmes pela Warner Bros. O primeiro deve ser lançado em novembro de 2010, e o segundo, em maio de 2011. A direção dos longas, 7º e 8º da série baseada na obra de J.K. Rowling, ficará por conta de David Yates, o mesmo de “Harry Potter e o enigma do príncipe” que deve ser lançado em novembro deste ano.

Uma boa notícia para os fãs do livro, que devem assistir a uma versão cinematográfica mais abrangente e detalhada da história.

Fonte: G1

Fonte: G1

A atriz Scarlett Johansson resolveu atuar em causas sociais de forma inusitada: para ajudar a ONG Oxfam, ela se ofereceu para participar de um leilão. Quem der o lance mais alto, terá direito a dois ingressos para a première do filme He’s Just Not That Into You (ainda sem título em português) e a um rápido encontro com a atriz – só para tomar um suquinho.

O evento acontecerá em julho, em Los Angeles ou Nova York. Na página do eBay, onde está sendo feito o leilão, dá para assistir ao vídeo em que a atriz explica a proposta (e onde ela pede que as ofertas sejam altas). O lance atual já passa dos Us$40 mil.

Fonte: G1

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O guitarrista dos Rolling Stones, Keith Richards, é o novo rosto da campanha publicitária da grife francesa Louis Vuitton. O músico aparece com sua guitarra deitado na cama de um quarto de hotel. O slogan é simples: “Algumas viagens não podem ser expressadas em palavras. Nova York. Três da manhã. Blues em dó”.
Esta é a primeira vez que Keith Richards participa em uma campanha publicitária. Richards vai doar seu pagamento para a associação The Climate Project, criada por iniciativa do Prêmio Nobel Al Gore. As fotos de campanha, que será lançada em abril, foram feitas pela americana Annie Leibovitz.

Fonte: G1

Segundo a organização, “a idéia é chamar a atenção de autores, letristas, cantores [...] estudantes e do público em geral, para a importância da música regional”. Um bem cultural tão vasto quanto a música brasileira, reunido de forma compacta e acessível, é certamente uma programação que vale conferir.

Mais informações:

www.sesc-rs.com.br/artesesc

51 3284 2063

Eu andava lá, e pensei “putz, eu sou a pirataria escancarada”. É quase óbvio que o mp3 que tocava no meu radinho não tinha sido passado por mim de um vinilzão, e bastante provável que eu tinha apenas baixado o CD de um desse blogs que sopram música brasileira pra pessoas escondidas em frente ao monitor do computador. Alegria, alegria – e pirataria. Será que Caetano ficaria descontente em saber que um gaúcho qualquer se emocionava com seu pranto esperançoso em melodia, sem pagar um tostão por isso? Acho que não.

Putz, tá ficando muito fácil ser cool e escutar coisas cool. Mas o cara mais cool de todos é o mp3, mestre da democratização do nosso belo passado musical. Depois, o Caetano.

Segundo a Zero Hora, o duo White Stripes vem aí. Diretamente da terra do Tio Sam para o sagrado (porém não muito grande) Bar Opinião. Portanto, vá juntando uns trocados, porque vai ter muita gente querendo entrar, e o jeito vai ser filtrar pela quantidade de verdinhas que cada um está disposto a desembolsar. Rimou.

Visite o site www.whitestripes.com